Buzz on Web

Olli & The London Radio Pop Orchestra – Life on Rennes : Une odyssée pop entre baroque, électronique et mélancolie.

Franco Onweb — 2026-06-19T13:52:27Z

Ollivier Leroy, musicien aux mille visages – du classique à la world music en passant par le baroque pop – signe avec Life on Rennes un album audacieux et intime. Entre voix de tête envoûtante, arrangements sophistiqués et influences éclectiques (Radiohead, Max Richter, Bowie), ce projet est le fruit d'un parcours unique, nourri par des années de collaborations et d'expérimentations. Enregistré aux mythiques Air Studios de Londres, mêlant chœur d'adolescents, cordes et électroniques, cet album pop, à la fois accessible et profond, célèbre Rennes, ville qui l'a vu grandir artistiquement. Une œuvre où la mélancolie le dispute à l'énergie, et où chaque note résonne comme une déclaration d'amour à la musique, sans frontières.

Tu as un parcours musical très impressionnant, notamment en tant que musicien classique, mais tu t'es aussi intéressé à la world music, en explorant des musiques indiennes. Pourquoi faire maintenant un album de pop aussi puissant ?

Ce n'est pas tout à fait mon premier album de pop, même si c'est un disque qui résume assez bien mon travail, notamment par rapport à mes influences occidentales et à la voix de tête. Ce travail d'utilisation de la voix de tête a commencé en 2010 avec le projet Contreo, avec lequel j'avais joué aux Vieilles Charrues et aux Tombées de la Nuit avec l'ensemble de Jean-Philippe Goude. C'était déjà un projet pop baroque. En 2015, j'ai créé le Secret Church Orchestra, dont l'idée était de mêler ma voix de tête à de la musique électronique et classique, avec un chœur d'enfants. À l'époque, j'avais travaillé avec la Maîtrise de Bretagne, un chœur de 24 enfants. C'était une envie, au niveau vocal, de travailler dans ce style, et ces projets ont eu quelques retombées en me permettant de jouer dans des lieux et de m'initier à l'écriture, notamment dans le domaine de la musique classique.

Ollivier Leroy

Crédit : Olivier Gamas

C'est vrai que quand est arrivé le projet Olli & The London Radio Pop Orchestra, il a mis beaucoup de temps à mûrir, car je voulais faire quelque chose d'original en utilisant ma voix de tête et ma voix grave au service d'une pop que j'aimais. Je ne me suis pas posé beaucoup de questions artistiques : j'ai simplement voulu utiliser ma voix de tête, assez haute, pour rendre le projet baroque, sans que cela ne me bloque au niveau du public. J'avais ces deux aspects en moi, et quand j'ai créé ce projet, l'idée était d'utiliser un chœur de grands, ce qu'on appelle le Chœur Alpha, composé de jeunes filles âgées de 15 à 20 ans. Ce sont des adolescents qui ont des références pop, ce qui n'était pas le cas auparavant, car ils étaient plus jeunes et avaient beaucoup moins d'expérience.

J'ai retravaillé avec une violoncelliste, Miwa Rosso, qui était devenue, entre-temps, première violoncelliste à l'orchestre de la BBC. Cela m'a amené à ce disque en pensant à Max Richter ou à mes influences comme Radiohead. J'ai un peu synthétisé mon parcours vocal et musical, notamment avec le Bollywood Orchestra en Inde, avec des cordes… Cela a permis de faire mûrir ce projet.

À l'écoute de ton disque, on découvre de la pop, au premier sens du terme, mais aussi ta voix et la maîtrise de la mélodie. On pense à Radiohead, mais aussi, pour la France, à Bertrand Burgalat pour ce mélange de pop et de classique, et tu m'as fait penser à Brian Eno.

Je l'aime beaucoup, c'est un artiste précurseur qui a exploré plein de choses… Ensuite, quand on parle de pop, pour moi, ce n'est pas péjoratif : c'est le fait de travailler sur des mélodies assez simples que les gens peuvent retenir. Mais les arrangements sont plus sophistiqués. Pour moi, la mélodie et l'harmonie restent essentielles dans mon travail. Là, j'ai chanté avec une voix plus basse pour que cela fasse un peu moins baroque, moins lyrique, mais en utilisant précisément la mélodie. C'était une volonté de ma part. Tout ce que j'ai essayé de faire sur ce disque a été fait de manière un peu inconsciente. J'avais la volonté de travailler avec des Anglais : il y a une reprise des Smiths, par exemple, et ces influences m'ont nourri depuis longtemps.

OLLI & THE LONDON RADIO POP ORCHESTRA - Life on Rennes (clip officiel)
par Arfolk

https://www.youtube.com/watch?v=fBCjbwBQrGs

Ton disque s'appelle Life On Rennes, et je trouve que cela décrit bien la ville, à l'automne, avec de la pluie, mais aussi de la mélancolie.

Vouloir appeler ce projet Life on Rennes venait du fait que je suis artiste à Rennes depuis trente ans, avec mes études de musicologie à Rennes 2. C'était une ville très « rock », et moi, j'ai commencé à faire de la musique du monde mélangée avec du rock. J'étais un peu à part, je ne rentrais pas dans le moule. J'ai eu plus d'écho en Bretagne, en dehors de Rennes, que dans la ville elle-même, mais je voulais vraiment, avec ce titre, montrer mon appartenance à cette ville qui m'a inspiré et où j'ai beaucoup écrit. C'est une ville chaleureuse, mais peut-être mélancolique. Il y a aussi un clin d'œil à Life on Mars de Bowie, que j'aime beaucoup (rires). L'idée d'avoir sa propre planète en tant qu'artiste. Je voulais concrétiser ma vie d'artiste à Rennes et dire que je suis là ! J'ai créé ici tous mes projets !

Il y a pourtant peu d'influences bretonnes !

Il n'y en a pas ! J'ai travaillé avec des musiciens bretons. Le label a une identité très bretonne, mais ils voulaient travailler avec des artistes basés en Bretagne qui ne font pas forcément de la musique bretonne. Je suis basé à Rennes, une ville qui a une grosse culture musicale. Si j'ai pu faire le Bollywood Orchestra en 2004, c'est grâce au festival Les Tombées de la Nuit et des Vieilles Charrues. Ensuite, j'ai eu une résidence avec les Vieilles Charrues… J'ai aussi joué aux Transmusicales en 2001 et 2005 ! J'ai un vrai lien de musicien avec Rennes, qui m'a permis de faire beaucoup de choses !

Crédit : Délia Vogt

L'album a été enregistré aux Air Studios. C'était important pour toi d'aller à Londres, dans ce studio, pour faire le disque ?

Oui, déjà, je connaissais ce studio de renom depuis de nombreuses années. Beaucoup de musiques de films que j'aime ont été enregistrées là-bas. Comme j'aime beaucoup Max Richter, je savais qu'il y avait beaucoup travaillé et que, sur le plan acoustique, c'est incroyable. En fait, quand j'ai voulu retravailler avec Miwa Rosso, avec qui j'avais adoré collaborer, je l'ai appelée et elle m'a dit qu'elle travaillait depuis quelques années avec l'orchestre de la BBC. Elle pouvait m'organiser des séances de cordes et de cuivres avec des musiciens français basés à Londres. Elle m'a proposé Air Studios. Comme elle connaissait bien l'endroit, on l'a fait là-bas. Les Anglais, il suffit de les contacter et ça va vite. C'est un studio un peu cher, mais comme on travaillait sur partitions, cela s'est fait rapidement en deux jours.

Il y a quelque chose d'incroyable sur ce disque : ta voix ! On pense à Klaus Nomi, mais tu as enregistré ta voix avec Thierry Sintoni, de Rise Fall & the Decade, avec qui tu joues dans Martin Dupont. Tu as d'ailleurs enregistré ta voix dans le studio de Martin Dupont. C'était important que ce soit lui qui t'enregistre ?

Souvent, j'enregistre les voix chez moi, tout seul. Là, je voulais avoir quelqu'un à mes côtés. Thierry Sintoni m'a proposé de le faire dans le studio d'Alain Séghir, de Martin Dupont, là où nous répétons. C'est un lieu très mat, et il m'a dit de venir avec mon micro. On se connaît très bien avec Thierry, c'est un ami et un très bon musicien : il connaît bien la technique ! Je suis venu plusieurs fois faire des prises, et cela s'est fait de manière familiale. Je ne voulais pas aller dans un studio où l'on paie à l'heure… Je voulais avoir quelqu'un pour m'accompagner techniquement, surtout pour les niveaux. La voix reste mon point fort depuis que j'ai 17 ans. J'ai beaucoup travaillé et enseigné la voix. Cependant, dans ce disque, je n'ai pas forcé ma voix, j'ai essayé de la poser et d'utiliser des tonalités plus basses pour que la voix de tête et la voix grave puissent se marier.

EPK Olli & The London Radio Pop Orchestra
par OLLI & THE LONDON RADIO POP ORCHESTRA

https://www.youtube.com/watch?v=Y9-VIhkhoOk

Ton disque est dans quelle case chez les disquaires : classique, pop… ?

