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Telemac : Le rock psychédélique comme odyssée musicale

Franco Onweb — 2026-05-07T15:35:39Z

Montpellier, 2026. Dans un paysage musical où le rock psychédélique renaît discrètement, Telemac trace sa route avec une énergie à la fois rétro et résolument moderne. Fondé en 2018 par Vincent Ferraris, le groupe puise son inspiration dans les mythes antiques, les voyages intérieurs et une passion inébranlable pour la scène. Entre basses modulées, mélodies envoûtantes et textes poétiques, Telemac incarne une quête : celle d'un son à la fois intemporel et profondément humain.

À travers cette interview, Vincent Ferraris, fondateur et compositeur, revient sur les défis du groupe — du Covid à une greffe cardiaque —, ses influences éclectiques (des Beatles aux Limiñanas, en passant par le cinéma), et sa vision d'une musique qui se vit avant tout sur scène. Il évoque aussi les projets à venir, dont un album prévu pour 2026, et partage une anecdote poétique sur la pochette de leur EP, née d'un réveil après une opération.

Entre garage rock, psychédélisme et une touche de garage, Telemac prouve que la musique, comme l'Odyssée, est une aventure collective. Rencontre avec un groupe qui assume son héritage sans renoncer à sa singularité.

Nota Bene : interview réalisée avant le départ de Mélina, la batteuse, remplacée depuis par Valentin.

Peux-tu te présenter toi et le groupe ?

Je suis Vincent Ferraris, le fondateur du groupe Telemac, né en 2018 avec Sébastien Gattineau au chant, Mélina à la batterie et Karim à la guitare. Avant, nous avions Fanny au synthé basse avec le célèbre MS10, utilisé par des groupes comme Pink Floyd. Malheureusement, Fanny n'a pas encore été remplacée sur scène. Pour l'instant, un séquencer envoie la basse. Nous ne cherchons pas un bassiste « classique », car nous explorons le psychédélisme. Cela nous permet d'avoir des sons modulés, et les basses créent un vrai son psyché.

Telemac

Crédit : Philippe Poulénas

Il vient d'où, ce nom Telemac ?

C'est une référence à l'Odyssée. J'ai trouvé intéressant de mettre en parallèle cette histoire avec la création d'un groupe de rock : les rencontres, les trajets, les difficultés, les réussites. Et puis, c'est un nom cool, non anglo-saxon et universel : il se prononce de la même façon dans toutes les langues.

Vous avez fait quoi avant ce 5 titres ?

Nous avons d'abord été freinés par le Covid, dès le début du groupe, comme tout le monde. Ensuite, j'ai subi une intervention chirurgicale. Pourtant, nous avions bien démarré : Sébastien et moi avions écrit plusieurs titres et réalisé une maquette qui nous a permis de jouer un peu partout, pas seulement près de chez nous, comme en Normandie ou au Supersonic à Paris. Nous étions souvent sur la route. Il a fallu attendre la fin du Covid pour reprendre les concerts.

Vous écrivez comment ?

Je travaille d'abord seul. Comme je joue un peu de tous les instruments, je crée une maquette musicale. Ensuite, Sébastien pose une mélodie vocale avec du « yahourt » (des paroles improvisées). Enfin, Aurélie Menard, autrice, écrit les textes en fonction des thèmes que nous voulons aborder. Cela concerne surtout les morceaux en anglais, car nous avons aussi des titres en français, même s'ils ne figurent pas sur l'EP.

TELEMAC - Through My Love (Official Video)
par TELEMAC Music

https://www.youtube.com/watch?v=xu8TlriTYBU

Vous avez attendu longtemps avant de sortir un disque.

Oui, surtout que le public nous en demandait souvent après les concerts. Nous avons sorti trois singles depuis début 2025.

Vous jouez une musique « réjouissante », du rock un peu psyché, pas très original mais c'est super bien fait.

Nous ne faisons pas une musique révolutionnaire, et ce n'est pas notre objectif. Nous sommes des passionnés qui avons absorbé beaucoup d'influences. Nous essayons de retranscrire à notre manière ce que nous avons entendu, tant en studio que sur scène.

Quelles sont vos influences ?

Mélina est très « classic rock », même si elle écoute aussi des groupes comme Fontaines D.C. Moi, j'écoute des classiques comme les Beatles, mais aussi des groupes comme The Warlocks ou The Brian Jonestown Massacre. J'adore aussi les Limiñanas. Ils n'ont rien inventé, mais ils font des choses super bien. Le cinéma et la peinture m'influencent beaucoup : quand je compose, j'essaie de visualiser des images.

Telemac

Crédit : Philippe Poulénas

Il y a un vrai retour du « psyché » en France ?

Oui, un peu. Nous avons joué à Lorient et nous avons senti qu'il y avait un public pour ça, notamment en Bretagne ! Dans le Sud, c'est moins marqué, même si les Limiñanas ont créé une scène à Perpignan. À Montpellier, c'est plus limité, mais ça revient doucement.

La plupart des groupes de « psyché » en France se réclament aussi du « stoner ». Vous, ce n'est pas votre cas, vous êtes plus dans le côté « garage, psyché » ?

Exactement, c'est notre univers.

Vous avez sur scène des éclairages spéciaux ?

Nous allons en résidence à Victoire 2, la SMAC de Montpellier, pour travailler les lumières et les visuels. Notre musique s'y prête bien.

Mais souvent les groupes comme vous sonnent mieux sur scène que sur disque ?

Ça sonne différemment, je dirais… J'aime qu'il y ait une énergie supplémentaire, un côté humain. C'est du live, c'est normal.

Le disque risque d'être moins puissant que sur scène ?

Peut-être, mais beaucoup de groupes que j'ai découverts sur disque m'ont surpris en concert, avec plus d'énergie. Ensuite, j'ai redécouvert leurs disques sous un nouvel angle. Donc non, ça ne m'inquiète pas.

A bit Of Blue Sky (Single) - TELEMAC
par TELEMAC Music

https://www.youtube.com/watch?v=E0OZv5yQjQc

Vous l'avez fait où et avec qui votre disque ?

J'ai tout enregistré chez moi, et le mix a été réalisé au Mirador Sound Studio, près de Montpellier, où nous avons mixé 4 morceaux sur 6. Le reste, c'est moi qui l'ai mixé. Tout a été enregistré pendant le Covid, car j'ai un studio à la maison.

Ce sont des morceaux assez âgés ?

Oui, mais ils ont été finalisés en mars 2025. Les dernières retouches sont donc très récentes, surtout après les avoir testés sur scène, où nous avons modifié et amélioré des choses.

Quels ont été vos concerts les plus importants ?

Le Supersonic à Paris, qui était complet. Nous avons aussi joué dans des salles de Montpellier, comme le Rockstore, et fait une mini-tournée avec Minuit, sur trois dates dans des SMAC. Mais nos meilleurs concerts ont eu lieu dans des lieux improbables, montés par des associations. À Montpellier, il y a La Secret Place, que je soutiens personnellement en tant que bénévole. C'est difficile de maintenir ces lieux, mais les gens sont motivés et font vivre la musique.

Vous avez donc beaucoup tourné ?

Je fais de la musique pour monter sur scène. Quand je compose, j'imagine toujours ce que ça peut donner en live. C'est un moyen de partager la musique, et il faut que ce soit au point. Nous devons communiquer avec le public. C'est un tout : la composition, les instruments, le son, le visuel – j'adore le graphisme et crée moi-même les visuels. Ensuite, il y a la fabrication et les répétitions pour amener ça sur scène. C'est une construction stimulante, qui permet de rencontrer des gens à chaque étape. Je vis la musique avec une dimension sociale, collective.

En concert

Crédit : Olivier Scher

Vous êtes de Montpellier, vous êtes reconnus dans votre ville ?

Oui, même si le Covid nous a freinés. Ce n'est qu'en 2023 que nous avons repris les concerts. Maintenant, nous avons nos habitudes à Montpellier, même si notre musique n'est pas la plus représentée dans la région. Ici, c'est surtout l'électro ou le reggae, avec les plages et le soleil. Même des groupes comme OTH, les Sheriffs ou les Vierges sont passés par là, mais c'était les années 80. Aujourd'hui, la scène rock est plus limitée, contrairement à des villes comme Rennes ou Nantes.

Il va y avoir un album ?

Oui, en 2026. Nous avons déjà les titres ! Nous allons d'abord les faire vivre sur scène, puis enregistrer 12 morceaux. Nous voulions commencer par un EP pour ne pas nous lancer directement sur un long format. Comme nous sommes autoproduits, tout a un coût. Je pense aussi que la musique évolue avec le temps, et à notre niveau, il vaut mieux avancer par étapes.

Avec votre musique, vous allez pouvoir aller à l'étranger ?

Oui, notamment en Espagne, qui est proche de chez nous. Nous n'avons encore jamais joué à l'étranger. Nous partons cet automne en Angleterre pour une tournée de quelques dates !

L'EP est en anglais, vous allez chanter en français ?

Oui, l'album comportera des morceaux en français. Nous en jouons déjà sur scène. J'ai toujours eu du mal avec le français, car c'est difficile à faire sonner dans le rock. La phonétique de la langue ne s'y prête pas toujours. Heureusement, nous avons des gens qui savent écrire en français. Moi, je sais créer des riffs, composer, mais écrire un texte en français, c'est compliqué. Tout le monde ne peut pas y arriver.

Ils parlent de quoi, vos textes ?

De ruptures amoureuses, de relations humaines, de voyages, de transitions, mais ce sont surtout des états d'âme amoureux.

Crédit : Philippe Poulénas

Vous n'avez pas de textes politiques ou engagés ?

Non, même si je suis engagé à titre personnel. Pour Telemac, le côté psyché ne se prête pas à un discours trop réaliste.

Quels sont vos projets ?

Tourner, fédérer autour du développement du groupe, nous structurer pour progresser. J'ai des envies de sons et de création, mais je veux avancer sans précipitation.

Le mot de la fin ?

La pochette du disque représente un œil derrière des taches rouges et bleues. Je l'ai dessinée : c'est mon œil qui s'ouvre après mon réveil post-greffe cardiaque en 2020. On m'avait donné beaucoup de sédatifs, et j'ai fait des crises de délire. Je me souviens de me survoler, entouré d'hémoglobine. C'est une anecdote qui méritait d'être racontée.

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

Je choisirais Sébastien Tellier, pour son côté naïf et enfantin, qui peut parler aux plus jeunes.

https://www.facebook.com/telemacmusic/?locale=fr_FR
https://www.instagram.com/telemac_music/

Curlyz : Entre interview et playlist, plongez dans l'univers pop et solaire de Nice

Franco Onweb — 2026-04-23T17:31:46Z

Rencontrer Curlyz, c'est découvrir un duo niçois qui allie avec grâce des harmonies vocales envoûtantes, des mélodies pop élégantes et une passion contagieuse pour la musique. Leur premier album, What's That Chord ?, est un voyage sonore où se mêlent nostalgie, énergie et une touche méditerranéenne. Mais pour mieux comprendre leur univers, rien de tel que de plonger dans leur playlist personnelle, un véritable miroir de leurs influences éclectiques, allant du jazz de Billie Holiday au rock psychédélique de King Gizzard, en passant par la new wave de XTC ou la folk de Fiona Apple.

À travers cette interview et leur sélection musicale, Marie et Isabelle nous ouvrent les portes de leur créativité, entre complicité, liberté artistique et amour des mélodies intemporelles. Un duo à écouter sans modération, et une playlist à savourer comme une bande-son idéale pour accompagner leur univers

Pouvez-vous vous présenter ?

Curlyz : Curlyz, c'est la rencontre de deux voix qui se connaissent bien et qui ont eu envie de créer un projet à leur image. Après de longues années de complicité musicale, nous avons eu envie de prolonger l'aventure autrement : avec nos propres chansons, beaucoup d'harmonies vocales, des guitares, des mélodies et une vraie liberté artistique.

Curly, Marie et Isa

Droits réservés

Quels ont été vos parcours musicaux respectifs ?

M : Je suis autodidacte en musique. J'ai commencé à chanter à la fin des années 80 dans de petits projets éphémères, puis dans un groupe de reprises de girl groups au début des années 2000. En 2010 est né Bizarre Cooking Accident, dont je suis la chanteuse, avec un répertoire original d'inspiration rock 70's et dont j'écris les textes. En 2011, j'ai rencontré Isabelle en rejoignant Les Tikis et leur répertoire Northern Soul. L'aventure a duré treize ans, et Curlyz en est aujourd'hui la suite naturelle.

I : Mon parcours s'est construit au fil des rencontres. À 15 ans, j'étais choriste avec deux amies dans le groupe rock Les Mokos : mes premières scènes, et des souvenirs fondateurs. Plus tard, j'ai chanté treize ans avec Les Tikis, une aventure très importante pour moi. J'ai aussi joué de la basse avec Les Blondes, porté par Christine Lidon avec qui j'ai réalisé mes plus belles scènes, puis rejoint The Shark de Marc Piola Caselli. Aujourd'hui, je joue également en duo avec Olivier Nemejanski dans The Bratchman and the Lady qui est aussi une rencontre marquante, et je participe vocalement aux Kissing Cousins. Ce que j'aime le plus dans la musique, ce sont les aventures collectives.

XTC earn enough for us (Lyrics)
par Aaron Lanney

https://www.youtube.com/watch?v=Cn0Wpa-GWbA&list=RDCn0Wpa-GWbA&start_radio=1

Pouvez-vous nous parler de vos influences ?

M : Elles sont très larges : du jazz, de la soul, du rock… de Billie Holiday à Led Zeppelin. Les Anglais tiennent une grande place : les Kinks, Bowie, XTC, Kate Bush, Cocteau Twins, Divine Comedy ou Alt-J. J'aime aussi les artistes plus singuliers comme Fiona Apple ou King Gizzard.

I : J'aime beaucoup de styles différents. Quand je compose, je pense souvent à des sons, des harmonies ou des ambiances qui me rappellent les Revillos, X, les B-52's, les Go-Go's, Buzzcocks, XTC ou plus récemment Angel Olsen.

Pourquoi avoir monté ce nouveau projet, Curlyz ?

Curlyz : Après les Tikis, nous savions que nous avions encore envie de chanter ensemble. Plutôt que d'attendre une occasion, nous avons décidé de la créer nous-mêmes. Curlyz est né comme ça : avec l'envie de continuer, de nous faire plaisir et de proposer quelque chose de personnel.

Fast As You Can - Fiona Apple - 10/28/2017
par Radio Heartland

https://www.youtube.com/watch?v=xLLApwKg4eY&list=RDxLLApwKg4eY&start_radio=1

Comment le décririez-vous ?
Curlyz : Curlyz, c'est de la pop élégante mais vivante, travaillée sans être figée, rétro par touches mais tournée vers aujourd'hui. Des chansons mélodiques, des harmonies vocales, des guitares, et l'envie de faire une musique sincère et lumineuse.

Vous sortez un premier album, What's That Chord ? comment le présenteriez-vous ?

Curlyz : Nous voulions faire un album pop au sens large : des mélodies, des voix, des guitares. Le résultat ressemble à un patchwork sonore avec des couleurs variées selon les morceaux, mais une identité commune. Il y a du soleil, un peu de nostalgie, de l'énergie, des surprises… et surtout l'envie de faire un disque qu'on aimerait écouter nous-mêmes.

The Coral - Skeleton Key (Official HD Remastered Video)
par TheCoralVEVO

https://www.youtube.com/watch?v=yVHeDCCyLCk

Où et avec qui l'avez-vous enregistré ?

Curlyz : Une grande partie de l'album a été enregistrée dans nos home studios respectifs. Les batteries ont été réalisées à Nice, au studio « Beaucoup de Coups », chez Christian Rinaudo. Nous avons aussi eu la chance d'être entourées d'amis musiciens talentueux qui sont venus enrichir certains titres.

Quels musiciens ont joué sur cet album ?

Curlyz : Nous avons eu la chance d'être accompagnées par Gilles Eynaud de Faÿ (batteur des Play Boys et Luvely Rita) pour plusieurs batteries, Daniel Aprosio au mixage, mastering et batterie sur un titre, Olivier Nemejanski (The Bratchman) qui nous a confié la composition de Going Nowhere, Marc Galliani (guitariste des Play Boys et des Warmbabies ) dont la guitare a sublimé Misty Island, Marc Piola Caselli sur trois morceaux, ainsi que Christine Lidon aux chœurs sur Misty Island. Chacun a apporté sa sensibilité au service des chansons.

Beverley - Where The Good Times Are
par smylecouncil

https://www.youtube.com/watch?v=4zNDKxozJDw

Le disque repose en partie sur l'harmonie entre vos deux voix, ce qui rappelle beaucoup les productions des années soixante. Sont-ce toujours vos références ?

Curlyz : Oui, clairement. Nous aimons cette époque où les voix étaient de vrais instruments et où les harmonies faisaient partie intégrante des arrangements. Les Beach Boys, Crosby Stills & Nash ou certaines productions sixties restent des références. Mais il ne s'agit pas de nostalgie : on aime surtout réinterpréter cet héritage avec notre sensibilité actuelle.

Comment s'est faite la répartition des rôles au niveau des voix ?

Curlyz : Très naturellement. Nous choisissons toujours ce qui sert le mieux le morceau. Selon les tonalités, les couleurs de voix ou l'émotion recherchée, l'une prend le lead, puis l'autre. L'idée est que les voix dialoguent plutôt qu'elles ne se partagent des rôles fixes.

Cet album a un son très américain et très peu anglais. Est-ce volontaire ?

Curlyz : Absolument pas.

Bobby Come Back To Me
par The Revillos - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=K-8oUxIJstA

Ne serait-ce pas l'album parfait pour une nuit d'été sur la Riviera ?

Curlyz : Certainement… mais il fonctionne aussi très bien un matin d'hiver. S'il peut accompagner aussi bien une route de nuit sur la côte qu'un café un jour de pluie, alors le contrat est rempli.

Qui écrit et qui compose ?

Curlyz : Nous composons toutes les deux. Marie écrit les paroles, Isabelle développe beaucoup l'aspect instrumental et les arrangements. Ensuite, tout circule entre nous : une musique inspire un texte, un texte modifie une musique. C'est un vrai ping-pong créatif.

De quoi parlent vos textes ?

M : De portraits parfois, comme le personnage un peu frimeur de Mister Man ou la femme affirmée de That Girl. De choses plus intimes aussi, comme la nostalgie dans When I Get Back. Il y a également une dimension imaginaire avec The Bride ou Misty Island, et parfois des sujets plus actuels comme l'écologie avec Harsh Crash.

Angel Olsen - Forgiven/Forgotten (Official Video)
par AngelOlsenVEVO

https://www.youtube.com/watch?v=PinTAGbIsV4

Allez-vous monter sur scène ? Si oui, comment, quand et avec quels musiciens ?

Curlyz : Pour l'instant, notre priorité reste le studio et la création. Nous aimons construire cet univers discographique tranquillement. La scène n'est pas exclue, mais elle devra se faire dans la bonne formule et au bon moment.

Quand et chez quel label sortira cet album ?

Curlyz : Une anecdote qui nous a particulièrement touchées : lors du pressage de nos CD, l'équipe de Greek Guru Records, chargée de la fabrication, a pris le temps d'écouter nos morceaux. Leur réaction a été immédiate et extrêmement enthousiaste, au point de nous proposer spontanément d'intégrer leur catalogue. Un retour aussi inattendu que flatteur, qui nous encourage et nous conforte pleinement dans la direction artistique que nous avons choisie.

Comment pourra-t-on se le procurer ?

Curlyz : L'album sortira d'abord en CD et sur les plateformes numériques en MAI 2026. Et s'il est bien accueilli, pourquoi pas quelques pressages vinyles ensuite.

Le mot de la fin ?

Curlyz : Merci à celles et ceux qui prennent encore le temps d'écouter des albums entiers, de soutenir les artistes indépendants et de rester curieux. Si nos chansons peuvent apporter un peu de plaisir ou de légèreté, alors c'est déjà beaucoup.

Olivier Popincourt & Denis Bortek : une rencontre inattendue de deux musiciens Parisiens autour d'une Bossa Nova

Franco Onweb — 2026-04-16T16:02:20Z

Quand la Bossa Nova rencontre le Rock électrique et le Modernism, et que deux univers musicaux s'entrelacent autour d'un 45 tours, cela donne une collaboration aussi élégante qu'inattendue. Olivier Popincourt, passionné des sonorités des années 60, et Denis Bortek, interprète au phrasé délicat, unissent leurs talents pour un projet intimiste et raffiné. Entre La Pire des Berceuses – réinvention dramatique d'un titre d'Olivier – et une bossa nova composée sur mesure, leur single est le fruit d'une alchimie née sur les réseaux sociaux, consolidée dans les bars parisiens, et peaufinée à distance, entre voyages et studios personnels.

À l'occasion du Disquaire Day, les deux artistes révèlent un disque où la voix chaude de Denis Bortek se marie à des arrangements épurés, entre cordes envoûtantes et piano mélancolique. Pour accompagner cette interview, une playlist exclusive regroupe les influences qui ont inspiré ce 45 tours : de Pierre Barouh à Caetano Veloso, en passant par The Style Council et Nino Ferrer. Une plongée dans leurs univers musicaux, et une invitation à redécouvrir la bossa nova à travers le prisme de la pop française.

Rencontre avec deux mélomanes pour qui la musique reste, avant tout, une histoire de partage, de curiosité et d'hommages aux grands noms qui les ont marqués.

Comment s'est faite votre rencontre ?

Denis Bortek : Tout a commencé sur les réseaux sociaux. J'ai remarqué Olivier pour sa passion des années 60, que je partage totalement. Je l'ai invité à me rejoindre en live à l'International, mais il partait en Suède pour son travail. Nous nous sommes finalement croisés au Bar à Bulles, lors d'un numéro de Persona où je répondais à une interview de Frédéric Lemaître. Plus tard, Olivier m'a invité à chanter SOS Mesdemoiselles de Ronnie Bird en duo lors d'un de ses showcases à Montmartre. Nous avons échangé nos vinyles, et c'est là que j'ai rencontré Sébastien Souchois (aka Bastien Devilles), qui venait de jouer du saxophone baryton sur le titre que nous interprétions.

Denis Bortek et Olivier Popincourt

Crédit : Anne Marzeliere

Pourquoi avoir choisi ces titres ?

Denis Bortek : Je n'avais jamais chanté de bossa nova et j'avais envie d'essayer. J'ai demandé à Olivier s'il accepterait d'en composer une pour moi. Il l'a fait avec une spontanéité touchante. J'ai écrit un texte léger, rempli de morceaux de soleil, pour en faire une chanson fraîche et accessible, comme un cocktail de fruits savouré lors d'un moment ordinaire. C'était une première pour moi.

Le lendemain de son showcase à Montmartre, je lui ai envoyé un message pour lui dire à quel point j'aimais The Worst of Lullabies, un titre de la face B de son album We Were Bound to Meet, que nous avions échangé la veille. Nous avons finalement réinterprété ce morceau de manière très différente, en conservant l'arrangement de cordes de Sébastien Souchois. Nicolas Noël, au piano, a su mener cette "berceuse du pire" à son apogée dramatique. L'un d'entre nous avait dit : « Entre Satie et Oscar Wilde », une formule que je trouvais élégante et juste. Je ne sais plus qui l'a prononcée, mais je crois l'avoir lue chez Olivier.

Bortek & Popincourt (feat. Bastien Devilles) - Les Fruits du Paradis
par Truly Yours Records

https://www.youtube.com/watch?v=8O4EnlnKowo

Les deux titres ont un côté très « jazzy », proche de l'univers Mods. Est-ce un hasard ?

Denis Bortek : Ah, les Mods ! Je n'ai rien fait pour, mais nous partageons tous les deux ce côté Sharp du cool qui nous rapproche. « Kool Sharp Olivier » : cela pourrait être le nom de notre réunion !

Olivier, sur ces titres, vous ne chantez pas ou peu. Pourquoi ?

Olivier Popincourt : C'était le parti pris de cette collaboration : j'apporte la musique, Denis les textes et la voix. Denis a toujours chanté et écrit en français, et je suis ravi que ces titres soient interprétés dans la langue de Molière. The Worst of Lullabies devient ainsi La Pire des Berceuses, ce qui ajoute une touche particulière au projet.

Crédit : Anne Marzeliere

Comment s'est déroulée cette collaboration ?

Denis Bortek : Nous avons surtout travaillé à distance, Olivier étant souvent en déplacement. Nous nous sommes vus deux fois avec Sébastien, mais la plupart du temps, nous travaillions depuis nos postes respectifs. C'est très pratique quand on a envie de multiplier les prises sans déranger personne. Le confort de la maison favorise la concentration nécessaire à ce genre de travail.

Y aura-t-il une suite : concerts, autres titres, un album… ?

Denis Bortek : Attendons de voir les réactions que ce projet inspire. Un concert à Paris serait légitime, mais je crains que nous ne puissions aller plus loin, sauf si une radio s'intéresse à nous. Cela aiderait à faire connaître ce joli projet.

Crédit : Anne Marzeliere

Comment peut-on se procurer le disque ?

Olivier Popincourt : Le 45t sort le 18 avril dans le cadre du Disquaire Day. Il sera disponible dans les magasins de vinyles en France et sur le label www.trulyyoursrecords.com.

Que peut-on vous souhaiter pour la suite ?

Denis Bortek : Le meilleur, merci François !
Olivier Popincourt : Continuer ce genre de collaborations, avec des univers différents mais complémentaires.

Playlist : 5 morceaux qui ont influencé ce single

Denis Bortek

Autant les chansons que les interprètes m'ont inspiré dans cette quête d'une bossa nova « rêvée ». J'ai pensé à Pierre Barouh, dont j'avais découvert la BO d'un film indépendant, un western camarguais où il pose des mots d'une douceur inégalée sur des airs brésiliens. Son phrasé délicat et sobre me touche profondément.

Quand Georges Moustaki adapte The Waters of March de Carlos Jobim en Les Eaux de Mars, c'est d'une élégance bouleversante, « une promesse de vie » qui semble infinie. Nino Ferrer, avec La Rua Madureira, y met sa touche drôle et poétique, typique de son style. Un Homme et une Femme, de Francis Lai, popularisé par le film de Claude Lelouch, reste pour beaucoup la bossa nova la plus emblématique. Enfin, Jardin d'Hiver, de Keren Ann et Benjamin Biolay pour Henri Salvador, est la plus récente et la plus populaire.

• Pierre Barouh – Ce n'est que de l'eau

Pierre Barouh - Ce N'est Que De L'eau
par Naoyoshi K-Spectacularsurf

https://www.youtube.com/watch?v=INuUneeFEJQ

• Georges Moustaki – Les Eaux de Mars

Georges Moustaki - Les eaux de Mars (Lyric Video)
par GeorgesMoustakiVEVO

https://youtu.be/PYkA4WpR5Ic?si=uVtlmzkuBdQemz-A

• Nino Ferrer – La Rua Madureira

Nino Ferrer - La rua Madureira (Audio Officiel)
par Nino Ferrer

https://youtu.be/flsqODYRKOI?si=wgjc2aRGUTaMn9TO

• Nicole Croisille & Pierre Barouh – Un Homme et une Femme

UN HOMME et UNE FEMME ❤ MUSIQUE FRANCIS LAI ❤ FILM de CLAUDE LELOUCH (1966)
par ANOUSKA

https://youtu.be/lIkKPyc-SHA?si=MFMWP5dJC2J3Uz_a

• Keren Ann & Benjamin Biolay – Jardin d'Hiver (lien)

Keren Ann & Benjamin Biolay - Jardin d'hivers
par maflal

https://youtu.be/oyBcoTnu-GM?si=y917_74CP1ElWsWn

Olivier Popincourt

Je suis fan de bossa nova depuis mes 14 ans, quand j'ai commencé les cours de guitare jazz et découvert l'album Getz/Gilberto (1964), avec The Girl from Ipanema. À l'époque, j'écoutais aussi The Style Council, qui intégrait ces influences dans leurs albums. Dans chacun de mes disques, on retrouve ces racines. J'étais ravi que Denis propose de travailler sur un style si différent de son univers habituel. Ces deux titres, avec une économie de moyens et très peu d'instruments, mettent en valeur le grain de voix et la sensibilité de Denis.