En Allemagne, ils l'ont mis en « Jazz et autres », en France, c'est en musique pop ! Pas en classique, car le public du classique s'attend à quelque chose de précis, et je ne suis pas dedans.

Il y a une reprise des Smiths, que tu as modernisée et à laquelle tu apportes vraiment quelque chose.

Le premier vinyle que j'ai eu, c'est Hatful of Hollow des Smiths. Par rapport à ce titre, There Is a Light That Never Goes Out, il faisait un peu écho à Life on Rennes. Elles ont ce côté nostalgique, de faire la fête… Je voulais des arrangements un peu baroques à l'anglaise… C'était aussi une manière de montrer des références passées…

There is a Light That Never Goes Out (Cover The Smiths demo version)
par OLLI & THE LONDON RADIO POP ORCHESTRA

https://www.youtube.com/watch?v=CTBGOu16kG0

Tu as mis aussi des instrumentaux ?

Oui, comme je suis très influencé par des gens comme Max Richter, qui font des instrumentaux, j'avais ces morceaux avec lesquels la voix ne marchait pas. Ça me plaisait bien d'avoir des instrumentaux, puisque je travaille aussi sur de la musique à l'image !

Ils parlent de quoi, tes textes ?

Je ne suis pas un féru d'anglais, mais j'ai voulu utiliser un Anglais qui me correspond, avec des images. Ça parle aussi d'un artiste, des doutes qu'il peut avoir, du désespoir… Ce n'est pas très positif (rires) ! Mais c'était plutôt l'utilisation des mots ou d'images.

Tu n'aurais pas pu le faire en français ? Est-ce parce que tu craignais de ne pas pouvoir écrire des textes en français « pop » avec ta musique ?

Quand on chante en français, généralement les voix sont « moyennes », mais cela se compense par un côté très littéraire. On a une culture de la littérature qui nous oblige à avoir un niveau d'écriture très élevé. Les Anglais sont assez loin de ça, ce n'est pas essentiel pour eux. Il faut que cela sonne, qu'il y ait des images, et moi, qui ne suis pas vraiment auteur, cela m'arrange, notamment parce que chanter avec une voix de tête en français, ce n'est pas terrible. J'ai appris à chanter avec Purcell, et donc, pour moi, c'était naturel de chanter en anglais. En français, j'aurais été bloqué par la syntaxe, ce genre de choses… Et en plus, je n'ai pas vraiment une culture des chansons françaises (sourire).

Crédit : Olivier Gamas

Tu dois beaucoup aimer Neil Hannon, de The Divine Comedy. C'est presque un « frère d'armes » pour toi !

On me le dit, mais je le connais mal. Quand je l'ai écouté, j'ai trouvé des similitudes avec moi.

Cet album a été produit, en partie pour les cordes, par Rupert Coulson, et mixé par Steve Osborne, des références !

Aux Air Studios, quand tu fais des sessions, tu as le choix entre différents producteurs. J'ai pris Rupert Coulson parce que je savais qu'il avait travaillé avec Max Richter. Je lui ai demandé. Pour le mixage, je me suis tourné vers Steve Osborne, qui est à Bath, près des studios de Real World, et que j'avais rencontré au moment du Bollywood Orchestra. J'ai pas mal travaillé avec lui, et je lui ai envoyé les bandes. Comme il est très doué, j'étais assez confiant. Il a pris le temps, mais c'est parfaitement réussi.

Tu aurais pu le mixer toi-même ? Tu sais le faire !

J'aime bien collaborer avec des gens pour avoir une oreille extérieure. Il a travaillé avec beaucoup d'artistes pop et il a un sens très développé pour simplifier les choses, pour garder les espaces… Comme je savais ce que je voulais entendre et que je lui avais donné des références, je savais qu'il allait respecter mon travail. Je l'admire beaucoup. C'est quelqu'un qui a travaillé avec les plus grands. C'est ça que j'aime en Angleterre : ce sont des gens qui sont dans le sud du pays. Ils ont tous leur petit studio, et si ça leur plaît, ils le font ! Ils ne sont pas hautains et sont très accessibles. Ils travaillent avec qui ils veulent. Ce sont des gens qui travaillent beaucoup, sans horaires fixes, et ils veulent juste que ce soit bien. Je peux mixer tout ce qui n'est pas de moi (rires), mais pour moi, j'ai du mal !

Olli & The London Radio Pop Orchestra - Valse noire
par Arfolk

https://www.youtube.com/watch?v=sDArzvab4yU

À quoi cela va ressembler sur scène ?

Pour les Vieilles Charrues et l'Opéra de Rennes, ce sera assez proche du disque, avec quelques réarrangements. Ce sera tout l'album, sauf l'instrumental. Il y aura un quatuor à cordes, dont deux musiciens qui ont travaillé sur l'album, un pianiste, un bassiste qui jouera des basses acoustiques, électriques et Moog, un guitariste qui fera de l'électrique, mais aussi de l'acoustique, et il y aura le chœur Alpha de la Maitrise de Bretagne. On sera 24 sur scène. Ensuite, j'ai commencé à travailler sur des versions duo, avec le pianiste Erwan Raguenes et moi aux claviers, en ajoutant des machines. C'est plus intimiste, mais cela marche bien. C'est pour des concerts en 2027, où parfois on sera en trio ou en duo, avec le chœur d'enfants en plus. C'est un live assez modulable !

Tu pourrais faire des remix ?

Oui, je suis très ouvert à ce genre de choses. J'ai fait des remix pour les autres.

Tu t'es beaucoup mis au service des autres. Est-ce que cet album ne serait pas le disque où tu as mis toutes tes influences, tes envies… ?
Oui, c'est ça ! C'est vraiment, artistiquement, un album où j'ai réuni toutes mes influences, comme Radiohead, et surtout, j'ai essayé d'être moi-même. C'est un album qui me rassemble vraiment !

Crédit : Délia Vogt

Le mot de la fin ?

J'aimerais bien que ce projet ait une vie longue en live. J'ai l'impression que ce projet peut vraiment toucher les gens.

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

Le disque qui m'a beaucoup touché, c'est Mustt Mustt (Real World Gold) de Nusrat Fateh Ali Khan. C'est un disque de world music, mais qui fait bien le pont entre l'Orient et l'Occident. Sinon, mon fils aimait beaucoup Space Oddity de Bowie. Pour moi, si je conseille un disque, c'est plus pour ouvrir une fenêtre sur le monde !

https://www.facebook.com/people/Olli-The-London-Radio-Pop-Orchestra/61581067060522/

https://www.instagram.com/olli_and_tlrpo/

Dimi Déro : Du punk aveyronnais aux scènes australiennes, la vie rock d'un musicien nomade

Franco Onweb — 2026-06-12T15:14:13Z

De l'Aveyron à l'Australie, en passant par Decazeville et Paris, Dimi Déro a traversé les époques et les styles avec la même passion : le rock. Batteur autodidacte, multi-instrumentiste et infatigable voyageur musical, il a joué avec nombre de légendes internationales, surtout du rock australien ou du punk/new wave français. Entre anecdotes savoureuses, rencontres improbables et réflexions sur la musique, il raconte un parcours où l'underground le dispute à l'aventure, et où chaque scène est une nouvelle histoire.

Photo Annie Bossuet

Ça a commencé comment, la musique ?

Ça a commencé avec un copain de collège dont la cousine sortait avec un type qui avait une dizaine d'années de plus que nous. C'était un vrai rockeur, avec les pattes et tout… Ils nous ont bien aimés, et on allait chez eux écouter des disques. À l'époque, j'étais en Aveyron, et on écoutait les Stooges ou le MC5. On avait quinze ou seize ans, et quand ils allaient à un concert, ils nous emmenaient dans leur vieille Mercedes. Comme ça, on a pu voir les Lords of the New Church, Johnny Thunders ou encore Chris Spedding… C'était super, parce que c'étaient vraiment des grands frères. Un jour, en rentrant justement du concert des Lords of the New Church au Pied, près d'Auch, ils nous ont dit qu'ils montaient un groupe et qu'ils voulaient savoir si nous étions tentés. À la base, mon copain devait jouer de la batterie et moi chanter. J'avais juste appris un peu de guitare classique. Mon pote était tellement nul derrière la batterie qu'on a inversé les rôles. Et je suis devenu (apprenti) batteur comme ça.

Droits réservés

Ton premier groupe important, c'est les Chatterbox !

Avec ce premier groupe, Mody Dick, on a fait juste quelques concerts, mais avec les Chatterbox de Decazeville, ça a été plus sérieux. Je passais beaucoup de temps à Decazeville, même si je vivais toujours à Rodez. On répétait beaucoup et au fil des ans nous avons commencé à faire des concerts intéressants ci et là.

Il y avait qui dans le groupe ?

Rems Jaguar au chant, le Cooke à la basse, Speedy à la guitare – c'est lui qui composait – et Baba guitariste rythmique.