• The Style Council – The Whole Point of No Return (pour l'influence et la découverte de ces musiques)

Style Council - The Whole Point Of No Return
par OWEN CA$H

https://www.youtube.com/watch?v=HK9ApGGiNwI&list=RDHK9ApGGiNwI&start_radio=1

• Louis Philippe & The Night Mail – La Maison Sans Toi (mon album préféré de 2025)

La Maison Sans Toit
par Louis Philippe - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=BHR2wFCQmBo&list=PL3TcDnzQi-bK4iiF64l9PArmsC9GM-EoP&index=6

• Caetano Veloso – Dindi / Eu Sei Que Vou Te Amar (beauté à l'état pur)

youtube.com/watch ?v=75AILFTE8MI&list=PLrt7VbxNS8rePxxvEM5ozpVQN1B78OBCz&index=5

• Bill Evans – The Summer Knows (pour le piano de La Pire des Berceuses)

Bill Evans & Eddie Gómez - The Summer Knows (Official Audio) - Live at Montreux, 1975
par Bill Evans

https://www.youtube.com/watch?v=k9EfpTovSeY

• Colin Blunstone – Say You Don't Mind (pour le lien avec les cordes de La Pire des Berceuses)

Colin Blunstone - Say You Don't Mind
par Oh my gosh itz Mico

https://www.youtube.com/watch?v=RMoC0TcqPek&list=RDRMoC0TcqPek&start_radio=1

https://trulyyoursrecords.bandcamp.com/album/bortek-po

Child Of Panoptes : un groupe qui électrise la scène pop française

Franco Onweb — 2026-03-17T20:42:35Z

Plonger dans l'univers de Child Of Panoptes, c'est comme ouvrir une porte sur les années 60, mais avec une énergie résolument contemporaine. Né d'un projet solo, le groupe s'est transformé en une aventure collective, portée par des musiciens passionnés et une obsession pour les mélodies freakbeat, les harmonies mod-baroques et l'énergie brute du garage-punk. Entre deux tournées et des sorties discographiques qui s'enchaînent (dont un nouveau 45 tours chez Rogue Records, label toulousain culte), Child Of Panoptes incarne un revival sixties qui ne se contente pas de rendre hommage à une époque : il la réinvente.

Rencontre avec Alexandre Besson, le batteur et chanteur d'un groupe qui, entre répétitions, concerts mémorables et une alchimie musicale palpable, prouve que l'esprit des sixties est bien vivant — et plus vibrant que jamais.

Comment vas-tu ?

Salut, ça va super, merci !

Child Of Panoptes en concert au Yéyé Festival

Droits réservés

Que s'est-il passé depuis 2023 et la sortie du premier album de Child Of Panoptes en termes de sorties discographiques ?

Finalement, pas mal de choses ! Après le tout premier single en 2021 et le premier album en 2023 chez Soundflat, Rogue Records, un label toulousain, m'a proposé de réaliser un 45 tours. Début 2024, Child Of Panoptes sortait donc un EP de quatre titres, Un petit morceau de buvard, qui a été plutôt bien accueilli et s'est bien vendu. En 2025, un autre single, Down, est sorti chez Soundflat. Et ces derniers jours, en mars 2026, un nouveau disque voit le jour, toujours avec Rogue Records : un single de deux titres, New Romance / Out Of My Mind ! Pour tout te dire, on travaille déjà sur une nouvelle production, et j'aimerais beaucoup qu'elle sorte dans quelques mois.

Avez-vous beaucoup joué en concert ?

Pas tant que ça… En 2024, je crois qu'on en a fait cinq. En 2025, cinq aussi. En revanche, pour 2026, ce sera un peu plus, avec des dates vraiment intéressantes pour nous !

Quels ont été les concerts les plus marquants pour le groupe ?

Pour le groupe comme pour moi, sans hésiter, le Yéyé dans les Asturies en 2024. C'est d'ailleurs ce concert qui m'a vraiment donné envie de m'investir encore plus sérieusement dans ce projet. C'était aussi le premier concert où on était huit sur scène, avec l'objectif d'avoir le plus d'amis et de musiciens autour de moi. Notre concert à Cologne l'an dernier était vraiment génial, et celui de Liège, le mois dernier, était aussi super !

Child Of Panoptes - Out Of My Mind
par Rogue Records

https://www.youtube.com/watch?v=uO__TF4sPnU

À l'origine, tu m'avais dit que tu ne cherchais pas spécialement à monter sur scène avec ce projet. On dirait que tu as changé d'avis : qu'est-ce qui t'a fait évoluer ?

J'étais sincère à l'époque ! À ce moment-là, j'étais très concentré sur Chiffre Organi Zation (son autre groupe, NDLR), et je ne me voyais pas me partager entre deux projets. Puis il y a eu de belles propositions pour Child Of Panoptes, comme l'EP avec Rogue et le Yéyé. Depuis, Child Of Panoptes est devenu mon obsession principale ! Et puis, quelque chose s'est passé dans le groupe : l'investissement de certains musiciens a vraiment permis au projet de décoller. Je pense notamment à Antoine Nassier, batteur, qui a rejoint le groupe en 2024 et m'a permis de me consacrer pleinement au chant. Il y a aussi Éric Pouchet, notre guitariste, qui est devenu mon véritable binôme et porte ce projet autant que moi. Sans oublier Frank Durban, à la basse, toujours omniprésent. Et puis il y a Jamy Jean à la guitare et Arnaud Di Giovanni, orgue ,les deux plus jeunes du groupes , qui sont très agréablement enthousiastes !

Entre le premier concert et la formation actuelle, quels ont été les changements dans la composition du groupe ?

Child Of Panoptes est un groupe qui évolue avec des musiciens différents, qui contribuent au projet à un moment donné, sur disque ou en concert. Certains restent, d'autres partent, mais peuvent revenir. Comme Coog, qui a joué de l'orgue sur un morceau qu'on garde sous le coude.

Aujourd'hui, il y a un vrai noyau dur : Éric à la guitare solo, Jamy à la deuxième guitare, Arnaud à l'orgue, et moi au chant et à la batterie. Frank continuera d'intervenir à la basse, Lou Szymanowski a fait quelques dates avec nous, Max Studd nous a rejoints récemment et travaille déjà sur les prochaines, et Theo Campos intégrera le groupe pour certains concerts.

Alexandre Besson et Eric Pouchet

Droits réservés

Child Of Panoptes était à la base ton projet solo. Avec le temps, les concerts et cette formation, est-ce que c'est devenu un vrai groupe à part entière ?

Absolument ! Il y a une vraie dynamique de groupe, avec des répétitions régulières, l'investissement et la disponibilité de chacun, et une belle amitié malgré les différences d'âge ou de distance. On habite tous dans des villes différentes, mais on essaie de garder le lien en communiquant souvent. Éric et moi, on passe presque une heure par jour au téléphone pour discuter des dates ou des enregistrements. Et puis, il y a toutes les tournées qu'on a faites récemment, avec des trajets interminables qui nous ont vraiment rapprochés !

Vous sortez un nouveau 45 tours (deux titres) chez Rogue Records : pourquoi avoir choisi ce label, et comment s'est passée la rencontre avec eux ?

Un couple d'amis toulousains, Lydia et Fred, m'ont dit de contacter Jean-Marc, de Rogue Records, car il s'intéressait à Child Of Panoptes. Je l'ai contacté immédiatement, et on s'est tout de suite bien entendus ! Jean-Marc est quelqu'un de très discret, mais qui échange et partage énormément. C'est un passionné des disques et des années 60, donc ça ne pouvait que marcher entre nous. Il est aussi très bien entouré, notamment par son épouse Jocelyne. Ensemble, ils forment un couple adorable derrière ce label qui est devenu incontournable. Ils nous ont mis à disposition un super réseau, sans parler de l'objet en lui-même : le 45 tours ! Enfin, plutôt les deux : le premier EP, « Un petit morceau de Buvard », et le nouveau single, « New Romance ». Tous les groupes rêvent de travailler avec eux, et c'est bien normal !

Child of Panoptes - Un petit morceau de buvard
par Panoptes

https://www.youtube.com/watch?v=Ygu5w8TuAX0

Peux-tu nous décrire les deux titres de ce nouveau single ?

Je vais reprendre la formule de Jean-Marc, qui est parfaite : “New Romance” on the A-side is a freakbeat, mod-baroque tune, while “Out Of My Mind” on the flip delivers a moody garage-punk vibe ! » En anglais ça fait plus classe !

Qui a composé et écrit ces deux morceaux ?

Éric et moi avons travaillé ensemble sur ces deux titres.

Quels sont les projets à venir pour Child Of Panoptes ?

On veut faire un maximum de concerts en France, mêclasse !e n'est pas toujours facile en ce moment, et aussi à travers l'Europe. On souhaite continuer à enregistrer des disques et en sortir d'autres rapidement !

Un mot de la fin ?

Merci pour cette opportunité ! Merci à tous ceux qui nous soutiennent : nos potes de Perpignan, Toulouse, Bordeaux, Bourges, Avignon, Marseille, Lyon, Reims, Paris, Le Havre, Nantes, Liège, Cologne, et tous les autres endroits où on a pu jouer. Merci à Jean-Marc et Jocelyne de Rogue Records, à Marco de Soundflat Records, à Stéphane Taufer pour son travail photo avec le groupe, et à tous les musiciens qui ont contribué à ce projet !

https://roguerecords.bandcamp.com/album/new-romance
https://www.facebook.com/p/Child-of-Panoptes-61564934460036/
https://www.instagram.com/child_of_panoptes/

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Tv Sundaze : Le rock garage français qui défie le temps, entre vinyles, road trips et énergie pure

Franco Onweb — 2026-03-13T13:43:28Z

Ils ont troqué les études pour les guitares, les scènes surchauffées, et les tendances éphémères pour un rock intemporel. Tv Sundaze, quartet valentinois, incarne cette génération de musiciens qui croit encore aux disques physiques, aux tournées en camion et aux mélodies qui collent aux tripes. Entre influences punk des années 60, énergie live explosive et un deuxième album plus mature (Plastic Bag/Packing Tape), le groupe trace sa route loin des radars parisiens, mais bien décidé à faire vibrer la France — et au-delà. Rencontre avec Corentin, chanteur-guitariste, pour parler de road trips américains, de doubles maléfiques et de cette scène rock provinciale qui n'attend après personne pour exister.

Peux-tu présenter le groupe ?

Je suis Corentin, le chanteur et guitariste de Tv Sundaze. On a commencé comme beaucoup de groupes : à la base, on était juste des potes. On avait tous nos petits groupes respectifs, et on s'est formé en 2019, à la fin de notre période lycée. Tous nos projets musicaux se sont arrêtés presque en même temps, soit parce que les autres membres partaient faire des études, soit parce que les groupes se dissolvaient. En bons losers assumés, on a décidé de faire peu d'études et de continuer la musique (rires).

Tv Sundaze de gauche à droite Romain Da Silva, Corentin Roux, Max Sanfilippo et Jeremy Mezzafonte

Crédit : Alex Bec

Vous étiez où ?

À Valence, près de Lyon.

Il y a qui dans le groupe ?

Il y a Jeremy Mezzafonte à la basse, Romain Da Silva à la guitare, Max Sanfilippo à la batterie, et moi.

C'étaient quoi vos influences ?

Ça dépend avec qui tu en parles dans le groupe, les réponses seront différentes. Pour ma part, mes influences de base, ce sont les groupes punk et garage avec une touche sixties. Mon groupe préféré, c'est The Replacements. Je suis aussi un énorme fan des groupes des années 60 comme les Kinks, les Stones, les Who ou encore les Seeds.

Pour beaucoup, vous êtes un groupe psychédélique ?

Ça vient surtout de Romain, qui adore des artistes comme Ty Segall. D'ailleurs, Romain et Jérémy ont un projet psyché en parallèle du groupe.

Pour certains, vous êtes un croisement entre les Buzzcocks et le Crazy Horse. Pour moi, vous êtes aussi un groupe garage, mais j'ai l'impression que vous jouez toute la musique que vos parents vous ont fait écouter.

C'est un peu ça ! La veine Buzzcocks, c'est vraiment ça : j'ai grandi avec, mais aussi avec des groupes comme les Ramones. Nos influences, c'est vraiment cette époque et le punk des années 70/80 : Generation X, par exemple. Ça vient de nos parents : les miens m'ont fait découvrir Joan Jett ou AC/DC. Nos premières collections de disques, c'étaient vraiment celles de nos parents.

TV Sundaze - Don't Mind Me
par TV Sundaze

https://www.youtube.com/watch?v=-54es5-ldpM

Les gens de votre génération sont généralement plus dans le rap ou l'électro ?

Oui, c'est dommage, j'aurais préféré être plus dans « l'air du temps » (rires), mais c'est comme ça ! On a tous commencé très jeunes : moi, j'avais 14 ans, et à l'époque, avoir un groupe, c'était hyper stylé.

Vous avez sorti des disques très vite ?

Oui, dès 2020, on a sorti un premier EP plus pop, puis en 2023, notre premier album, Harness. En 2025, on a sorti un deuxième album, Plastic Bag/Packing Tape, et on prépare déjà un troisième. On est en pleine phase de composition, car depuis 2023, on a beaucoup tourné, et là, on s'est un peu posés pour se concentrer sur l'écriture.

Vous sortez encore des disques en physique, ce qui est rare à notre époque, surtout pour votre génération qui est plus dans le streaming.

Les disques, c'est toujours hyper important pour nous.

En concert au Belvédere Festival Juillet 2025

Crédit : MXWL Photographie

Vous êtes un vrai groupe de rock : sur scène, vous y allez à l'énergie et à la mélodie, et vous sortez des disques. Est-ce une nouvelle tendance dans votre génération ?

Bonne question. Dans notre milieu et la scène où on évolue, c'est assez fréquent. C'est vrai que quand on croise des gens qui ne viennent pas de notre univers, ils nous regardent bizarrement, comme si c'était incroyable de voir des gens sortir des disques en vinyle ou en CD. Pourtant, il y a plein de monde qui continue à en produire, et c'est super. L'objet physique compte beaucoup : il y a encore des collectionneurs, des passionnés qui consomment la musique comme ça.

Mais est-ce que tu ne penses pas qu'il y a une nouvelle scène rock française, avec des jeunes qui émergent et dont vous seriez l'un des fers de lance ?

Il y a une scène bien vivante dans toute la France, surtout en province, et on ne demande rien à personne : on avance, et c'est génial !

C'est une scène qui existe peu à Paris ?

Oui, je pense même que si on arrive à faire des choses et à avancer, c'est parce qu'on n'est pas à Paris. À Valence, on a des conditions idéales pour répéter et enregistrer. Ce serait bien plus compliqué si on était à Paris, ne serait-ce que pour déplacer notre matos. Pour la logistique, c'est vraiment mieux. En revanche, pour la promotion, on est obligés de venir à Paris, car tout s'y concentre. Mais on y est toujours bien reçus.

TV Sundaze - Extinctor
par TV Sundaze

https://www.youtube.com/watch?v=2A14EfOLZt4

Vous avez beaucoup joué ?

Oh oui, on n'a pas arrêté depuis 2023 ! On a notamment fait une tournée aux États-Unis en septembre 2025, qui était vraiment incroyable : 15 concerts en 25 jours. On a sillonné toute la côte Ouest, de San Diego, dans le sud de la Californie, jusqu'à Seattle, tout au nord. C'était génial : on a fait des road trips dans le désert, on est passés par Las Vegas, Salt Lake City… On était en camion, et on a roulé 10 000 km en trois semaines. C'était un de mes rêves, et je suis trop content qu'on ait réussi à le concrétiser !