C'était ton premier groupe sérieux ?

Tout est relatif (rires). On a fait un 45 tours en plusieurs années d'existence, et c'est moi qui l'ai autoproduit (rires).

Pourquoi tu penses que le rock a autant marché à Decazeville ?

(Silence) Je ne sais pas trop… C'était un bassin minier, et je pense qu'une contreculture comme ça avait du sens dans ce coin. Il y avait une idée de rock engagé politiquement, de rock prolétaire…

SPANISH BANANA by BURN IN HELL
par Hamish Marr

https://www.youtube.com/watch?v=wAmy1ZT1RWM

C'est quoi, tes influences ?

Dans ma famille, on écoutait on écoutait beaucoup de musique classique (je suis prénommé Dimitri pour Dimitri Chostakovitch !), de la chanson française, comme Ferré et Jacques Brel etc. Mais ces années année de jeune ado adoptés par des plus grands m'ont définitivement plongé dans le rock. Mais c'est vaste : ça peut aller de Hurt Me, l'album acoustique de Johnny Thunders à Motörhead avec son énergie !

Tu fais quoi après ?

Dans un premier temps, je suis parti à Toulouse. Les Chatterbox étaient basés là-bas, tout en continuant. Mais là, j'ai commencé à faire d'autres groupes, dont « Human Juke Box » avec Lo-Spider, un groupe de reprises. J'ai aussi eu un duo, « Ghost Train », avec qui on a fait des trucs avec Nikki Sudden.

Les Chatterbox à Decazeville, Dimi Déro à gauche

Crédit : Kamila Fratczak, collection personnelle de Cooke

Tu vas faire ensuite des chroniques à Rock'n & Folk ?

Tout fait sens quelque part (rires) ! Quand j'ai commencé à faire ce 45 tours avec Nikki Sudden et Freddy Lynx, j'ai fait quelques morceaux sur le nouvel album de Nikki. Freddy a apporté le disque à Philippe Manœuvre en lui demandant de le chroniquer. Il n'avait personne pour ce genre de musique. Comme j'avais déjà participé à des fanzines, Freddy m'a proposé à Manœuvre qui m'a appelé pour me proposer de le faire. Et c'est parti comme ça !

Tu es multi-instrumentiste : tu joues de la batterie, de la guitare, tu chantes et tu joues de la basse.

Je fais aussi de la scie musicale et du thérémine. En fait, très vite, j'ai eu envie de composer. Depuis 1991, je compose et chante.

Quand tu arrives à Paris, tu crées le Dimi Déro Inc, et tu commences à jouer avec les Groovers, où il y avait Bratch, Éric Fostinelli, tous deux aussi des Dum Dum Boys, et Serge Ceccanti.

Au début du groupe, j'étais deuxième guitariste parce qu'ils avaient déjà un batteur. Je connaissais Bratch, que j'avais interviewé à Decazeville pour un fanzine qui faisait un spécial Dum Dum Boys. Un pote en commun nous a rapprochés à Paris, et c'était parti ! Et en juillet cette année nous enregistrons un truc ensemble…

Les Groovers, à gauche Bratch, Dimi au centre et Serge Ceccanti à droite

Crédit : Delphine Ciampi

Ça a été un groupe important pour toi ?

Oui, on a beaucoup joué. C'était plus pop que les Inc, et franchement, on s'est bien régalés pendant de nombreuses années !

Bon, parlons de l'Australie ! C'est le pays où tu es le plus attaché. Tu as joué avec beaucoup de groupes australiens en Europe, tu y es allé, et on peut considérer que tu es le plus français des musiciens australiens !

Eh oui ! J'ai commencé par écouter des disques. J'étais dans le monde des fanzines. Dès que j'ai écouté New Christs et que je les ai vus en concert, j'ai accroché. Ensuite, les Died Pretty, Kim Salmon, et surtout les Beasts of Bourbon… j'ai adhéré.

Tu as beaucoup été là-bas, tu as beaucoup joué avec eux : tu n'as jamais pensé t'y installer ?

Si, mais c'était trop compliqué. C'est bien quand tu as moins de 26 ans ; après, il faut justifier de beaucoup de choses : un test de langue, un contrat de travail…

Smoked Salmon - Hell in a Handbasket
par CHEERSQUAD

https://www.youtube.com/watch?v=--brVXMw56o

Avant de plonger dans le rock australien, tu auras une grande idole : Johnny Thunders !

C'est le premier artiste dont j'ai collectionné les disques. J'en ai au moins 70 (rires) ! J'ai beaucoup essayé de copier sa façon de chanter à mes débuts, heureusement pas sa façon de vivre (rires).

Quand plonges-tu dans le rock australien ?

Le chapitre déclencheur s'ouvre avec une soirée avec Patrick Fretin, le guitariste de Wok, un groupe toulousain. On enregistrait le deuxième album des Inc, et on était tous les deux des fans de Rowland S. Howard. On a décidé de faire un 45 tours de reprises de ses titres, chacun une face avec nos groupes respectifs. On se retrouve sur un forum de discussion Yahoo dédié aux fans de Rowland S. Howard. Et là, plein de gens nous contactent en nous proposant des titres. On s'est dit qu'on allait lui faire une compilation hommage. D'autant qu'il était encore vivant à l'époque. On l'a fait, et parmi les groupes qui ont participé, il y avait plein de groupes australiens, dont certains avec qui j'ai joué plus tard. C'est comme ça que j'ai commencé à me lier d'amitié avec ces gens-là. Un de ces groupes, les Drones (devenus Tropical Fuck Storm), voulaient venir tourner en France. J'ai trouvé quelques dates, mais pendant qu'ils étaient là, ils ont remporté les Australian Music Awards. Quand ils sont rentrés, ils avaient gagné en notoriété. Ils avaient une grosse tournée, et ils nous ont proposé d'assurer la première partie. Et voilà, c'était parti. On était en 2006, mais j'y suis allé sept fois depuis.

Dimi Déro avec Delphine Ciampi à gauche, Kid Congo au centre et Kim Salmon à droite

Crédit : Doug Galbraith

Tu as rencontré toute la scène australienne ?

Oui, j'avais déjà rencontré Rob Younger à Decazeville, mais c'est là que j'ai rencontré Kim Salmon, avec qui j'avais correspondu par lettres à l'époque (rires). Mais oui, avec les Inc puis avec Tex Napalm nous avons beaucoup joué et rencontré beaucoup de monde.

Pourquoi ils sont aussi forts ?

Je n'en sais rien (silence). Ils ont un côté insulaire, avec de grands espaces, et ça s'entend dans leur musique. Ils ont toujours un accord mineur qui arrive au bon moment, ce genre de choses… Eux-mêmes ne comprennent pas ce qu'on leur trouve. Ce sont aussi, et surtout, de grands groupes de scène ! Ils ne s'excusent jamais d'être sur scène. Ils sont là, et ils sont bien là. Ils ne font aucune concession : tu acceptes ou pas, mais ils sont là !

Tu vas devenir à ce moment-là le batteur des groupes australiens en France et en Europe.

Il y a une petite communauté de groupes australiens qui viennent en France, avec le festival de Binic notamment. Comme je connaissais pas mal de groupes, c'était moins cher pour eux de venir à deux et de me prendre à la batterie, et Vinz, mon complice, à la basse. Comme ça, ils peuvent venir à deux avec leurs guitares. J'en ai beaucoup fait comme ça.

thee JOHNNY CASINO SYNDICAT - On your way on down - Live in Rennes France
par Johnny Casino

https://www.youtube.com/watch?v=rAz0zrzWVm8

Vinz, qui est le bassiste avec qui tu joues le plus !

Oui, en plus c'est devenu mon beau-frère. Il joue dans The Nots, notamment.

Tu as joué derrière beaucoup de monde ?

Rob Younger, Kim Salmon, Johnny Casino, Penny Ikinger, Warren Ellis, Brian Henry Hooper, Spencer P. Jones, Ron Peno, Mick Harvey… J'ai fait pas mal de trucs (rires). Là, ce sont les plus connus, mais il y a une liste impressionnante de groupes moins connus. C'est hallucinant pour un mec qui vient de l'Aveyron et qui écoutait leurs disques de se retrouver à jouer avec ces gens-là.

Tu es un immense batteur, et en plus, c'est presque un spectacle de te voir jouer !

Merci (rires) ! Je suis complètement autodidacte. Ma belle-mère m'a offert il y a quelques années trois cours de batterie, et je me suis retrouvé devant un mec qui m'a trouvé nul (rires). Il me disait qu'il fallait que j'apprenne les partitions de batterie (rires). J'avais trois cours, je suis allé à deux. Ça m'a brisé le cœur de me voir aussi mauvais, mais j'ai un copain qui m'a dit : « Tu t'en fous ! Lui, il donne ses cours depuis le premier étage du magasin de batterie de Perpignan, et toi, tu parcours le monde entier en jouant. » Bref, j'ai arrêté les cours, mais j'ai réussi à monter mon propre système de partitions musicales.