Vous avez joué dans quels types de salles ?

Un peu de tout : des clubs punks, des bars, des grandes salles où il n'y avait pas beaucoup de monde (rires). Mais le public était excellent, vraiment très cool. Même quand il n'y avait pas foule, les gens voyaient qu'on venait de France et ils étaient adorables avec nous.

Vous allez sortir vos disques là-bas ?

On est partis avec l'idée de trouver un label sur place, mais on a vite compris que c'était super compliqué, car il y a déjà 1 000 groupes là-bas. En revanche, on a beaucoup vendu de disques en merchandising, et ils peuvent aussi les acheter en ligne.

En concert

Crédit : Pat

Et en France, quelles sont vos grosses dates ?

La Maroquinerie pour la Release Party de Nasty Joe début février, un gros festival à Valence chez nous, et on a aussi joué à Bordeaux avec les New Christs l'été dernier, dans un festival.

Est-ce que chanter en anglais a été une évidence pour vous ?

J'ai vécu aux États-Unis quand j'étais plus jeune, et j'ai toujours été très lié à ce pays. J'ai donc toujours écrit en anglais. Je n'ai jamais vraiment essayé en français. Beaucoup de gens me disent que je devrais, mais franchement, ça me saoule.

Ils parlent de quoi, tes textes ?

Sur le dernier album, sans l'avoir fait exprès, j'ai écrit une histoire autour d'un narrateur qui affronte ses démons et se crée une double personnalité. C'est une bataille entre lui et son double maléfique, entre le bien et le mal.

À l'écoute de vos deux albums, on voit que le deuxième est beaucoup plus nerveux, un peu comme si vous étiez sortis de l'adolescence.

C'est exactement ça ! Il y a un lien avec ce qu'on ressentait. Le premier album était plus porté sur des chansons avec des textes d'ado, des chansons d'amour. Le deuxième est plus direct, avec des textes plus adultes. On était plus âgés quand on l'a enregistré. S'il est plus énervé, c'est aussi parce qu'on a beaucoup joué en live. On aime les défis : parfois, on composait un titre et on le testait le soir même en concert, ou dès le show suivant. Après Harness, on a vu que le public réagissait mieux aux morceaux plus « nerveux », alors on les a gardés.

TV Sundaze - Fast Cars (Buzzcocks Cover) - Live Point Ephemere, Paris
par TV Sundaze

https://www.youtube.com/watch?v=W9Fm9ziX26M

Vous faites des reprises sur scène ?

Parfois, pour rigoler ! On a joué Fast Cars des Buzzcocks, par exemple.

Quels sont vos projets ?

On compose pour le prochain album. On a ralenti les dates de concerts pour se concentrer sur de nouveaux titres, car on était un peu las de tourner avec l'ancien répertoire. On veut du neuf. On a quelques dates à Chambéry ou à Valence jusqu'à l'été, mais globalement, on se focalise sur la composition.

Sur scène, vous mélangez très bien les voix entre Romain et toi, avec une section rythmique placée au centre.

C'est voulu : on a mis la basse et la batterie au centre, comme sur un disque, où la rythmique est au milieu et les guitares sur les côtés, avec la stéréo. Ça nous permet aussi d'être en arc de cercle et de tous nous voir. J'aime beaucoup cette configuration !

Votre force, c'est la mélodie ?

On met un point d'honneur à soigner les mélodies. J'adore tout ce qui est très mélodique, comme la pop. On passe beaucoup de temps à les travailler.

Vous n'avez pas de machines ?

On n'est pas trop machines. Le seul qui s'y connaît un peu, c'est Romain, mais globalement, on est plutôt guitares, baguettes qui tapent sur des fûts… On utilise des ordinateurs en studio, mais on utilise aussi de la bande. Quand je travaille chez moi, je fais tout sur des cassettes, à l'ancienne !

TV Sundaze - William Wilson - Live Point Ephemere, Paris
par TV Sundaze

https://www.youtube.com/watch?v=c3VJhm-tCXc&list=RDc3VJhm-tCXc&t=3s

Il est pour quand, ce nouvel album ?

On est en phase d'écriture, donc ce n'est pas pour tout de suite. Il y aura des petites choses avant, comme des sessions live… On va aussi sortir un petit documentaire sur notre tournée américaine. Un pote a tout filmé, et on a 52 minutes de rushs à montrer.

Ça va sortir en physique ?

On ne sait pas encore. L'idée serait de composer une BO originale pour le documentaire : on créerait la musique en regardant les images.

Quand on vous voit sur scène, on remarque surtout le plaisir que vous avez à jouer ensemble.

On adore ça : on est entre potes, et on vit ce truc à fond. Le moment qu'on préfère, c'est quand on est tous les quatre dans le camion, qu'on part faire une date et qu'on rencontre des gens sympas.

Le mot de la fin ?

Continuez à écouter nos disques : le nouveau arrive, et on va bientôt repartir sur la route !

Crédit : Alexe Bec

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

Le premier album des Ramones. C'est un groupe qui a un côté un peu cartoons, c'est parfait pour commencer.

https://www.facebook.com/tvsundaze/
https://tvsundaze.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/tvsundaze/

The Track of the Magnificent 9 : Tio Manuel, le 9e Voyage. Entre Bretagne et Désert, le Blues en Liberté

Franco Onweb — 2026-02-24T15:58:08Z

Depuis plus de deux décennies, Manu Castillo – alias Tio Manuel – trace sa route musicale avec une liberté rare, mêlant blues désertique, folk hispanique et rock sans compromis. Aujourd'hui, il revient avec « The Track of the Magnificent 9 », son neuvième opus, aussi abouti que magnifique. Entre les landes bretonnes et les souvenirs du désert espagnol, il a forgé un son unique, où chaque note raconte une histoire.

On se connaît depuis longtemps avec Manu. Alors quand il a accepté de se livrer sur ce nouvel album, j'ai sauté sur l'occasion et c'est avec une vraie sincérité qu'il aborde sa musique : sans filtre, avec passion. De ses collaborations avec ses musiciens, à ses balades sur les côtes bretonnes, en passant par ses influences rock'n'roll et ses coups de cœur pour Mink DeVille et autre Joe Strummer, Tio Manuel nous parle de création, de liberté et de cette obsession de faire vibrer les cordes de sa guitare.

La dernière fois qu'on s'était parlé, c'était pour Red Rowen, le groupe que tu avais rejoint en 2023. Que s'est-il passé depuis ?

En parallèle du groupe, je continuais mon projet Tio Manuel. J'avais envie de tourner avec Red Rowen, mais c'était compliqué de continuer sur les deux projets. On s'est quittés en bons termes, et je suis ravi si j'ai pu les aider à enregistrer et sortir leur 1^er album. Je leur souhaite bonne chance pour la suite. Je me suis donc à nouveau recentré sur mon projet et l'écriture du 9^e album de Tio Manuel.

Manu Castillo en concert

Crédit : Philippe Bérranger

Ton nouveau disque s'inscrit dans une veine blues, Mexicano, hispanique et folk, vraiment captivante. Tu vis maintenant en Bretagne : est-ce que le côté « landes » au bord de la mer a joué un rôle, sachant que tu aimes le désert ?

Oui, j'aime le désert. Mes grands-parents paternels venaient du désert espagnol, ce sont mes racines et ça m'inspire. Pour la Bretagne, je suis venu parce que je voulais quitter Paris et qu'un ami vivait dans le coin, et je ne pensais pas m'y sentir aussi bien. J'habite sur la côte, et j'adore ça.

Tu as trouvé un lien entre la Bretagne balayée par les vents et le côté désertique ?

Absolument. J'aime me balader sur ces sentiers côtiers balayés par le vent. Je suis arrivé il y a trois ans, et pendant les deux premières années, je n'écrivais pas vraiment pour Tio Manuel. Je découvrais la région… Un jour, un ami de radio, Franck Deschamps, qui travaille à Radio Béton, est venu me voir. On est allés déjeuner, et pendant le repas, il a demandé à écouter ce que j'avais écrit depuis mon arrivée. Je lui ai répondu que je n'avais pas d'inspiration. Sa femme m'a regardé et m'a dit : « Ce n'est pas possible ! Regarde où tu vis ! » Je suis rentré du déjeuner en me disant qu'ils avaient raison. Je me suis mis un coup de pied aux fesses et j'ai composé « The Moorland », qui parle justement de la lande. Ensuite, tout est venu naturellement.

C'est le morceau qui ouvre l'album, suivi de « Once Upon a Time », plus rapide, plus rock…

Oui, c'est plus rapide, et ça revient à ce que j'ai toujours fait : ce rock folk-blues qui est ma signature. Je ne voulais pas m'éloigner de cette couleur. La grille d'accords peut rappeler Mink DeVille, Bruce Springsteen ou Joe Strummer. Ça peut même évoquer The Clash par moments, dans ma façon de l'interpréter.

TIO MANUEL / BIG EASY
par TIO MANUEL ( Artist Official )

https://www.youtube.com/watch?v=B-9tSgs2Qak

Dans tes influences, on retrouve effectivement Mink DeVille, avec ce côté « Spanish Harlem ». On peut aussi penser à Calexico, mais on ne peut pas vraiment te classer dans une catégorie. Par exemple, tu cites Los Lobos dans ta bio. Le seul point commun que je vois avec eux, c'est ce côté hispanique.

Je suis d'accord avec toi pour Los Lobos, j'ai cette couleur hispanique, que je partage avec eux.

Mais tu es le seul à avoir ce son ?

En France, oui et c'est normal : avec le temps, tu développes ton propre style.

Avec cet album, tu as encore affiné ce son. On a l'impression que tu ne te poses plus de questions.

Ça fait un moment que j'ai compris qu'il ne fallait pas se poser de questions : tu fais ce que tu veux et ce que tu sais faire. Ça plaît ou ça ne plaît pas, mais ça me ressemble…

J'ai l'impression que depuis « The Ian Ottaway Project », tu as vraiment trouvé ton son et ta couleur, que tu développes depuis.

Oui, plutôt depuis « 4 Stones », mais c'est vrai : sur mes premiers disques, je cherchais encore ma voie. J'avais encore les démons de mon époque « Punk Rock Reggae ». « The Ian Ottaway Project » m'a aidé à me recentrer. C'est un disque qui m'a fait du bien, car Ian Ottaway, qui travaillait avec Black Rebel Motorcycle Club, a accepté de collaborer avec moi. Ça m'a décomplexé, j'étais à l'aise.

En concert

Crédit : TMphotos

Sur cet album, la guitare est encore très présente. Tu sais vraiment la faire parler sans tomber dans le côté « lourd ».

Oui, c'est un disque de guitare, et j'adore ça… Mais c'est aussi grâce à Gilles (Fegeant) !

Qui n'est pas sur tous les morceaux !

C'est un choix. Tio Manuel, c'est mon projet, c'est mon son. Je travaille d'abord seul, jusqu'à avoir une vision claire de ce que je veux. Ensuite, j'implique mes potes du groupe ou des gens comme Slim Batteux aux claviers, que je connais mieux maintenant. Je ne fais pas jouer tout le monde par copinage : je fais appel à des gens parce que je considère qu'ils vont apporter quelque chose. C'est pour ça que Gilles ne joue pas sur tous les morceaux, et que j'ai enregistré de nombreuses guitares moi-même. Je trouve que l'équilibre est plutôt réussi.

TIO MANUEL / FALL-LA CAÍDA
par TIO MANUEL ( Artist Official )

https://www.youtube.com/watch?v=ZzHtQCkgBGs&list=OLAK5uy_lv9iUlHH6ko3P8AvgTfQzWQ2UsthnKYcA&index=3

Justement, comment es-tu en studio ? Un dictateur, ou tu écoutes les autres ?

Il faut que ça groove, donc qu'il y ait une bonne ambiance. Aujourd'hui, je travaille comme beaucoup : j'ai un « home studio ». Je compose tout et je joue de tout. « The Moorland » a été bon du premier coup, mais d'autres morceaux ont demandé beaucoup de travail et de retouches. Quand je sais que j'ai enfin le morceau, j'appelle les autres. Mon ami et ancien batteur Léon Teoquer est venu jammer sur quelques titres au tout début, je ne savais pas encore où je voulais aller et puis Rudy (Serairi, le bassiste NDLR) est venu chez moi, puis je suis allé chez lui : on a bossé sur des lignes de basse et des chœurs. À partir de là, on a recalé les morceaux. J'ai envoyé les maquettes à Christophe (Gaillot, le batteur NDLR) et à Rudy, et je leur ai dit qu'on allait enregistrer les rythmiques. J'ai trouvé un studio en Bretagne, en pleine campagne : le WM Studio, dans les Côtes-d'Armor. On était en pleine nature, avec de l'espace et c'était vraiment le grand confort.

Tu n'es pas retourné au Garage Studio, où tu as enregistré la plupart de tes disques ?

Non, mais Bernard Natier (l'ingénieur du son du Garage NDLR) est venu sur place. On a fait tourner les titres pendant deux jours avant son arrivée. On a travaillé les choses ensemble. Quand il est arrivé, on était vraiment détendus. On a enregistré les rythmiques, des guitares et des voix témoins. Je suis rentré chez moi, et comme j'ai du matériel, j'ai retravaillé mes parties de guitare encore et encore. J'ai tout envoyé en Espagne à ma copine Sofia pour les chœurs, et à Slim Batteux pour les claviers. J'ai aussi fait venir Lila Frogg, une jeune choriste que j'avais découvert lors d'un concert avec Gil Riot.

Gilles Fegeant, guitariste

Droits réservés

Et ensuite ?

Quand tout a été terminé, je me suis posé et j'ai tout réécouté. J'ai vu où il fallait que Gilles intervienne. J'en ai parlé à Rudy, qui était d'accord avec moi. Tout ça est très démocratique, mais surtout cohérent d'un point de vue artistique. Ce n'est pas que du copinage !

Tu sais où tu vas !

Heureusement, après tout ce temps ! (Rires) Voici comment ça s'est passé : Gilles est venu, on a joué, et si tu prends le chorus de « Hope Is Better Than Dope », c'est lui qui l'a fait, alors que ce n'est pas son style. On a pris le temps de le travailler et, franchement, il a assuré.

Tu as ce morceau « Let's Ride », magnifique et presque acoustique.

C'est un morceau de rock'n'roll ! La première musique qui m'a donné envie de jouer, c'est le rock'n'roll des années 50, le vrai, l'ancien, le « Old School ». J'ai toujours aimé ça, comme le rockabilly. Ici, c'est juste une guitare acoustique, une électrique pour les leads, une contrebasse, avec ou sans batterie. Je voulais en faire un comme ça, et je me suis éclaté. J'ai enregistré toutes les guitares, car cette musique, c'est mon truc. Là, on est presque sur un style de puriste.