DIMI DERO INC & GARETH LIDDIARD - The Low Road (Beasts of Bourbon)
par Jabi Haspi

https://www.youtube.com/watch?v=emstDNuh9Ys&t=1s

Quand les Australiens arrivent, vous répétez un peu ?

Ça dépend. Johnny Casino ne veut plus répéter (rires). Il nous envoie, à Vinz et à moi, les nouveaux morceaux, et si on a le temps, on les répète « à la balance » (rires). Avec Kim, c'est plus complexe : je répète avant, tout seul. Pour sa prochaine tournée à la rentrée, il a accepté une répétition, pas plus… Un day off coûte cher, et donc il faut partir tout de suite sur la route. Il faut nourrir et loger quatre ou cinq personnes, c'est un gouffre financier. Si on ne prend pas le temps de répéter beaucoup, c'est surtout par souci économique.

Tu es surtout un batteur qui s'adapte à tous les styles musicaux !

Je trouve ça chouette ! Ça permet de se nourrir de toutes les musiques. Ça me permet de progresser, et ça me plaît. Par exemple, quand je joue avec Charles de Goal, j'arrive à passer des choses que je ne faisais pas avant. Quand tu joues toujours la même chose, tu ne progresses plus. Je ne m'ennuie pas en redevenant un éternel débutant.

Dimi Déro, Johnny Casino et Vinz Guilly

Crédit : Juxe Areta Goni

Tu as joué aussi avec Demi Mondaine !

Je déjà jouais de la scie musicale et des instruments bizarres. C'était avec un groupe australien, les Burning Hells, avec qui j'ai fait trois albums. À l'époque, je faisais DJ à la Feline, le bar rock de Paris. C'est là que j'ai rencontré Béa, qui avait ce groupe et qui n'avait ponctuellement plus de batteur. Je l'ai remplacé, puis nous avons créé un duo entre théâtre et musique et aussi fait de la musique pour des pièces de théâtre.

Tu joues avec des groupes en France, notamment Charles de Goal, ce groupe de cold wave française des années 80 qui s'est reformé il y a peu. C'est étonnant pour toi, qui es un batteur rock ?

Oui et non. J'ai grandi dans le punk. J'aime les textes en français bien écrits. J'ai beaucoup écouté des groupes comme Oberkampf… Quand j'ai joué avec Joe Hell (ex-chanteur d'Oberkampf, NDLR), j'aimais bien ces textes. Quand on m'a proposé de jouer dans Charles de Goal, je n'avais pas trop d'idées sur la question. Vinz a rejoint le groupe avant moi. Je suis donc allé les voir en concert, et là, c'était superbe : c'est un vrai groupe de rock avec des textes un peu froids et colériques. C'est un groupe de rock, avec des machines et des synthés, certes, mais un sacré groupe de rock ! Encore plus maintenant que Vinz et moi sommes là ! On a l'habitude de jouer dans des projets rock. C'est le public qui le dit, pas nous, et puis j'adore Patrick (Blain, chanteur de Charles de Goal, NDLR) et toute l'équipe. Patrick a 72 ans, et il a tout mon respect pour son parcours.

CHARLES DE GOAL, EPK 2025. Legendary French band led by Patrick BLAIN. Post-punk/synth wave/rock
par Dimi Dero

https://www.youtube.com/watch?v=R1RYBCUBZrw

La rythmique a beaucoup changé le groupe !

Oh oui, c'est rock, mais c'est surtout quatre mecs sur scène qui jouent avec le sourire. Les claviers resteront un peu froids, et c'est tant mieux. Il n'y en a pas beaucoup, des claviers « eighties », dans les groupes australiens. C'est loin de mon parcours et de ce qu'un certain public attend de moi, mais j'ai toujours eu ce genre de choses en moi.

C'est un groupe qui a un vrai public ?

On ne fait pas beaucoup de concerts, mais à chaque fois, c'est rempli, surtout en Allemagne, où on est suivi par la scène gothique. C'est une dizaine de concerts par an, et à chaque fois, il y a du monde.

Autre groupe avec lequel tu joues, c'est Henry !

Depuis que je suis à Perpignan – ça fait sept ou huit ans –, j'avais un copain qui jouait avec Henry, qui était le libraire de LA librairie de Perpignan. Mon pote m'a fait écouter, et c'était un peu barré, avec de l'accordéon et de très beaux textes en français. Ça avait un côté Père Ubu, que j'adore ! Ils m'ont appelé quand ils ont voulu étoffer le son du groupe après le premier album « solo » d'Henry. C'était un quatuor qui n'a pas fonctionné. On s'est retrouvé à deux, et on a essayé de faire un truc : moi à la batterie et instruments un peu… bizarres (rires) ! Henry, guitare et chant et de très beaux textes !

Henry

Crédit : Dimi Dero et Dimoné

Ça fait un peu psyché, parfois ?

Henry est un peu barré ! Il est conscient, et il est soigné, pour un petit pet au casque. Le disque est très produit, alors que maintenant, c'est plus foutraque. Je lui ai fait mettre de la fuzz sur sa guitare folk, par exemple. Alors psyché peut-être mais surtout folk détraqué indus fuzz à textes !

Ce ne serait pas ton projet « arty » ?

Pourquoi pas ? Je pense que ce serait intéressant de développer cette idée, et on va aller vers ça.

Tu joues dans combien de groupes ?

Moins qu'avant ! Quand j'étais à Paris, je répétais avec sept groupes à un moment ! Aujourd'hui, j'ai Henry, Charles de Goal – même si on joue peu –, je suis le batteur de Kim Salmon – qui joue peu dans nos contrées aussi. Et je joue avec Johnny Casino…

RON S PENO "Life To Go (Landsakes)" (Binic 2015)
par livedtap

https://www.youtube.com/watch?v=MNK-14MQitc&t=1s

Tu joues combien de fois par an ?

Ça dépend des années ! Je dirais entre 40 et 50 concerts par an. Par exemple, à la rentrée, je vais jouer avec Kim, et on va faire une vingtaine de dates. Attention, c'est moi qui m'occupe pas mal du booking, et franchement, c'est compliqué : ce ne sont que des groupes de niche, et donc difficiles à vendre dans le climat culturel actuel ! Il y a des fidèles, mais ils sont peu nombreux. C'est compliqué en France si tu n'es pas dans une scène soutenue !

Mais tu es un musicien européen ?

Oui, parce que je joue avec les Australiens et Charles de Goal. J'adore voyager, quitter la France, et c'est une bonne façon de le faire. Tu rencontres des gens, notamment parce que tu es logé chez l'habitant. On ne fait pas du tourisme, mais tu es dans la vraie vie des gens. Tu fais souvent de superbes rencontres, et ça, j'adore !

Tu as aussi fait un peu de musique à l'image ?

C'est vrai. Au début, j'étais un peu allergique au numérique, mais pour envoyer de la musique en Australie, j'étais un peu obligé. Donc j'ai fait une formation sur Logic Pro, et celle qui était proposée était celle de la musique à l'image. C'était bien pour apprendre. J'ai fait de la musique de documentaire, et j'aimerais en faire plus !

Droits réservés

Tu sais sur combien de disques tu as joué ?

Non (rires), et je ne les ai pas tous, en plus (rires) ! Ce n'est pas énorme, une quarantaine, je pense. J'ai beaucoup joué sur scène avec des groupes où je n'étais pas sur le disque.

Tu t'es beaucoup mis au service des autres. À quand un 5^e disque de Dimi Déro ?

Un projet tout seul, être sur le devant de la scène avec guitare et chant… j'ai peur de me brûler les ailes. Quand je l'ai fait avec les Inc, tout le monde s'en foutait peu ou prou, à part ma mère et Alain Feydri , qui nous aimaient beaucoup. C'était génial en Australie par contre, où le nom circulait. Accompagner les autres, c'est plus satisfaisant et moins fatigant. Souvent, je porte les projets, et chanter en plus, c'est vraiment fatigant (rires).

Tu pourrais faire un disque avec plein de guests !

(Rires) Parfois je me chauffe et je fais des maquettes. Je dois avoir sept ou huit morceaux. Ça fait des années que je prépare un album et que je retarde. Personne ne m'attend, mais je ne sais pas quand. Il y aura les copains australiens, c'est sûr : j'ai les connexions ! Je me dis qu'il faudrait que j'aille en Australie pour le faire. Ça me titille quand des copains ou ma compagne me le disent. Ça peut aller vite, mais pour l'instant, ce n'est pas à l'ordre du jour.

Tex Napalm & Dimi Dero - Feed Me (official promo from Partly Animals album 2013)
par badsville666

https://www.youtube.com/watch?v=f8gjoxPz4Ds&t=1s

On parle de Vinz, le bassiste avec qui tu joues ?

C'est un super bassiste ! On a toujours eu au moins un projet ensemble depuis 2001, quand il a rejoint les Inc, et on est super à l'aise ensemble. On a une grande habitude de jouer ensemble : on a grandi et progressé ensemble ! C'est le musicien avec qui je joue le plus souvent.

Il penserait quoi, le gamin de l'Aveyron qui partait répéter à Decazeville, s'il voyait le Dimi Déro d'aujourd'hui ?

Il serait content, je pense ! Je suis resté fidèle à mon rêve. Ça m'a plu d'être sur scène, et je voulais voir Kim Salmon et consorts sur scène : maintenant, je joue avec eux ! J'ai explosé mes rêves, je suis allé bien plus loin que je ne l'imaginais !

Tu n'as jamais pensé jouer avec des gens de la variété ou des artistes plus installés ?

(Silence) Je l'ai fait une fois, avec Yan Pechin et Chloé Mons, mais c'était un remplacement de dernière minute. En fait, je suis sous les radars. J'appartiens à une scène très underground, et en plus, je ne sais pas tout faire. Je fais bien ce que je sais faire, mais il y a des styles que je maîtrise peu ou mal. Pourtant, ce serait bien au niveau des cachets (rires).

Loene Carmen - Live in Nîmes - 23/04/2006
par interzone84

https://www.youtube.com/watch?v=zDCaDoEMFGA

Le mot de la fin !

Merci pour l'interview !

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'amener vers la musique ?

Pascal Comelade, qui a un côté très enfantin mais avec plusieurs degrés de lecture. Sinon, les premiers enregistrements de blues de Robert Johnson : ça reste dans le bon ordre.

https://www.facebook.com/dimi.dero

Crédit : Emmanuelle Margarita

Les Spiders : le rock marseillais des années 80 revient en force

Franco Onweb — 2026-05-28T10:00:25Z

Phil Spider (Phil Pace), Pat Spider (Patrick Matteis), Dany Spider (Daniel Sani) et Claude Spider (Claude Barles) : quatre musiciens, une ville, Marseille, et une époque où le rock résonnait dans chaque local de répétition. Nés de la rencontre de vieux complices du collège et de la scène underground marseillaise, Les Spiders ont marqué les années 80 par leur énergie brute, leurs reprises endiablées et leurs compositions percutantes. Entre le studio Clubland, les concerts mythiques au Maybe Blues ou à L'Arsenal des Galères, et une alchimie musicale nourrie par des influences allant des Beatles à Bowie en passant par le Velvet Underground, le groupe a laissé une empreinte indélébile.

Aujourd'hui, avec la sortie de Glass Onion (reprise des Beatles) et Tell M^e Baby Why (composition de Phil Pace), enregistrés à la fin des années 80 dans leur studio marseillais, Les Spiders reviennent sur le devant de la scène. Une résurgence qui laisse présager de nouveaux projets, peut-être même un album… À suivre.

Qui sont les Spiders ?

Phil : Pat, Dany et moi, on se connaissait déjà depuis le collège. On partageait ensuite le même local de répétition. Plus tard, on a rencontré Claude.

Dany : En fait, on avait déjà quelques années d'activité derrière nous. Mon premier groupe s'appelait Syphus ; Phil y a tenu le chant à la toute fin. Puis, avec Patrick, on a monté Les Papillons Noirs, un groupe à géométrie variable : Patrick à la guitare, moi à la basse. Philippe a fait partie de l'aventure Papillons Noirs, sans avoir un rôle de musicien à part entière. Mais il était toujours là aux enregistrements, aux concerts, etc. Le dernier batteur du groupe, justement, a été Claude Barles.

The Spiders au Pop Art

Droits réservés

Pourquoi ce nom ?

Phil : C'est le nom du premier groupe d'Alice Cooper, et puis il y a The Spiders from Mars…

Dany : Tu sais que The Spiders from Marseille, c'était le groupe d'Henri Sanchez, avant qu'on monte ensemble Batmen ? À ne pas confondre…

Quand et comment le groupe est-il né ?

Phil : À Marseille, vers la fin des années 80. À l'époque, Marseille était une ville où il y avait beaucoup de lieux pour jouer du rock, de nombreux festivals, et la plupart des musiciens se connaissaient. Il y avait une vraie effervescence.

Dany : Après l'aventure des Papillons Noirs, Patrick et toi, vous étiez souvent sur Paris pour votre projet Clubland avec Thierry Garacino. Mais comme vous aviez aussi monté le studio d'enregistrement Clubland à Marseille, on s'y retrouvait, et parfois avec Claude pour participer à des enregistrements. Je pense que c'est à ce moment-là qu'on a eu envie de monter un répertoire de scène. J'imagine que c'est parti de là.

Phil Spider

Droits réservés

Qui faisait partie du groupe ?

Phil : Pat Spider (aka Pat Matteis) à la guitare, avec qui je travaille depuis le début sur tous mes albums ; Dany Spider (aka Dan Imposter ou Daniel Sani) à la basse – c'est le boss du label Disques Tchoc, basé à Marseille –, qui travaille depuis quelques années avec Jean-William Thoury, entre autres.
Claude Spider (aka Claude Barles ou Clyde), qui a une carrière solo… et moi.

Dany : … et toi, qui as une belle carrière solo également !

Quelles étaient leurs influences ?

Phil : Un éventail assez large : les Beatles, Bowie, The Stooges, le Velvet Underground, D^r Feelgood… Sur scène, le répertoire était composé de reprises et de compositions originales.

Dany : Il faut dire que Patrick a toujours été un redoutable compositeur, en français comme en anglais, une vraie machine à fabriquer des chansons. Claude et toi n'étiez pas en reste, mais je pense que la majorité des compositions étaient de Patrick. Peut-être une ou deux de Thierry Garacino, non ? Moi, à l'époque, je ne composais pas : trop fainéant, et entouré de gars trop talentueux pour que je m'y risque… une ou deux max !

Pat Spider

Droits réservés

Quelles ont été les grandes étapes de la carrière du groupe ?

Phil : Honnêtement, il n'y a pas eu de grandes étapes. On jouait le plus souvent possible, tout simplement, sans avoir de plans en tête. Just for fun !

Dany : Il y a eu plein de très bons moments, mais je ne vois pas d'événement plus important que les autres. C'est vrai qu'on était un groupe de scène, et tous les concerts dans les lieux actifs de Marseille à l'époque étaient supers : Le Maybe Blues, L'Arsenal des Galères, La Maison Hantée, L'Intermédiaire… Je me souviens d'un concert pour le Nouvel An au Maybe Blues. À minuit, on avait joué Midnight Hour de Wilson Pickett. J'ai aussi un super souvenir d'un enregistrement live en studio, d'une répétition au studio Clubland, en multipiste (analogique, bien sûr). J'ai réécouté les enregistrements : ça tourne à mort ! Et les enregistrements au studio de toutes les compositions qu'on jouait ensuite sur scène, c'était top aussi. Ce n'étaient pas forcément des morceaux faits pour The Spiders, mais le travail des arrangements était toujours passionnant, et certains d'entre eux étaient ensuite intégrés au répertoire.

Pourquoi sortez-vous deux titres du groupe, Glass Onion et Tell M^e Baby Why, maintenant ?

Phil : Peut-être une envie inconsciente de revenir musicalement à quelque chose de plus brut, de plus essentiel. Et lorsque nous avons retrouvé ces enregistrements, nous nous sommes dit que ce n'était pas si mal que ça, et que ça méritait une suite.

Dany : Franchement, je trouve que ces morceaux sont bien représentatifs de ce qu'on faisait à l'époque : alternance de reprises et de compositions, et avec de l'énergie ! Sur scène, c'était simplement joué à quatre (chant, guitare, basse, batterie), donc moins arrangé et plus brut, mais quand on écoute ces enregistrements, c'est bien nous !

Dany Spider

Droits réservés

Où et quand ces titres ont-ils été enregistrés ?

Phil : Dans notre propre studio 16 pistes à Marseille, au studio Clubland, fin des années 80.

Dany : Le collectif Clubland avait monté ce studio incroyable dans le quartier d'Endoume. Je ne faisais pas partie de Clubland, mais Philippe et Patrick me disaient toujours de venir enregistrer mes morceaux. J'ai pas mal participé à des enregistrements qu'ils faisaient pour eux ou pour certains autres artistes, mais pour moi, il n'y a pas grand-chose qui a été fait. Comme j'étais une fainéasse de compétition, je n'ai pas profité de ce lieu. Je ne réalisais pas que j'avais un studio pro à ma disposition ! J'étais vraiment une truffe !

Cette sortie indique-t-elle que le groupe se reforme ?

Phil : Pas impossible…

Dany : On aimerait bien rejouer ensemble, c'est sûr. On se croise souvent, mais remonter The Spiders, c'est une autre étape.

Y aura-t-il de nouvelles sorties plus tard ? Allez-vous enregistrer de nouveaux titres ?

Phil : On y pense fortement, on en a vraiment envie.

Dany : Tout est possible, en fonction des envies et des disponibilités de chacun.

Claude Spider

Droits réservés

Globalement, quels sont vos projets ?

Phil : On a chacun nos propres projets en cours. Pour ce qui est de The Spiders, l'objectif, c'est justement de mettre en place l'enregistrement d'un album.