Manu Castillo et puis Rudy Serairi (bassiste ) en concert

Crédit : Philippe Bérranger

Il y a aussi « Louisiana Blues », où c'est la fête de la guitare avec plein de sons incroyables !

Là, j'avais enregistré toutes les guitares, mais Gilles est super fort à la « slide ». J'en avais mis une, et il m'a proposé de la refaire. J'ai enlevé la mienne, car la sienne était mieux et servait vraiment le morceau. Tu as raison, c'est un festival de guitares, mais Gilles y est pour beaucoup.

Et puis il y a « Polvo en el Alma », un morceau en espagnol où tu parles de quelque chose de personnel, avec beaucoup d'émotion.

C'est aussi ça, la musique : tu parles de ce qui te touche. Ce n'était pas facile, j'ai vraiment hésité à l'inclure. C'est un morceau fort et très personnel.

Tu as une facilité à mélanger l'anglais et l'espagnol avec naturel, ce qui donne l'impression de te voir dans une « cantina » en Amérique latine. Le fait d'être en Bretagne n'a-t-il pas encore développé ce côté de ta musique ?

Ça m'a apporté de la sérénité, et je respire. Être musicien ici, c'est bien, et ça me permet de ressentir des choses et de les développer.

Pourquoi ne pas avoir enregistré cet album entièrement chez toi ?

Pour des questions de matériel. Pour enregistrer les batteries, il faut vraiment un studio avec de bons micros et de bons amplis. La technologie permet de faire beaucoup de choses, mais pour obtenir ce que je voulais, il me fallait un studio professionnel.

Christophe Gaillot, batteur

Droits réservés

Ton son est vraiment beau !

C'est le génie de Bernard Natier. Quand on a terminé les prises, il est retourné au Garage et a travaillé tout ça pour obtenir ce son. C'est son savoir-faire !

Tu as ce groupe depuis quelques années, et il est vraiment incroyable !

Oui, Christophe, Gilles et Rudy, on se connaît bien maintenant, depuis plusieurs albums. Ce sont tous d'excellents musiciens, il suffit de voir leurs CV. J'en suis ravi.

Vous avez beaucoup tourné, et vous allez jouer ?

On commence à avoir des dates. On attend des validations, mais on va à Epinal, à Marseille, à Tours, Paris, Beaumont (près de Chinon) et on attend des retours de festivals pour l'été et l'automne.

Tio Manuel en Concert Ô Studio 28-10-2023 "Assassination Machine"
par Studio MicroClimat

https://www.youtube.com/watch?v=J_BuEbjvXHY

Tu as un côté voyageur : on t'imagine partir avec ta guitare, un sac, un carnet et un crayon.

J'aime bouger, c'est sûr !

Il y aura une suite ?

Pour l'instant, on se concentre sur la sortie : on va jouer l'album, le présenter au public en espérant qu'il plaise et on verra la suite après.

Il sort chez qui ?

J'ai ce côté buté, je n'ai jamais baissé les bras. A part avec Closer, avec qui j'ai sorti deux disques, aucun label n'a jamais été intéressé par ma musique. Alors, comme je ne suis pas du genre à me plaindre, et à attendre que ça tombe du ciel, je me suis dit « Fuck off, on y va » et on a monté notre label, « El Tio », distribué par Inouïe. Le label ne s'occupe que de moi, de mes affaires et de mes groupes. J'ai négocié avec Inouïe, je gère mes contrats, je suis seul décideur et par conséquent je n'ai pas besoin de faire de concessions.

Tu as un très beau graphisme sur tous tes disques : tes pochettes sont magnifiques !

Depuis le début, la graphiste, c'est ma cousine. J'ai de la chance qu'elle soit là. Comme je l'ai dit, j'aime le voyage, ce besoin de faire rêver et de faire voyager les gens. Je fais une musique de territoires, d'espace, de liberté, et il faut que ça transparaisse dans le visuel. On travaille dans ce sens. Les photos ont été prises par ma compagne, Florence, et ensuite, j'ai tout donné à ma cousine.

Manu Castillo en studio

Droits réservés

Elle est magnifique, cette pochette !

Tant mieux, mais je veux qu'elle retranscrive la musique du disque, que l'auditeur ne soit pas perdu. Qu'il y ait une cohérence.

Est-ce que, de temps en temps, tes doigts ne te démangent pas et tu n'as pas envie de revenir au rock « pur et dur » avec lequel tu as commencé ?

Forcément. Prends Red Rowen : j'étais content de jouer avec eux, car j'envoyais du gros son. Demain, si je croise un groupe dans ce style qui cherche un guitariste pour des concerts ou autre, je ne fermerai pas la porte. Mais ce n'est pas à l'ordre du jour : l'album sort, et j'espère qu'on va beaucoup jouer.
Ma priorité et mon actualité c'est « The Track of the Magnificent 9 » !

https://tio-manuel.com/
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https://tiomanuel.bandcamp.com/music
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Martin Dupont : aux origines d'une aventure musicale unique

Franco Onweb — 2026-02-20T14:52:49Z

Marseille, fin des années 1970. Un jeune étudiant en médecine, passionné de musique, troque sa basse contre un synthétiseur et plonge la tête première dans l'univers punk et new wave. Sans le savoir, il vient de poser la première pierre d'une aventure artistique qui traversera les décennies et les frontières : Martin Dupont est né. Pas de nom prétentieux, pas de stratégie marketing, juste une quête de liberté et d'authenticité. Aujourd'hui, ce groupe « inclassable », souvent qualifié d'arty, est devenu une légende culte aux États-Unis, une référence pour des artistes comme Kanye West ou Tricky, et une source d'inspiration pour des générations de mélomanes.

Derrière ce projet, un homme : Alain Seghir, chirurgien de profession, musicien par passion. Entre les salles d'opération et les studios d'enregistrement, il a construit un univers musical unique, mêlant rock, jazz, new wave et électro, sans jamais se soucier des étiquettes. Son histoire est celle d'un artiste discret, presque malgré lui, qui a su transformer ses obsessions en une œuvre intemporelle. Rencontre avec un pionnier de l'électronique française, pour qui la musique reste avant tout une question de partage et d'émotion.

Martin Dupont a commencé où et quand ?
Je ne me souviens plus exactement de la date, car tout s'est fait progressivement. À l'époque, j'étais à Marseille, passionné de musique depuis toujours. Je jouais de la basse dans des groupes de rock ou de jazz, avec une obsession pour la technique et la perfection. Mais quelque chose ne collait pas : je n'étais pas en phase avec moi-même. Puis est arrivée la vague punk et new wave en 1977. Cette liberté de ton, de sons et cette spontanéité m'ont immédiatement séduit. J'ai vendu ma basse pour m'acheter un synthétiseur. Les musiciens autour de moi ne comprenaient pas vraiment. Un jour, l'un d'eux m'a même demandé : « Tu es obligé de faire du bruit avec ton synthé ? » (Rires). Pour moi, c'était de la musique, de l'art. J'ai commencé à expérimenter seul, à composer des morceaux. Puis j'ai demandé à ma petite amie de l'époque, Catherine Loy, de poser sa voix sur mes créations, avec son accent frenchy si naturel. Je continuais aussi à jouer dans différents groupes.

Alain Seghir en concert aux Transmusicales de Rennes en décembre 2025

Crédit : FOC zine

Un jour, en répétition, j'ai entendu du bruit dans la salle à côté. « Laisse tomber, ce sont des punkettes folles… », m'a dit le batteur. Intrigué, je suis allé voir : c'était le groupe de Brigitte Balian. On a sympathisé, elle a écouté mes morceaux dans ma voiture et a décidé de chanter avec nous. C'est comme ça que Martin Dupont est vraiment né.

Il vient d'où, ce nom ?

Je ne me prenais pas au sérieux, alors je ne cherchais pas un nom profond ou symbolique. Un jour, en jam session avec un ami et un chanteur punk de 14 ans, on parlait de Martin Hannett et de Joy Division. Mon pote me lance : « Allez, Martin Dupont ! » J'ai trouvé ça drôle, et puis ce côté impersonnel, presque anonyme, me plaisait. Quand un label m'a demandé un nom, j'ai sorti ça sans réfléchir, persuadé qu'on ne vendrait jamais de disques.

Comment as-tu trouvé ce mélange de rock, de new wave et de jazz moderne, avec un synthétiseur ?

C'est simplement le reflet de mes goûts ! Dès ma première année de médecine, je me suis offert l'intégrale de Béla Bartók. Ce n'était pas vraiment le background typique d'un rockeur (rires). Confidentiellejazz d'avant-garde, de la musique classique contemporaine, et une pop expérimentale très confidentielle. Pour moi, il y avait une convergence entre ces univers. J'étais fasciné par cette liberté de créer sans frontières.

Tu écoutais quoi, exactement ?

Beaucoup de disques des Residents, des labels new-yorkais avant-gardistes… Des trucs très variés et peu connus à l'époque.

Martin Dupont - Inside Out (Live on KEXP)
par KEXP

https://www.youtube.com/watch?v=Cpo1hEWUQao

Ça te dérange si je te dis que Martin Dupont est un groupe « arty » ?

Au contraire, merci ! C'est la première fois qu'on me le dit, et ça me convient parfaitement. On nous a souvent qualifiés d'inclassables, mais je revendique ce côté arty. Pour moi, l'art, c'est l'expression d'une émotion, peu importe les moyens.

Est-ce que le rock t'ennuyait et que tu voulais créer une atmosphère plus globale, avec la musique, les pochettes, l'image ?

Honnêtement, je cherchais juste à me faire plaisir. Je n'avais aucune ambition de célébrité ou de reconnaissance. Je ne me sentais pas « créateur », simplement un passionné qui assemblait des ingrédients pour créer un plat qui me plaisait. J'étais très exigeant avec les chanteuses, non par autoritarisme, mais parce qu'elles avaient besoin de direction. Je faisais écouter mes cassettes à mes amis, à l'hôpital… Pour moi, ça n'allait pas plus loin. Christophe Schütz a monté une association pour produire notre premier 45 tours, « Your Passion », en 1982. C'est là que le groupe a pris son sens.

Quel était ton rapport avec la scène française, et plus particulièrement la scène « Frenchy But Chic » ?

On n'avait rien à voir avec eux ! Je ne cherchais pas à les rencontrer ou à obtenir leur soutien. À Marseille, je me contentais de faire écouter mes cassettes à mes potes. Je n'avais même pas l'idée d'approcher un label.

Brigitte Balian, Beverley Jane Crew et Alain Seghir à Marseille dans les années 80

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Ta musique dépassait la musique : tu voulais faire découvrir un imaginaire ?

Oui, et c'est ce qui me touchait le plus. J'avais très peu de fans, mais ceux qui m'aimaient avaient compris ma démarche. Aujourd'hui encore, quand je joue à Los Angeles et que je vois des gamins de 18 ans qui connaissent tous mes morceaux par cœur, ça me bouleverse. J'ai mis tout mon cœur et mes émotions dans cette musique, et elle parle à des générations et des cultures différentes. C'est magique.

Si le groupe a traversé 45 ans, n'est-ce pas parce que tu as proposé un univers culturel, et pas seulement de la musique ?

Peut-être ! (Rires) Merci de le formuler comme ça. Moi, je n'ai jamais eu de culpabilité à aimer tel ou tel style. J'ai toujours suivi mes envies, sans me soucier des chapelles musicales.

Tu as été l'un des premiers en France à t'intéresser aux synthétiseurs. Tu as même inventé une carte son en 1987, appréciée de Jean-Michel Jarre. Est-ce que tu connaissais d'autres groupes qui faisaient la même chose, comme Kas Product ?

Ah, Kas Product ! (Rires) Ils avaient joué à Avignon en 1982. Mon pote de lycée, qui nous servait de manager, s'est démené pour que je puisse les rencontrer après le concert. Quand il a enfin réussi à accéder au backstage… je n'étais plus là. J'avais sympathisé avec des gens dans la salle et on était partis écouter mes cassettes dans ma voiture. Un vrai rendez-vous manqué ! (Rires) J'adorais ce qu'ils faisaient.

Martin Dupont - Your Passion
par sanssouffle

https://www.youtube.com/watch?v=kEWEVs1QH4M

Tu connaissais le travail de Jacno ou des groupes anglais comme Human League ?

J'adorais la première période de Human League. Jacno, c'était différent : il venait de la scène parisienne, avec un côté « sympa », mais il n'avait pas ce côté « bittersweet » que j'aimais dans ma musique. Mes influences étaient plus larges que son univers.

Tu étais étudiant en médecine. Est-ce que ça a influencé ta musique ?

Oui, ne serait-ce que par la forme. Après des journées épuisantes à l'hôpital, je rentrais et me mettais sur mes machines. La musique était ma thérapie, bien plus efficace que les anxiolytiques ! (Rires) Elle m'a aidé à tenir pendant mes études.

Mais est-ce que tes études t'ont aidé à faire de la musique ?

Non, pas du tout ! (Rires)

Jusqu'en 1987, vous avez sorti trois albums ?

Plutôt quatre, car le deuxième, « Sleep is a Luxury », ne contenait que six titres. J'ai offert une cassette avec 13 morceaux en bonus, car je trouvais inacceptable de sortir un album aussi court.

Durant la première période du groupe, vous avez très peu joué.

Je ne m'occupais de rien, je ne cherchais rien. C'était mon pote de lycée, Alain Arnaud, qui nous manageait. Un jour, il nous a annoncé qu'on allait jouer en première partie des « Lounge Lizards » à Montpellier. J'avais intégré Beverley Jane Crew au groupe. C'est lui aussi qui nous a obtenu la première partie de « Siouxsie and the Banshees ». On a aussi joué à l'Espace Julien, pour un festival organisé par un collectif. C'était génial : il y avait des concerts et un défilé de mode.

Beverley Jane Crew en concert aux Transmusicales de Rennes en Décembre 2025

Crédit : FOC zine

N'est-ce pas dans ce contexte, entre musique et défilé, que tu te sentais le plus à l'aise ?

Oui, j'aimais l'idée de faire partie d'un univers culturel plus large.

En 1987, le groupe s'arrête, mais on a l'impression que vous ne vous êtes jamais vraiment arrêtés.