Dany : Ce qui est sûr, c'est que si on pioche dans le répertoire de l'époque, il y a de quoi faire un double album ! Un disque de reprises, un disque de compositions !

Comment se procurer ces titres ?
Phil : Les deux titres, Glass Onion et Tell M^e Baby Why, sont disponibles sur toutes les plateformes depuis le 5 mai 2026.

Dany : Glass Onion est la reprise du morceau des Beatles du White Album ; Tell M^e Baby Why est une composition de Phil.

Le mot de la fin !

Phil : À suivre…

https://wiseband.lnk.to/THE-SPIDERS-THE-SPIDERS
https://www.facebook.com/profile.php?id=61562824738831

Double Françoise : Entre bossa, pop et synthés, l'alchimie sans limites

Franco Onweb — 2026-05-14T15:24:22Z

Après leur 45 tours avec Olivier Popincourt et une incursion remarquée dans l'univers d'Éric Rohmer, Double Françoise revient avec un double EP, « La Poursuite », sorti le 15 mai 2026. Entre home studio, collaborations amies (Benjamin Schoos, Astrobal) et explorations sonores audacieuses, le duo Elisabeth et Maxence continue de tisser sa toile pop, entre bossa nova, synthés 80's et chansons à deux voix. Rencontre avec deux musiciens qui refusent les cases et cultivent l'art de la douceur… sans renoncer à l'ambition.

La dernière fois que nous avions eu de vos nouvelles, c'était pour la sortie du 45 tours en collaboration avec Olivier Popincourt : que s'est-il passé depuis ?

Elisabeth : Nous avons travaillé, à notre rythme, sur l'écriture et l'enregistrement de l'ep dont nous parlons aujourd'hui. En parallèle, en novembre dernier, j'ai chanté les voix féminines de l'ep « Sous le signe d'Eric Rohmer », ainsi que d'autres chansons de Frédéric Lafayette, lors du concert de clôture d'un festival consacré à Rohmer, avec les garçons qui sont à l'origine de cet ep qui était sorti début juillet 2025 (Frédéric Lafayette, Alexis Campart et Arthur Allizard). Ce fut une très chouette rencontre artistique et amicale, et il se pourrait que cet épisode pilote connaisse quelques développements. Affaire à suivre.

Double Françoise

Crédit : Alistair Jutel

Vous sortez un double EP le 15 mai, « La Poursuite » : où et avec qui l'avez-vous enregistré ?

Elisabeth : Les cinq morceaux qui composent cet ep ont été enregistrés par Maxence dans notre home studio, à l'exception de quelques pistes : la voix de Benjamin Schoos, qui chante « Un après-midi à Paris » de Philippe Katerine en duo avec moi, a été enregistrée au studio PAN à Anderlecht en Belgique, la guitare d'Olivier Popincourt sur « Ce groove est sympa » a été enregistrée à Innit' Studio à Paris, et la batterie d'Astrobal sur ce même morceau a été enregistrée par ses soins, à La Bergerie. Ces trois invités sont d'excellents musiciens, mais avant tout des amis. C'est important pour nous, de ne faire de la musique qu'avec des gens que nous aimons.

À l'écoute des titres, on retrouve vos influences bossa nova, mais aussi d'autres, comme la pop. Est-ce une volonté naturelle de vous ouvrir à d'autres styles musicaux ?

Elisabeth : On a toujours aimé la pop et la chanson, et Les Bijoux (Freaksville, 2020) n'était pas un album de bossa-nova, mais déjà un album qui comportait de la bossa et de la pop.

Maxence : Oui, on nous associe à la bossa, probablement parce que nous avons commencé notre duo autour de cette musique, et puis nous avons souvent repris les classiques de ce répertoire brésilien, en concert et sur nos réseaux sociaux, mais pour nous la bossa fait plus largement partie de la pop (enfin, de notre idée de la pop). On ne s'en rend pas toujours compte nous-mêmes, mais il est vrai que des éléments de cette musique colorent souvent nos chansons : certains accords, une façon de chanter, l'utilisation de la guitare classique pour la rythmique. Tout ça contribue à nous associer à cette musique. Sur cet EP la reprise de la chanson de Katerine a clairement une couleur bossa, mais ça peut se sentir un peu aussi, moins frontalement, sur « Ce groove est sympa ».

Double Françoise - TGV (C'est inouï)
par Double Françoise

https://www.youtube.com/watch?v=8kDWv2qlZZw

Les artistes auxquels on pourrait vous comparer sur ces titres, comme Elli et Jacno (une pop du début des années 80), est-ce nouveau pour vous d'écouter ce type de musique ?

Elisabeth : Non, ce n'est pas spécialement nouveau. J'adore Lio (et Jacques Duvall !) depuis toujours, et avant ça, quand j'étais petite enfant, j'écoutais la Lio des enfants, c'est-à-dire Dorothée. C'était déjà de la pop synthétique, quelque part.

Maxence : Il y avait déjà des signes avant-coureurs sur « Les Bijoux », mais ici on s'est effectivement lâchés davantage sur les synthés et les boîtes à rythmes. En fait nous écoutions de la pop à synthés 80's depuis longtemps. À vrai dire, quand je me suis pris de passion pour la pop vers l'âge de 13-14 ans, avant les Beatles, avant les Beach Boys, j'ai d'abord eu une obsession monomaniaque pour la synth pop britannique 80's, ainsi que pour le groupe qui a influencé tout ce monde : Kraftwerk. D'ailleurs, ils ont aussi fortement influencé Jacno en France. C'est pour ça que la chanson « Allumeur » peut faire penser à son style, on a les mêmes ingrédients de base. Pour cet EP, Elisabeth a d'avantage accueilli mes amis les synthés, probablement influencée aussi par les productions de certains copains musiciens.

En studio

Crédit : Elisabeth Jutel

Ces titres sont un savant mélange entre synthés et instruments acoustiques. Allez-vous développer cette veine ?

En chœur : Nous allons la poursuivre !

Maxence : La poursuivre, oui. J'aime bien le mariage entre l'électronique et l'acoustique, et entre le joué et le programmé. Par exemple, sur « Tes samedis » (la collab avec Popincourt en 2024), j'aime la combinaison entre la batterie séquencée métronomique, et la légère instabilité du shaker joué à la main, y compris les variations infimes du son. J'ai repris cette combinaison sur « TGV (c'est inouï) ». Mais la plupart du temps même mes synthés sont joués à la main.

Sur « Ce groove est sympa », on entend Maxence chanter en duo avec Elisabeth. Est-ce que le côté « duo chanteur » va être plus développé dans vos prochains titres ?

Elisabeth : Si les chansons se prêtent au dispositif duo, oui. Mais vous savez, même quand je chante la voix lead apparemment solo, Max est toujours là avec moi ; les chœurs, souvent, c'est lui, en fait. Techniquement, il est meilleur chanteur que moi. On nous a souvent dit que nos deux voix fonctionnaient bien en duo, et comme en plus c'est très agréable à interpréter en live, on va probablement en faire d'autres, oui.

Maxence : Il faut à la fois que les paroles et la mélodie se prêtent au duo. Et l'association entre une voix féminine et une voix masculine implique des contraintes techniques (amplitude de la mélodie, tonalité…), ce qui fait que ce n'est pas forcément évident de faire ça bien.

Elisabeth Jutel au Musée d'art et d'histoire de Chollet

Crédit : Alistair Jutel

Est-ce que cela annonce un prochain album ?

En chœur : Absolument !
Elisabeth : Mais pas la peine de nous demander une date maintenant, c'est trop tôt.

Chez quel label ces titres sortent-ils ?

Elisabeth : C'est le label Freaksville, qui nous accompagne depuis plus de dix ans, qui les sort, sous forme digitale. Vous pouvez les acheter sur Bandcamp, et les écouter sur toutes les plateformes habituelles.

Allez-vous monter sur scène ?

Elisabeth : Rien n'est gravé dans le marbre à l'heure qu'il est, mais oui, on prévoit de le faire, with a little help from our friends. Pas dans l'immédiat, mais bientôt. Des discussions sont en cours.

Au Musée d'art et d'histoire de Cholet devant l'oeuvre « Le train va vite » de Felix Aublet 1937

Crédit : Alistair Jutel

Quels sont vos projets, notamment s'il y a des collaborations possibles avec d'autres artistes, comme vous l'aviez fait avec Popincourt ?

Elisabeth : Le projet, c'est bien sûr de conquérir le monde avec les présentes chansons, puis d'en enregistrer quelques autres (avec d'autres amis invités/compositeurs, mais il est trop tôt pour dévoiler des noms), de les graver sur disque avec la sortie d'un lp, et ainsi de suite. Par ailleurs, et même si c'est davantage un souhait qu'un projet, on aimerait vraiment bien gagner enfin un peu d'argent un jour. Boîtes spécialisées dans la synchro, si vous nous lisez : nous sommes JOIGNABLES.

Maxence : Je vais essayer de travailler sur un projet solo en parallèle du prochain album de Double Françoise. A voir si j'arrive à m'organiser. Suspense !
Le mot de la fin !

Besoin de douceur ? De joie ?
Envie d'émotion ? De sourire ? De tendresse ?
Écoutez La Poursuite ! Écoutez Double Françoise !

https://doublefrancoise.bandcamp.com/album/la-poursuite
https://www.facebook.com/doublefrancoise/?locale=fr_FR
https://www.instagram.com/doublefrancoise/

Telemac : Le rock psychédélique comme odyssée musicale

Franco Onweb — 2026-05-07T15:35:39Z

Montpellier, 2026. Dans un paysage musical où le rock psychédélique renaît discrètement, Telemac trace sa route avec une énergie à la fois rétro et résolument moderne. Fondé en 2018 par Vincent Ferraris, le groupe puise son inspiration dans les mythes antiques, les voyages intérieurs et une passion inébranlable pour la scène. Entre basses modulées, mélodies envoûtantes et textes poétiques, Telemac incarne une quête : celle d'un son à la fois intemporel et profondément humain.

À travers cette interview, Vincent Ferraris, fondateur et compositeur, revient sur les défis du groupe — du Covid à une greffe cardiaque —, ses influences éclectiques (des Beatles aux Limiñanas, en passant par le cinéma), et sa vision d'une musique qui se vit avant tout sur scène. Il évoque aussi les projets à venir, dont un album prévu pour 2026, et partage une anecdote poétique sur la pochette de leur EP, née d'un réveil après une opération.

Entre garage rock, psychédélisme et une touche de garage, Telemac prouve que la musique, comme l'Odyssée, est une aventure collective. Rencontre avec un groupe qui assume son héritage sans renoncer à sa singularité.

Nota Bene : interview réalisée avant le départ de Mélina, la batteuse, remplacée depuis par Valentin.

Peux-tu te présenter toi et le groupe ?

Je suis Vincent Ferraris, le fondateur du groupe Telemac, né en 2018 avec Sébastien Gattineau au chant, Mélina à la batterie et Karim à la guitare. Avant, nous avions Fanny au synthé basse avec le célèbre MS10, utilisé par des groupes comme Pink Floyd. Malheureusement, Fanny n'a pas encore été remplacée sur scène. Pour l'instant, un séquencer envoie la basse. Nous ne cherchons pas un bassiste « classique », car nous explorons le psychédélisme. Cela nous permet d'avoir des sons modulés, et les basses créent un vrai son psyché.

Telemac

Crédit : Philippe Poulénas

Il vient d'où, ce nom Telemac ?

C'est une référence à l'Odyssée. J'ai trouvé intéressant de mettre en parallèle cette histoire avec la création d'un groupe de rock : les rencontres, les trajets, les difficultés, les réussites. Et puis, c'est un nom cool, non anglo-saxon et universel : il se prononce de la même façon dans toutes les langues.

Vous avez fait quoi avant ce 5 titres ?

Nous avons d'abord été freinés par le Covid, dès le début du groupe, comme tout le monde. Ensuite, j'ai subi une intervention chirurgicale. Pourtant, nous avions bien démarré : Sébastien et moi avions écrit plusieurs titres et réalisé une maquette qui nous a permis de jouer un peu partout, pas seulement près de chez nous, comme en Normandie ou au Supersonic à Paris. Nous étions souvent sur la route. Il a fallu attendre la fin du Covid pour reprendre les concerts.

Vous écrivez comment ?

Je travaille d'abord seul. Comme je joue un peu de tous les instruments, je crée une maquette musicale. Ensuite, Sébastien pose une mélodie vocale avec du « yahourt » (des paroles improvisées). Enfin, Aurélie Menard, autrice, écrit les textes en fonction des thèmes que nous voulons aborder. Cela concerne surtout les morceaux en anglais, car nous avons aussi des titres en français, même s'ils ne figurent pas sur l'EP.

TELEMAC - Through My Love (Official Video)
par TELEMAC Music

https://www.youtube.com/watch?v=xu8TlriTYBU

Vous avez attendu longtemps avant de sortir un disque.

Oui, surtout que le public nous en demandait souvent après les concerts. Nous avons sorti trois singles depuis début 2025.

Vous jouez une musique « réjouissante », du rock un peu psyché, pas très original mais c'est super bien fait.

Nous ne faisons pas une musique révolutionnaire, et ce n'est pas notre objectif. Nous sommes des passionnés qui avons absorbé beaucoup d'influences. Nous essayons de retranscrire à notre manière ce que nous avons entendu, tant en studio que sur scène.

Quelles sont vos influences ?

Mélina est très « classic rock », même si elle écoute aussi des groupes comme Fontaines D.C. Moi, j'écoute des classiques comme les Beatles, mais aussi des groupes comme The Warlocks ou The Brian Jonestown Massacre. J'adore aussi les Limiñanas. Ils n'ont rien inventé, mais ils font des choses super bien. Le cinéma et la peinture m'influencent beaucoup : quand je compose, j'essaie de visualiser des images.

Telemac

Crédit : Philippe Poulénas

Il y a un vrai retour du « psyché » en France ?

Oui, un peu. Nous avons joué à Lorient et nous avons senti qu'il y avait un public pour ça, notamment en Bretagne ! Dans le Sud, c'est moins marqué, même si les Limiñanas ont créé une scène à Perpignan. À Montpellier, c'est plus limité, mais ça revient doucement.

La plupart des groupes de « psyché » en France se réclament aussi du « stoner ». Vous, ce n'est pas votre cas, vous êtes plus dans le côté « garage, psyché » ?

Exactement, c'est notre univers.

Vous avez sur scène des éclairages spéciaux ?

Nous allons en résidence à Victoire 2, la SMAC de Montpellier, pour travailler les lumières et les visuels. Notre musique s'y prête bien.

Mais souvent les groupes comme vous sonnent mieux sur scène que sur disque ?

Ça sonne différemment, je dirais… J'aime qu'il y ait une énergie supplémentaire, un côté humain. C'est du live, c'est normal.

Le disque risque d'être moins puissant que sur scène ?

Peut-être, mais beaucoup de groupes que j'ai découverts sur disque m'ont surpris en concert, avec plus d'énergie. Ensuite, j'ai redécouvert leurs disques sous un nouvel angle. Donc non, ça ne m'inquiète pas.

A bit Of Blue Sky (Single) - TELEMAC
par TELEMAC Music

https://www.youtube.com/watch?v=E0OZv5yQjQc

Vous l'avez fait où et avec qui votre disque ?

J'ai tout enregistré chez moi, et le mix a été réalisé au Mirador Sound Studio, près de Montpellier, où nous avons mixé 4 morceaux sur 6. Le reste, c'est moi qui l'ai mixé. Tout a été enregistré pendant le Covid, car j'ai un studio à la maison.

Ce sont des morceaux assez âgés ?

Oui, mais ils ont été finalisés en mars 2025. Les dernières retouches sont donc très récentes, surtout après les avoir testés sur scène, où nous avons modifié et amélioré des choses.

Quels ont été vos concerts les plus importants ?

Le Supersonic à Paris, qui était complet. Nous avons aussi joué dans des salles de Montpellier, comme le Rockstore, et fait une mini-tournée avec Minuit, sur trois dates dans des SMAC. Mais nos meilleurs concerts ont eu lieu dans des lieux improbables, montés par des associations. À Montpellier, il y a La Secret Place, que je soutiens personnellement en tant que bénévole. C'est difficile de maintenir ces lieux, mais les gens sont motivés et font vivre la musique.

Vous avez donc beaucoup tourné ?

Je fais de la musique pour monter sur scène. Quand je compose, j'imagine toujours ce que ça peut donner en live. C'est un moyen de partager la musique, et il faut que ce soit au point. Nous devons communiquer avec le public. C'est un tout : la composition, les instruments, le son, le visuel – j'adore le graphisme et crée moi-même les visuels. Ensuite, il y a la fabrication et les répétitions pour amener ça sur scène. C'est une construction stimulante, qui permet de rencontrer des gens à chaque étape. Je vis la musique avec une dimension sociale, collective.

En concert

Crédit : Olivier Scher

Vous êtes de Montpellier, vous êtes reconnus dans votre ville ?

Oui, même si le Covid nous a freinés. Ce n'est qu'en 2023 que nous avons repris les concerts. Maintenant, nous avons nos habitudes à Montpellier, même si notre musique n'est pas la plus représentée dans la région. Ici, c'est surtout l'électro ou le reggae, avec les plages et le soleil. Même des groupes comme OTH, les Sheriffs ou les Vierges sont passés par là, mais c'était les années 80. Aujourd'hui, la scène rock est plus limitée, contrairement à des villes comme Rennes ou Nantes.

Il va y avoir un album ?

Oui, en 2026. Nous avons déjà les titres ! Nous allons d'abord les faire vivre sur scène, puis enregistrer 12 morceaux. Nous voulions commencer par un EP pour ne pas nous lancer directement sur un long format. Comme nous sommes autoproduits, tout a un coût. Je pense aussi que la musique évolue avec le temps, et à notre niveau, il vaut mieux avancer par étapes.