C'est vrai en partie. En 1987, on a sorti le dernier album de la première période, mais j'ai continué à composer et à enregistrer des morceaux, que j'ai ajoutés plus tard en bonus sur les rééditions CD. J'ai aussi travaillé pour des stylistes, dont un Marseillais, Patrick Murru, qui a représenté la ville à la Biennale des créateurs de Barcelone et Geneviève Delrieux avec qui on avait fait notre dernier concert à Marseille en 1990 avec ses mannequins qui défilaient au milieu des musiciens. En 1989, j'ai collaboré avec une chorégraphe, Josette Baïz, pour un projet à New York, à l'occasion du bicentenaire de la Statue de la Liberté. Entre 1987 et 1990, il s'est passé des choses, mais c'étaient surtout des collaborations, pas vraiment le groupe. J'étais absorbé par mes études, et en 1990, j'ai vendu mon matériel pour me spécialiser. Pour moi, c'était juste une pause : je savais que je reprendrais plus tard.

En fait, le groupe n'est jamais mort !

Non, exactement !

Surtout que des artistes comme Tricky ou Kanye West se sont intéressés à vous !

Kanye West m'a même acheté un morceau et Tricky nous a samplé.

Fip en Trans : Martin Dupont
par FIP

https://www.youtube.com/watch?v=Xen...

C'est grâce au label Minimal Wave, un label new-yorkais, que vous avez retrouvé un public aux États-Unis ?

Tout à fait. La première fois qu'on a joué à New York en 2023, j'ai halluciné. Le lendemain, au petit-déjeuner, j'ai demandé à la productrice américaine d'où sortait ce public, si nombreux et si jeune. Elle m'a répondu : « Alain, il faut que tu réalises que tu es une légende aux Etats Unis ». » Ça a continué comme ça sur toutes les dates de la tournée. À Denver, on est arrivés l'après-midi pour installer le matériel. Deux types attendaient depuis longtemps. Ils sont venus me demander une photo, tremblants d'émotion. C'était incroyable, et difficile à réaliser. Même chose dans le Nevada : une fille m'a reconnu dans une station-service à cause de mon t-shirt « Martin Dupont » et a crié « Oh my God ! ». Elle était fan.

Ne représentez-vous pas, pour les Américains, cette culture et cette élégance intemporelle qu'ils aiment chez les Européens ?

Peut-être. Moi, je ne suis pas influencé par la musique du moment. Je suis autant marqué par Bartók que par l'électronique. Toute ma vie, même pendant ma carrière médicale, j'ai écouté une quantité phénoménale de disques. Je ne sais même pas combien de milliers. Ma femme en devenait folle (rires). Je m'endormais avec la musique, et parfois elle devait couper à une heure du matin. Mon premier réflexe au réveil, c'est de mettre un disque.

N'est-ce pas paradoxal, pour un groupe né dans la new wave, de devenir un groupe électro ?

C'est drôle, car j'ai appelé mon dernier album « Hot Paradox », et c'est aussi le nom de mon label (rires). Je ne catégorise pas : il y a des morceaux de new wave qui ressemblent à de l'électro, et vice versa. Ce qu'ils ont en commun, ce sont les synthés et les boîtes à rythmes. Les frontières sont floues, surtout avec le jazz contemporain, où il y a de plus en plus de convergences.

Martin Dupont en 2026 de gauche à droite Alain Seghir, Ollivier Leroy, Sandy Casado, Thierry Sintoni et Beverley Jane Crew

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En 2008, avec la compilation « Les Jeunes Gens Modernes » d'Agnès B., vous réapparaissez en France. Pourquoi ça n'a pas marché à ce moment-là ?

Peut-être à cause de notre nom : Martin Dupont ! (Rires)

Il y a eu beaucoup d'hommages, une BO… C'est à ce moment-là que tu t'es racheté du matériel et que tu as repris la musique ?

Non, pas tout de suite. Quand le producteur du film m'a contacté, j'étais content, mais ça n'est pas allé plus loin. Puis une Allemande m'a demandé un titre pour un film sélectionné à la Semaine de la critique à Berlin. Mais c'est surtout Veronica Vasicka, la patronne de Minimal Wave, qui m'a poussé à continuer. Ce qui a tout déclenché, c'est la rencontre avec les anciens membres de « Rise and Fall and The Decades », Thierry Sintoni et Sandy Casado.

C'est grâce à eux que tu as pu te relancer ?

Oui, vraiment. Je connaissais leurs disques, que j'adorais, mais eux ne me connaissaient pas. Ils maîtrisaient la technologie numérique, alors que moi, j'étais resté aux magnétos à bande. On a sympathisé, et ils m'ont proposé de travailler sur mes morceaux pour préparer un concert. Veronica Vasicka insistait pour qu'on se produise sur scène. Il fallait adapter les titres pour affronter le public. Je leur ai envoyé notre premier 45 tours et un morceau inachevé, « Love-t-on My Side ». Le lundi suivant, j'ai reçu la version retravaillée par Thierry Sintoni, le clavier du groupe, et j'ai adoré. Le week-end d'après, je suis allé à Paris pour finaliser le morceau. Un ami qui a un label a adoré et voulait sortir les titres en 45 tours, mais j'ai refusé : l'objectif était de faire un concert, pas un disque. On a travaillé plein de morceaux, l'alchimie était parfaite. Thierry était très ouvert à mes idées. Puis est arrivé le Covid, alors on a continué à distance. On a composé un album, « Kintsugi », et on est partis en tournée aux États-Unis et en Europe.

You Smile When It Hurts
par Martin Dupont - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=Gai72th-6Yw&list=OLAK5uy_k-SN1DR3FFIa3CmT6yttVw_gXiF1RCLdw

Pourquoi on n'en a pas parlé en France ?

C'est ma faute. Je dois avoir un complexe… Je n'ai jamais cherché à communiquer ou à me faire connaître.

Si on n'a pas beaucoup parlé de vous, est-ce parce que tu étais marseillais ?

Ça a dû jouer, surtout que j'ai grandi dans des quartiers difficiles. Je n'étais pas privilégié.

La tournée américaine de 2023 s'est bien passée ?

Très bien. Quand je revois les photos, j'en suis encore ému. On avait recruté Ollivier Leroy, un musicien incroyable dont j'avais acheté les disques. Je l'ai contacté pour des conseils, puis je suis allé le voir à Rennes. Il a écouté nos morceaux, a adoré, et a rejoint l'aventure. Aujourd'hui, il fait totalement partie du groupe.

En tournée aux USA en octobre 2025

Droits réservés

Vous avez sorti « You Smile When It Hurts » à l'automne 2025, fait une tournée américaine, joué aux Transmusicales de Rennes, et votre musique a été utilisée pour des défilés de mode. N'êtes-vous pas enfin à la place que vous méritez ?

J'espère qu'on a trouvé un bon équilibre, surtout financier, pour pouvoir jouer où on veut. On a dû refuser un concert à Tokyo, car c'était trop compliqué d'y aller pour une seule date : il faudrait une tournée. Il faut beaucoup d'argent pour rembourser l'investissement : j'ai payé tous les musiciens classiques, l'arrangeur, le studio, le mastering, l'attachée de presse, le Community-manager… J'espère qu'on est enfin arrivés à un niveau viable.

Ça te fait quel effet de voir ce qui se passe autour de toi ?

Je reste circonspect. Pourtant, les retours, notamment aux Trans, sont excellents. Je remercie Jean-Louis Brossard et les Transmusicales de m'avoir programmé. Pour un Marseillais, c'était inimaginable.

Ne penses-tu pas que Martin Dupont a été un rendez-vous manqué pour beaucoup, et que le public se rattrape aujourd'hui ?

Peut-être. Beaucoup de gens, comme Jean-Louis Brossard, se demandent comment ils ont pu passer à côté de nous. On n'avait ni promotion ni agents en France… Seuls les États-Unis ont bénéficié d'un vrai travail de promotion grâce à Veronica Vasicka. C'est étrange de lire que des artistes qui vendent 100 fois plus de disques que moi disent que je les ai inspirés.

Martin Dupont (Transmusicales, Rennes, Fr) 04/12/2025
par Renaud Leroux

https://www.youtube.com/watch?v=HhZpV4Bh0B4

Le fait d'être médecin ne t'a-t-il pas aidé à garder les pieds sur terre ?

(Silence) Oui, dans les deux sens. Soigner des gens, les aider à vivre, c'est ma fonction suprême. Mais quand une gamine de 18 ans à Varsovie me dit que ma musique lui a sauvé la vie après une rupture amoureuse, que « Love-t-on My Side » lui a redonné de l'énergie… ça me touche profondément. Je ne peux pas juger de la tristesse d'une adolescente, mais je sais que ma musique a fait du bien, comme un médecin. Aujourd'hui, je respecte davantage la musique comme un bienfait et un partage.

C'est qui, Martin Dupont aujourd'hui ?

Il y a les deux anciens membres de Rise and Fall of The Decades, Thierry Sintoni et Sandy Casado, Ollivier Leroy aux claviers, Beverley Jane Crew au saxophone, au synthé et à la clarinette, et moi, qui joue de la guitare et de la basse, mais j'assure surtout les voix. Thierry s'occupe de la plupart des parties de guitare et des claviers. Je partage, aussi, avec lui, maintenant, la composition.

Quels sont vos projets ?

On va continuer à composer, il y a des concerts de prévus, mais je ne gère pas vraiment les dates, car je suis toujours médecin et je ne veux pas abandonner mes patients, surtout avec la situation médicale en France. On va slalomer entre les concerts et les boulots de chacun. J'arrive à gérer mon emploi du temps (rires).

Thierry Sintoni et Sandy Casado

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Peut-on espérer un album de remixes de Martin Dupont ?

Avant « Kintsugi » en 2023, je n'ai gardé aucune bande multipiste mais grâce aux miracles de la technologie, nous allons sortir prochainement un album de remixes, de reprises par des amis, et des fans du groupe, et des inédits. Un de mes plus grands regrets, c'est d'avoir enregistré dans un superbe studio à Londres en 24 pistes, à l'époque où j'avais créé ma carte son. Je suis parti à Los Angeles pour voir mon distributeur, j'ai fait écouter ma cassette là-bas, tout le monde adorait. En rentrant à Marseille, j'ai fait une garde de nuit et j'ai laissé la cassette dans l'autoradio. On me l'a volée avec la voiture. Ça ne m'a pas trop inquiété sur le moment, mais ça a été terrible quand le studio m'a annoncé qu'ils avaient perdu le master et effacé les bandes. Ces morceaux étaient incroyables…

Le mot de la fin ?

La musique, c'est le partage. C'est un vecteur d'émotion qui transcende les âges, les pays, les cultures. Je trouve ça miraculeux. Si je suis devenu chirurgien ORL, ce n'est pas un hasard : on ne pourrait pas vivre sans sons !

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'amener vers la musique ?

J'avais offert à ma petite sœur, qui a quinze ans de moins que moi, Depeche Mode et Snakefinger, le guitariste des Residents. Elle avait senti qu'il y avait quelque chose de différent, et elle trouvait ça fun (rires).

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Pierre Chaissac : de la Charente-Maritime aux Impossible Songs ou le rock Diy et sans concession d'un amoureux des chansons.

Franco Onweb — 2026-02-10T14:39:29Z

Entre les accords saturés de ses débuts heavy metal et les mélodies pop léchées de ses derniers albums, Pierre Chaissac incarne une trajectoire musicale aussi libre que méconnue. Originaire de Charente-Maritime, ce songwriter aux influences éclectiques — des Dogs à Bob Mould, en passant par Kid Pharaon — a traversé les scènes punk, hardcore et DIY sans jamais se laisser enfermer dans un style. Aujourd'hui, avec les deux volumes d'Impossible Songs, enregistrés presque en solitaire dans son salon, il signe un double hommage à la chanson pure, loin des dogmes et des modes.

Rencontre avec un musicien qui, à 60 ans, assume ses contradictions : un amour inconditionnel pour les mélodies intemporelles, une allergie aux nostalgies stériles du rock, et une obsession pour l'authenticité — même si cela signifie bricoler ses disques entre autoproduction et budgets serrés. « Je ne suis ni un rockeur, ni un poppeux, je suis juste un type qui aime les chansons », résume-t-il. Et c'est bien là que réside toute sa force.

Peux-tu te présenter ?

Pierre Chaissac, auteur, compositeur, interprète. Je fais de la musique et je suis originaire de Charente-Maritime.

Pierre Chaissac

Crédit : Sylvia Vasseur

Tu as commencé comment ?

Oh là là, mon premier groupe, c'était du heavy metal, comme on disait à l'époque, vers 1982-1984. On s'est retrouvés entre potes à essayer de jouer trois accords de guitare. On était passionnés par les virtuoses, ceux qui jouaient vite… Avant le heavy, j'écoutais les Dogs, Little Bob Story, les Buzzcocks, et je regardais beaucoup Chorus, l'émission d'Antoine de Caunes, où j'ai découvert les Ruts, Rory Gallagher… Je la regardais tous les dimanches matin, et ce n'était pas facile, parce que mon père voulait regarder Téléfoot.

Quand est-ce que tu reviens au rock ?

Assez tard, en fait, j'étais à la fac ! Là-bas, j'ai rencontré des musiciens, comme Jean-Yves Berthelot, qui jouait dans PHAZ 3, ou encore Patrick Treguer des Voyoux… C'étaient des gens qui avaient une vraie vision, une ouverture d'esprit. On n'était pas coincés dans le rock alternatif français de l'époque, qui pouvait être vraiment pitoyable.

C'est quoi ton premier groupe « sérieux » ?

Il y a eu les Bâtards, un groupe de punk rock avec lequel j'ai fait mes premiers enregistrements. Ce n'était pas formidable, mais ça se tenait, disons. Ensuite, le premier groupe vraiment sérieux, c'était D.I.T., avec lequel on a sorti un album chez Vicious Circle en 1994. C'est là que les choses ont pris un tournant. On avait déjà pas mal enregistré, on était présents sur plusieurs compilations… C'était l'époque des Drive Blind, des débuts des Burning Heads, des TV Killers…

Pierre Chaissac- Land of pricks ( lyrics version)
par chaissac pierre

https://www.youtube.com/watch?v=mtfI_Bhq0aY

C'est là que tu rentres dans le système ?

Le système ? Hi, hi… En fait, c'est grâce aux Thugs ! Avec notre première démo, on se retrouve sur la compilation Enragez-vous chez Black & Noir, aux côtés de Zn Guérilla, des Thugs et de Noir Désir, qui avait mis un inédit. À partir de là, on devait assurer la première partie des Thugs à La Rochelle, mais leur matériel n'est pas arrivé (rires). On leur a proposé de jouer sur le nôtre. Ils ont refusé, et on est montés sur scène à leur place en se disant qu'on allait se faire jeter. Mais non, on a mis la salle en l'air, et c'était super. Éric (Sourice, chanteur des Thugs, NDLR) est venu dans les loges et nous a demandé une démo. Quelques mois plus tard, on était sur la compilation.

Et ensuite ?

On a joué cinq ans ensemble. On a fait cet album chez Vicious Circle, dont je suis toujours content. C'était mon premier vrai disque, et j'ai une tendresse particulière pour lui. On avait passé quinze jours en studio à Pôle Nord avec Fred Norguet.

Après, tu vas faire des groupes, mais tu vas surtout être ce qu'on appelle un « acteur de la scène » ?

Je ne sais pas ! Qu'est-ce que tu entends par « la scène » ? J'ai toujours eu des doutes sur la grande fraternité du rock'n'roll. Juste après, j'ai eu un groupe qui s'appelait PUDGY, un groupe qui a connu plusieurs vies, avec plusieurs partenaires. Je n'ai jamais tenu six mois avec les mêmes musiciens, sauf avec le violoniste. On a joué avec les Saints, Chris Bailey en solo, Perry Blake, Candy Kane et plein d'autres.

Visuel de Impossible Songs Volume 2

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Tu as organisé des concerts, tu as connu des labels…

Je n'ai pas connu de labels, j'ai surtout cherché à en trouver (rires). Maintenant, j'ai une association pour sortir mes disques. J'aimerais bien en sortir d'autres, mais c'est un problème économique. J'ai souvent été en autoproduction et c'est toujours le cas.

Tu as commencé avec une scène très rock, assez dure, pour arriver à une musique plus « léchée ».

Ça a toujours été mon truc, je me suis beaucoup cherché musicalement. J'ai même fait du hardcore. C'était l'époque ! Mais même à cette période, j'écoutais Kid Pharaon, qui m'a ouvert à des groupes comme REM ou Jonathan Richman. J'ai fait, il y a peu de temps, une reprise de Kid Pharaon avec une jeune chanteuse. Je voulais son avis et son feu vert de la part de Thierry [Kid Pharaon, NDLR]. Il me l'a donné, mais en me disant : « Je n'en ai plus rien à foutre » (rires). Alors s'il vous plaît, foutez-lui la paix avec Kid Pharaon ! Il est complètement en dehors de la musique. Mais écoutez-le tant que possible…

Ce seraient quoi tes influences ?

Je t'avais prévu le coup (rires), j'en ai plus de 150 (rires). Bon, allez, sur mes 25 dernières années, en premier, il y a You Am I, Tim Rogers, qui fait des choses différentes tout le temps. Il est le chanteur des Hard-Ons en ce moment. J'adore aussi Bob Mould, Mega City Four, un groupe capable de faire du bruit en faisant de la jolie musique, et une palanquée de jeunes femmes aujourd'hui comme Jen Cloher, Boygenius, Lizzo aussi…

It's not sadness
par PIERRE CHAISSAC - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=9rmsMof7_i4&list=PLsMoVlg74O-f4dOKUPFf_KHg8rANscW7f

On peut te comparer à Bob Mould, qui, comme toi, a commencé en faisant du hardcore avec Hüsker Dü et a ensuite fait des trucs plus pop avec Sugar ou en solo ?

Pas d'accord, c'est un mec qui sait encore faire du bruit. Guided by Voices est aussi un groupe important pour moi. Robert Pollard, leur chanteur, est un modèle. Quand je l'ai découvert, lui et son groupe, j'ai halluciné ! Les premiers albums sont faits sur des 4 pistes avec un son horrible, mais les chansons sont juste top. Je ne suis ni un rockeur, ni un poppeux, je ne sais pas ce que je suis, mais je sais que ce que j'aime, ce sont les chansons. Peu importe qu'elles soient réalisées dans un gros studio pendant trois semaines ou en deux heures sur un 4 pistes, elles ont toutes la même valeur pour moi.

Tu es donc plus influencé par les Américains que par les Anglais ?

Oui et non, pour moi, Paul McCartney est un dieu ! Après…

Tu aimes quand même des groupes qui font de belles mélodies et qui sont dans le DIY. Un peu comme toi, ils font de belles mélodies sans pour autant sortir les côtés grandiloquents avec un orchestre ?

Si je pouvais avoir un orchestre symphonique, ce serait bien, et j'en ferais plein, des chansons. Ou pas…

Quand deviens-tu Pierre Chaissac ?

J'ai décidé de faire de la musique sous mon nom quand j'ai eu trop de frustrations et que j'ai eu un peu de matériel à la maison, dont j'ai appris à me servir. J'ai travaillé. Sur les deux volumes d'Impossible Songs, le titre vient du fait que je ne savais pas avec qui les faire. Le matériel m'a permis de réaliser ces morceaux. J'avais beaucoup de chansons en démos, mais pas terminées. Avec le temps et du travail, j'ai réussi à faire la musique que je voulais. Si tu prends les deux volumes, il y a 50 % des titres que j'avais dans mon ordinateur, mais que je n'arrivais pas à finir.

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On va parler de ces deux volumes. Pourquoi avoir fait deux albums et pas un double ? Je précise que les deux volumes ne sont pas sortis en même temps.

Tu es fou (rires) ? Déjà, vendre un disque, c'est compliqué, alors un double… C'est invendable, un double album. Pour faire le volume 2, je me suis décidé trois semaines avant la sortie du premier. Je me suis dit : « On finit les titres et on essaie de sortir ça en 2025. » Ça a été un vrai défi, parce que j'ai tout fait tout seul.

Tu as joué de tous les instruments tout seul dans ton salon ?

Oui, et j'ai aussi programmé.

Tu avais quoi en tête en faisant ces disques ?

C'étaient des chansons que j'avais en stock. La moitié, je les avais en stock et je n'arrivais pas à les placer dans mes groupes, dont Sacha, une chanteuse incroyable avec qui je travaille. Je me suis dit : « C'est à moi, ça. » Il fallait que ça sorte.

Cherry blossom girl
par PIERRE CHAISSAC - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=h4Cn6rQg_E4

Tu as une force : la mélodie ! Toutes tes chansons peuvent se jouer à la guitare sèche, et ça, c'est top. Ensuite, c'est de la pop, mais de la pop américaine, et puis tu pars dans certains styles comme la country. J'ai l'impression que tu es parti d'une ligne mélodique et que tu as construit les morceaux autour.

Je ne sais pas, la plupart des chansons sont « naturelles ». Je ne réfléchis pas trop, et ça marche comme ça. En revanche, j'essaye beaucoup de trucs et je travaille vraiment les enregistrements. Ça fait un peu con de dire ça, mais j'aime vraiment plein de musiques qui n'ont rien à voir avec mon travail.

Sur tes disques, il y a de la pop, du rock, de la country… et tout se passe de manière naturelle : on n'a pas l'impression que tu es parti sur un morceau en te disant « je vais faire comme ça ».

C'est exactement ça, je laisse leur vie aux morceaux. Je me sers de l'électronique pour mes morceaux. Ce sont d'abord les chansons, et ça, c'est le principal. Tu peux faire tous les styles, mais une bonne chanson reste une bonne chanson.

Pierre Chaissac en concert

Crédit : Sylvia Vasseur

Je suis d'accord, mais on peut vite se retrouver avec des arrangements qui desservent le titre, et ce n'est pas ton cas !

Je m'en fiche, les arrangements des années 70 peuvent être énormes comme ceux qui sont contemporains. Je me sers de la technologie pour servir au mieux, avec les arrangements les plus appropriés.

Tu as une collection de chansons qui tiennent par tes arrangements, qui peuvent être pop, rock ou autre… C'est 30 ans d'amour musical !

En fait, je ne m'interdis rien ! Pourquoi s'interdire des choses ? C'est là où j'ai un problème avec « la grande famille » du rock'n'roll : ils sont chiants, mais alors chiants !!! Arrêtez de pleurer sur le cadavre de Johnny Thunders ou des Ramones, évoluez ! Il y a des groupes comme Wet Leg qui sont incroyables. Écoutez la musique d'aujourd'hui ! Il y a des gens comme Jason Falkner qui me passionnent.

Donc, ton truc, ce sont les songwriters ?

Comme j'adore les chansons, eh bien oui, j'adore ce genre de types ! Le pire musicien au monde, c'est Daniel Johnston, et c'est le meilleur en écriture. L'album solo posthume de Chris Bailey, des Saints, est aussi incroyable.

Pourquoi tu as appelé ces deux disques Impossible Songs ?

Tout simplement parce que je ne peux pas les jouer sur scène, car je n'ai pas les gens pour le faire avec moi.

Bad ended guy (feat. Sacha ivy & David Fakenahm)
par PIERRE CHAISSAC - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=NpOXxgF7FjI&list=PLsMoVlg74O-fddqIsw9XMxI4Lr02r-jIp&index=3

Tu pourrais le faire avec une guitare et des bandes ?

J'y pense actuellement, peut-être avec un autre collègue. Faire des concerts solos acoustiques, je l'ai fait pendant 15 ans, il faut trouver une autre formule. Ça peut être de l'électro, mais franchement, sinon, le disque est impossible à jouer sans six ou sept personnes… Donc c'est impossible, surtout économiquement. En plus, je ne connais personne autour de moi, dans ma région, qui pourrait le faire. Je préfère que les gens l'écoutent plutôt que de voir un truc bancal.

Tu as tout fait tout seul, sauf les pochettes, qui sont superbes !

(Rires) C'est la première fois que je suis vraiment content de mes pochettes. C'est un vieux copain, Franck Lotte, qui a pris la main. Il a tout compris en un quart d'heure, avec ce côté « Blue Note ». Il m'a envoyé les projets, et j'ai adoré. Son travail est exceptionnel, vu le budget que j'avais. Pas de budget, en fait…

Droits réservés

Tu as de bons retours sur les albums ?

J'en ai eu assez peu, du fait que je produis tout et que je fais tout seul, y compris la promo. Comme je ne sors pas les albums en vinyle, j'ai peu de presse, pourtant un CD ne coûte pas très cher à produire. On peut continuer à vendre du physique à peu de frais, et j'ai l'impression que les gens le prennent mal quand tu ne fais pas de vinyle. Moi, je vends mon disque 12 euros, port compris, ce n'est pas cher, et ça me permet au moins d'amortir les frais. J'ai du mal avec le discours sur la qualité du vinyle : c'est pour les nantis maintenant. On est loin du punk et de l'alternatif, du côté abordable. Le vinyle, c'est pour les hipsters barbus avec du pognon, pas pour les fauchés. Encore moins quand tu habites loin des centres urbains. C'est mon cas.

C'est quoi tes projets ?

Survivre ! Je n'ai plus l'intermittence depuis mi-novembre. Musicalement, je continue entre projet électro et pop un peu lo-fi… avec toujours l'envie de repartir vers du rock sombre et prenant. Ça se fait avec des gens, ça… Les chansons viennent et arrivent… Toujours plein d'idées… en espérant qu'il me reste le temps de les réaliser.

Little white lies
par PIERRE CHAISSAC - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=rmPILiUf9WY&list=PLsMoVlg74O-fddqIsw9XMxI4Lr02r-jIp&index=10

Le mot de la fin !

Je vais continuer à faire des chansons. Je n'ai pas d'autres envies ni ambitions, juste faire des disques, virtuels ou pas, des chansons. Je suis vraiment heureux quand je compose et que je joue. Je ne vois pas quoi dire de plus. Je vais avoir 60 ans cette année. Beaucoup considèrent que c'est déjà trop de continuer ces conneries à cet âge-là. Ça me tient en vie. C'est déjà pas mal.

https://distrokid.com/hyperfollow/pierrechaissac/impossible-songs-volume-2?ref=release
https://www.facebook.com/pierre.chaissac

Les Needs : 37 ans de rock garage, de passion et d'élégance

Franco Onweb — 2026-01-27T15:11:31Z

Véritable institution du rock phocéen, les Needs sont présents sur la scène rock depuis 1989. Depuis 37 ans, ils jouent une musique qui mêle avec brio rock psychédélique et garage. Leur parcours aura connu une interruption de huit ans, avant que le groupe ne se relance sur les scènes, animé par la même passion et la même énergie. Au fil des années, ils auront croisé des figures marquantes : Henry Gauby, producteur mythique de la scène garage-rock du Sud, Steve Wynn du Dream Syndicate, et surtout Lucas Trouble, le magicien du Kaiser Studio.

Au cours de leur histoire, le groupe aura vu défiler de nombreux musiciens avant de se stabiliser autour du chanteur Thierry Dey et du guitariste Vincent Cantrin.

Aujourd'hui, les Needs continuent de donner des concerts. Alors qu'un projet de livre sur le groupe et son histoire est en préparation, j'ai échangé avec Vincent Cantrin pour retracer l'histoire d'un groupe qui a su traverser les décennies sans jamais renier son identité.

Photo de couverture MXWL Photographie

Comment ont commencé les Needs ?

Tout a commencé en 1989. À Aix-en-Provence, je connaissais Henry Gauby, qui produisait des groupes locaux. Certains ont bien marché, comme Hôtel du Nord (dans le genre new wave) ou les Bootleggers de Marseille, plutôt orientés sixties. C'était un ami. On travaillait ensemble dans un entrepôt, comme manutentionnaires. Il me faisait découvrir énormément de musiques.

Les Needs en concert

Droits réservés

Moi, j'aimais le rock basique : les Rolling Stones, les Sex Pistols, les Damned, mais aussi des groupes américains comme les Standells. Henry m'a fait découvrir ce qu'on pourrait appeler le « rock garage », avec des groupes comme les Fuzztones ou les Morlocks. Ça me plaisait beaucoup. J'ai voulu monter un groupe, mais je n'avais pas de partenaires.

Henry connaissait un groupe qui s'appelait les Phantoms. Ils faisaient des trucs dans ce style-là, chantés en français, un peu comme Ronnie Bird. Il m'a dit que leur chanteur, Thierry Dey, était très bon. Il a organisé une rencontre dans un bar d'Aix, et on a décidé de monter un groupe dans ce style. On a commencé par faire des reprises. On a eu l'opportunité de jouer, mais il nous fallait un nom. Thierry, qui était fan des Seeds, a proposé « les Needs ».ait un clin d'œil.

En 1991, vous enregistrez votre premier album. Comment s'est passée cette période ?

On a commencé à jouer, et en 1991, on a enregistré notre premier album avec des musiciens d'Aix et de Salon-de-Provence.

Combien de musiciens sont passés dans le groupe ?

Du groupe d'origine, il ne reste que le chanteur et moi. On a eu 4 batteurs, 4 bassistes, 4 guitaristes. Le chanteur et moi, on est toujours là.

Vous avez beaucoup joué ?

Dans la première période, oui. Jusqu'en 1994, on a dû faire 150 ou 200 concerts. Ensuite, on s'est arrêté parce que le chanteur est parti à Tahiti. On s'est reformé huit ans plus tard pour deux concerts hommage à Henry Gauby : un au Poste à Galène à Marseille, et un autre à Salon-de-Provence. Pour ces deux concerts, tout le monde est revenu. On a eu l'idée, comme on avait deux nouveaux morceaux, de composer de nouveaux titres et de refaire un album au Kaiser Studio de Lucas Trouble à Chalon-sur-Saône.

The Needs Release Party in Marseille Poste à Galène mai 2018
par meltingpod

https://www.youtube.com/watch?v=nXSrpMFxfqs

On s'est remis à jouer, mais de façon plus épisodique. C'était le moment où le rock commençait à décliner. Aujourd'hui, on joue très peu : en 2025, on a joué deux fois, quatre fois en 2024.

Pourquoi ?

On y met nos conditions ! Je ne vais pas aller jouer à Paris pour 200 euros. On ne joue que chez des gens qui nous reçoivent bien.

Est-ce que c'est l'amour du 13^th Floor Elevators qui vous pousse à continuer ?

Pas vraiment ! Quand on a commencé, le seul qui connaissait le 13^th Floor Elevators, c'était le chanteur. Henry Gauby lui avait fait découvrir. Au début du groupe, on reprenait « You're Gonna Miss Me ». Quand on a enregistré, j'ai proposé de l'enregistrer, mais les autres ont trouvé que c'était trop un standard. On a repris « Monkey Island » à la place. On a refait une reprise pour le deuxième album. J'ai proposé d'en faire une sur chaque album du groupe, donc on en a fait sept. En réalité, il n'y a que Thierry et moi qui connaissons vraiment le groupe.

Vincent Cantrin

Crédit : MXWL Photographie

Rocky Erickson (Chanteur du 13^th Floor Elevators, NDLR) savait que vous existiez ?

Non, je ne crois pas. Il avait une existence compliquée, avec beaucoup de séjours en hôpital psychiatrique. Son fils sait qu'on existe, mais ça n'a rien donné de plus.

Vous avez déclenché beaucoup de vocations à Marseille ?

Ce serait prétentieux de le dire ! On a voulu être l'antithèse de « Quartier Nord », un groupe très respectable, mais qui avait un côté très « marseillais », avec des scènes de vie et des expressions locales. Nous, on ne voulait pas ça. On a tout écrit en anglais et on a pris des pseudos pour ne pas montrer nos origines.

Il y a sept ou huit ans, on a joué à Marseille, et un jeune est venu nous parler en anglais. Quand on lui a expliqué qu'on venait de son coin, il a été très surpris : il croyait qu'on était américains. C'était compliqué de démarcher dans les années 90 pour un groupe de rock de Marseille. Pourtant, il y a toujours eu de supers groupes ici, comme les « Cowboys From Otherspace ». Aujourd'hui, il y a vraiment de bonnes choses, comme Kino Frontera ou « No Jazz Quartet ».

The Needs live machine à coudre marseille 11/2010
par billsky13

https://www.youtube.com/watch?v=hsFiFP-mlPw

C'est une ville où il se passe plein de choses, avec beaucoup de groupes !

Oui, mais il y a peu de public par rapport à la taille de la ville. Quand tu joues à Marseille, tu joues surtout devant d'autres musiciens.

Parlons de quelqu'un qui a été très important : Lucas Trouble.

On a fait cinq albums avec lui. Il jouait, avec Mark Embatta, dans les Vietnam Veterans. C'était un vrai passionné de musique et un personnage hors norme. On faisait des séances qui pouvaient commencer à 10h et finir à 2h du matin, mais parfois il arrêtait très vite s'il ne sentait pas l'inspiration.

Il avait le son ?

Oh oui ! Il connaissait ses appareils de façon magistrale. C'était compliqué de travailler avec, mais il arrivait à faire un boulot incroyable.

Thierry Dey, chanteur des Needs

Droits réservés

Vous avez évolué musicalement : du garage, vous êtes passés à un côté plus psychédélique !

Dès le départ, on aimait plusieurs styles : le garage, la psyché, mais aussi le punk américain (les Ramones), le punk anglais ou la soul. On est resté comme ça pendant trois albums. On s'est vite rendu compte qu'on ne connaîtrait jamais le succès, alors on s'est mis à la soul et même au street punk. En fait, on s'en fout ! Ça nous fait rigoler, même si parfois ça donne des albums un peu patchwork.

Vous avez notamment collaboré avec Steve Wynn du Dream Syndicate.

C'est Henry Gauby qui était fan. Il lui avait écrit une lettre. Une amitié s'est nouée, et Henry est parti un jour aux États-Unis pour rencontrer Steve Wynn, qui était en tournée avec Gutterball. Ils se sont parlé, et Steve a proposé qu'on reprenne un de ses titres. On a repris « Smooth ».

Il y a un mot qui vient naturellement quand je pense à vous : élégance !

Ah oui, dès le départ, j'ai tanné les mecs pour qu'on ait un look ! On ne monte pas sur scène en baskets avec un t-shirt. Ce n'est pas un dress code, mais il y a des interdits : on met des chaussures, de vrais pantalons et des chemises. C'est une question de respect pour le public.

The Needs - Miss your eyes + The Ride Of Caroline Knight
par Chrispics Cplus

https://www.youtube.com/watch?v=DKyKC0vACuo

Vous écoutez de la soul, vous êtes élégants ! On dirait des Mods !

(Rires) Effectivement ! Dans le groupe, il y a des fans des Who et des Small Faces, et ce côté élégance compte.

Vous avez beaucoup joué à l'étranger ?

Assez peu. On a toujours été distribués par des labels français comme New Rose ou Dancetaria, qui faisaient beaucoup d'imports mais n'exportaient pas leurs groupes.

Qu'est-ce qui vous a manqué ?

D'abord, le fait que tout le monde travaillait à côté, donc on n'était pas totalement disponibles. Ensuite, on est de mauvais commerciaux : on n'arrive pas à se vendre.

Vous n'avez pas eu de manager ?

Non, on a essayé, mais aucun n'a voulu.

Les Needs en concert

Crédit : MXWL Photographie

À Marseille, des gens se réclament de vous. Les Needs, n'était-ce pas une sorte de récréation après le boulot ?

Si, un peu. Mais le fond du problème, c'est qu'on est des feignasses. Pour notre dernier album, je n'ai même pas envoyé un seul disque en promo !

Comment trouver vos disques ?

On peut nous les commander en direct.

Vous travaillez sur un livre !

Oh oui ! Joan Foax (aka Jean Palomba) est un fan de la première heure. Il a écrit un livre de 580 pages sur Henry Gauby et les Needs. Mon fils, qui joue dans le groupe maintenant, y est même interviewé !

Quand sortira le livre ?

Il cherche un éditeur indépendant en ce moment.

Couverture du livre sur les Needs

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Quels sont vos projets ?

(Rires) On n'a aucun projet ! On est montés sur scène sans répéter, et c'est ça, notre vrai projet.

Le mot de la fin ?

Quand on a monté ce groupe, on pensait faire 10 concerts et peut-être un album. 36 ans après, on est toujours là.

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

« Exile on Main St. » des Rolling Stones !

https://www.facebook.com/TheNeeds/

Deleo, un groupe à suivre de près en 2026

Franco Onweb — 2026-01-19T17:54:32Z

Originaire de Montpellier, le groupe Deleo a sorti en novembre dernier un EP remarquable, « If This World Were Mine », un disque envoûtant où la puissance des titres épouse à merveille l'harmonie des mélodies. Derrière ce nom intrigant se cache une formation menée par le guitariste Denis et la chanteuse Emilie, un duo qui a sillonné la France dans tous les sens, offrant au passage des concerts électrisants !

Inspiré par des groupes comme Fontaines D.C. et grand admirateur de Radiohead, Deleo incarne un mélange audacieux de pop et de rock, repoussant sans cesse les limites pour ne se laisser enfermer dans aucun genre. Alors que le groupe s'apprête à entamer une tournée en 2026, j'ai échangé avec Denis, guitariste et compositeur, pour découvrir ce qui fait de Deleo un nom à retenir.

Peux-tu te présenter ?

Je suis Denis, fondateur du groupe Montpelliérain Deleo. Nous sommes quatre : Émilie au chant, Ben à la batterie, Félicien à la basse et moi à la guitare. Je compose l'essentiel de la musique, je suis aussi multi-instrumentiste, et Émilie écrit les textes également, notamment sur notre dernier EP. Deleo évolue entre rock alternatif, post-punk, new wave, avec parfois des échappées plus pop. À l'origine, c'était un groupe de rock influencés par Radiohead, Placebo ou Archive, mais nos influences se sont élargies avec le temps autour de Fontaines D.C, Idles ou les Murder Capital.
On écrit simplement la musique qu'on aime écouter.

Deleo, Emilie et Denis

Droits réservés

À l'écoute de votre dernier EP, le mot « puissance » vient immédiatement à l'esprit. Le terme de « fusion musicale » vous convient-il ?

Oui, totalement. Cette puissance est aussi liée à notre rencontre avec Philippe Uminski, qui a produit l'EP. C'est quelqu'un qui se définit comme « le réalisateur français le plus anglais. Il a une culture très large et surtout une capacité rare à se mettre au service d'un projet. Il nous suit depuis 2021, a réalisé notre premier album The Best Is Yet To Be, ainsi qu'une série de bootlegs cette année. Sur cet EP, nous voulions un son plus organique, plus frontal, en phase avec notre rage notamment celle d'Émilie. Philippe est devenu le cinquième membre du groupe en quelque sorte.

D'où vient le nom Deleo ?

C'est la contraction de « De-nis » et Éléo-nore, la première chanteuse que j'ai rencontrée au tout début du projet. À l'origine, Deleo était quelque chose de très humble, presque confidentiel.

Êtes-vous un groupe ou un duo ?

Le projet est porté par Émilie et moi mais nous restons clairement un groupe de quatre membres sur scène. Sur cet EP, nous avons voulu raconter l'histoire de notre duo : la rencontre entre quelqu'un de réservé, introspectif, et une fille extravertie, très incarnée sur scène, qui a des choses à dire. Le groupe reste essentiel, en studio comme en live.

Deleo - Something I Will Find
par deleoofficial

https://www.youtube.com/watch?v=VAjJjnc6gjQ

On sent une dualité forte dans votre univers. C'est assez rare.

C'est à la fois une force et une faiblesse. Sur notre premier album (The Best Is Yet To Be), on percevait déjà cette opposition entre ombre et lumière. Sur If This World Were Mine (dernier Ep), Nous n'avons jamais eu peur de proposer des morceaux exigeants, parfois violents, avec des basses déstructurées (Echoes), à côté de titres plus accessibles comme You and I, plus pop.
Cette dualité nous permet de ne pas être facilement catalogués, ce qui peut aussi compliquer certaines choses. Mais c'est ce qui fait notre identité.

Explique-toi.

Nous avons un gros son, mais aussi une vraie sensibilité pop. Ça peut déstabiliser. Malgré ça, on creuse notre sillon, avec nos moyens, en restant professionnels et fidèles à ce que nous aimons.

Vos morceaux pourraient inspirer des remix. Vous semblez sous-estimer votre versant électro.

C'est assez juste. La première expérience Deleo remonte à 2019, quand j'ai envoyé un titre à James Sanger (NDLR producteur anglais multi primé). Je suis resté chez lui plus de deux mois en 2020, et nous avons produit un album très pop-electro, très abouti techniquement, mais qui ne me correspondait pas artistiquement.
Avec le Covid et des changements de line-up, j'ai reformé le groupe avec une vision plus rock. C'est là que Philippe est arrivé. Les remix sont une piste intéressante, mais que nous n'avons pas encore vraiment explorée, surtout par manque de temps.

Deleo

Droits réservés

De quoi parlent vos textes ?

De beaucoup de choses. Mes textes sont souvent introspectifs. Émilie, elle, aborde des expériences personnelles et des sujets de société. Calm and Quiet évoque une forme de violence physique et la manière dont la société réagit. Echoes est un texte sur la quête de soi, presque spectral. Asshole and Ashes parle de l'égoïsme ambiant, du repli sur soi.

Savez-vous où vous allez musicalement ?

Pas vraiment, et c'est volontaire. Après cet EP très frontal et marqué par la rage, je me demande si le prochain album ne sera pas plus posé, plus ambiant. Je n'ai pas envie d'être violent, mais je ne veux pas non plus me lisser. J'ai encore des choses à dire artistiquement.

Pourtant, on ne vous imagine pas vraiment vous calmer…

(Rires) Nous retournerons en studio en 2026. Avec ce qui se passe autour de nous, j'ai paradoxalement envie de calme, de créer une forme d'opposition à la violence ambiante. On verra.

Deleo - Notice (Live in Paloma) #newwave #postpunk #thebestisyettobe
par deleoofficial

https://www.youtube.com/watch?v=HYeEVPJDxvI

Sur scène, l'impact doit être fort.

Le mot qui revient le plus souvent après nos concerts, c'est « énergie ». Nous ne sommes pas un groupe démonstratif : notre attitude est plutôt intériorisée, presque shoegaze, sauf Émilie qui incarne la rage. Et pourtant, à la fin, les gens viennent nous dire : « Quelle énergie… comment vous faites ? »

Le rock n'est-il pas trop étroit pour vous ?

J'ai grandi avec Radiohead, un groupe qui n'a jamais accepté d'être enfermé dans un style. Mon objectif est d'évoluer à chaque disque et d'emmener le public ailleurs. Nous avons la chance d'être indépendants et de ne répondre qu'à notre propre exigence.

Êtes-vous totalement indépendants ?

Nous avons notre propre label, Made It Records et L'EP est sorti en licence chez La Couveuse, qui a respecté notre vision. Aujourd'hui, nous avançons à notre rythme.

Deleo en concert

Droits réservés

Quels sont vos projets ?

Jouer autant que possible, même si c'est de plus en plus compliqué. Nous commençons à programmer 2026 (Nice le 14/03, Marseille le 19/06 et Caen le 5/03), en attendant des confirmations de nouvelles programmations et de festivals. Nous retournerons en studio, continuerons à créer, et publierons sans doute des formats plus courts, plus réguliers, pour rester vivants artistiquement.

La scène reste votre terrain naturel ?

Oui. C'est là que tout prend sens.

Un dernier mot ?

Venez nous voir en live.

Quel disque conseillerais-tu à un enfant de 8 à 14 ans ?

Question difficile. J'ai écouté Older de George Michael avec ma fille récemment, et mes enfants ont grandi avec Radiohead. Je recommanderais ces deux artistes au registre antagoniste, sans hésiter.

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https://www.facebook.com/deleoofficiel/?locale=fr_FR