Avec votre musique, vous allez pouvoir aller à l'étranger ?

Oui, notamment en Espagne, qui est proche de chez nous. Nous n'avons encore jamais joué à l'étranger. Nous partons cet automne en Angleterre pour une tournée de quelques dates !

L'EP est en anglais, vous allez chanter en français ?

Oui, l'album comportera des morceaux en français. Nous en jouons déjà sur scène. J'ai toujours eu du mal avec le français, car c'est difficile à faire sonner dans le rock. La phonétique de la langue ne s'y prête pas toujours. Heureusement, nous avons des gens qui savent écrire en français. Moi, je sais créer des riffs, composer, mais écrire un texte en français, c'est compliqué. Tout le monde ne peut pas y arriver.

Ils parlent de quoi, vos textes ?

De ruptures amoureuses, de relations humaines, de voyages, de transitions, mais ce sont surtout des états d'âme amoureux.

Crédit : Philippe Poulénas

Vous n'avez pas de textes politiques ou engagés ?

Non, même si je suis engagé à titre personnel. Pour Telemac, le côté psyché ne se prête pas à un discours trop réaliste.

Quels sont vos projets ?

Tourner, fédérer autour du développement du groupe, nous structurer pour progresser. J'ai des envies de sons et de création, mais je veux avancer sans précipitation.

Le mot de la fin ?

La pochette du disque représente un œil derrière des taches rouges et bleues. Je l'ai dessinée : c'est mon œil qui s'ouvre après mon réveil post-greffe cardiaque en 2020. On m'avait donné beaucoup de sédatifs, et j'ai fait des crises de délire. Je me souviens de me survoler, entouré d'hémoglobine. C'est une anecdote qui méritait d'être racontée.

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

Je choisirais Sébastien Tellier, pour son côté naïf et enfantin, qui peut parler aux plus jeunes.

https://www.facebook.com/telemacmusic/?locale=fr_FR
https://www.instagram.com/telemac_music/

Curlyz : Entre interview et playlist, plongez dans l'univers pop et solaire de Nice

Franco Onweb — 2026-04-23T17:31:46Z

Rencontrer Curlyz, c'est découvrir un duo niçois qui allie avec grâce des harmonies vocales envoûtantes, des mélodies pop élégantes et une passion contagieuse pour la musique. Leur premier album, What's That Chord ?, est un voyage sonore où se mêlent nostalgie, énergie et une touche méditerranéenne. Mais pour mieux comprendre leur univers, rien de tel que de plonger dans leur playlist personnelle, un véritable miroir de leurs influences éclectiques, allant du jazz de Billie Holiday au rock psychédélique de King Gizzard, en passant par la new wave de XTC ou la folk de Fiona Apple.

À travers cette interview et leur sélection musicale, Marie et Isabelle nous ouvrent les portes de leur créativité, entre complicité, liberté artistique et amour des mélodies intemporelles. Un duo à écouter sans modération, et une playlist à savourer comme une bande-son idéale pour accompagner leur univers

Pouvez-vous vous présenter ?

Curlyz : Curlyz, c'est la rencontre de deux voix qui se connaissent bien et qui ont eu envie de créer un projet à leur image. Après de longues années de complicité musicale, nous avons eu envie de prolonger l'aventure autrement : avec nos propres chansons, beaucoup d'harmonies vocales, des guitares, des mélodies et une vraie liberté artistique.

Curlyz, Marie et Isa

Droits réservés

Quels ont été vos parcours musicaux respectifs ?

M : Je suis autodidacte en musique. J'ai commencé à chanter à la fin des années 80 dans de petits projets éphémères, puis dans un groupe de reprises de girl groups au début des années 2000. En 2010 est né Bizarre Cooking Accident, dont je suis la chanteuse, avec un répertoire original d'inspiration rock 70's et dont j'écris les textes. En 2011, j'ai rencontré Isabelle en rejoignant Les Tikis et leur répertoire Northern Soul. L'aventure a duré treize ans, et Curlyz en est aujourd'hui la suite naturelle.

I : Mon parcours s'est construit au fil des rencontres. À 15 ans, j'étais choriste avec deux amies dans le groupe rock Les Mokos : mes premières scènes, et des souvenirs fondateurs. Plus tard, j'ai chanté treize ans avec Les Tikis, une aventure très importante pour moi. J'ai aussi joué de la basse avec Les Blondes, porté par Christine Lidon avec qui j'ai réalisé mes plus belles scènes, puis rejoint The Shark de Marc Piola Caselli. Aujourd'hui, je joue également en duo avec Olivier Nemejanski dans The Bratchman and the Lady qui est aussi une rencontre marquante, et je participe vocalement aux Kissing Cousins. Ce que j'aime le plus dans la musique, ce sont les aventures collectives.

XTC earn enough for us (Lyrics)
par Aaron Lanney

https://www.youtube.com/watch?v=Cn0Wpa-GWbA&list=RDCn0Wpa-GWbA&start_radio=1

Pouvez-vous nous parler de vos influences ?

M : Elles sont très larges : du jazz, de la soul, du rock… de Billie Holiday à Led Zeppelin. Les Anglais tiennent une grande place : les Kinks, Bowie, XTC, Kate Bush, Cocteau Twins, Divine Comedy ou Alt-J. J'aime aussi les artistes plus singuliers comme Fiona Apple ou King Gizzard.

I : J'aime beaucoup de styles différents. Quand je compose, je pense souvent à des sons, des harmonies ou des ambiances qui me rappellent les Revillos, X, les B-52's, les Go-Go's, Buzzcocks, XTC ou plus récemment Angel Olsen.

Pourquoi avoir monté ce nouveau projet, Curlyz ?

Curlyz : Après les Tikis, nous savions que nous avions encore envie de chanter ensemble. Plutôt que d'attendre une occasion, nous avons décidé de la créer nous-mêmes. Curlyz est né comme ça : avec l'envie de continuer, de nous faire plaisir et de proposer quelque chose de personnel.

Fast As You Can - Fiona Apple - 10/28/2017
par Radio Heartland

https://www.youtube.com/watch?v=xLLApwKg4eY&list=RDxLLApwKg4eY&start_radio=1

Comment le décririez-vous ?
Curlyz : Curlyz, c'est de la pop élégante mais vivante, travaillée sans être figée, rétro par touches mais tournée vers aujourd'hui. Des chansons mélodiques, des harmonies vocales, des guitares, et l'envie de faire une musique sincère et lumineuse.

Vous sortez un premier album, What's That Chord ? comment le présenteriez-vous ?

Curlyz : Nous voulions faire un album pop au sens large : des mélodies, des voix, des guitares. Le résultat ressemble à un patchwork sonore avec des couleurs variées selon les morceaux, mais une identité commune. Il y a du soleil, un peu de nostalgie, de l'énergie, des surprises… et surtout l'envie de faire un disque qu'on aimerait écouter nous-mêmes.

The Coral - Skeleton Key (Official HD Remastered Video)
par TheCoralVEVO

https://www.youtube.com/watch?v=yVHeDCCyLCk

Où et avec qui l'avez-vous enregistré ?

Curlyz : Une grande partie de l'album a été enregistrée dans nos home studios respectifs. Les batteries ont été réalisées à Nice, au studio « Beaucoup de Coups », chez Christian Rinaudo. Nous avons aussi eu la chance d'être entourées d'amis musiciens talentueux qui sont venus enrichir certains titres.

Quels musiciens ont joué sur cet album ?

Curlyz : Nous avons eu la chance d'être accompagnées par Gilles Eynaud de Faÿ (batteur des Play Boys et Luvely Rita) pour plusieurs batteries, Daniel Aprosio au mixage, mastering et batterie sur un titre, Olivier Nemejanski (The Bratchman) qui nous a confié la composition de Going Nowhere, Marc Galliani (guitariste des Play Boys et des Warmbabies ) dont la guitare a sublimé Misty Island, Marc Piola Caselli sur trois morceaux, ainsi que Christine Lidon aux chœurs sur Misty Island. Chacun a apporté sa sensibilité au service des chansons.

Beverley - Where The Good Times Are
par smylecouncil

https://www.youtube.com/watch?v=4zNDKxozJDw

Le disque repose en partie sur l'harmonie entre vos deux voix, ce qui rappelle beaucoup les productions des années soixante. Sont-ce toujours vos références ?

Curlyz : Oui, clairement. Nous aimons cette époque où les voix étaient de vrais instruments et où les harmonies faisaient partie intégrante des arrangements. Les Beach Boys, Crosby Stills & Nash ou certaines productions sixties restent des références. Mais il ne s'agit pas de nostalgie : on aime surtout réinterpréter cet héritage avec notre sensibilité actuelle.

Comment s'est faite la répartition des rôles au niveau des voix ?

Curlyz : Très naturellement. Nous choisissons toujours ce qui sert le mieux le morceau. Selon les tonalités, les couleurs de voix ou l'émotion recherchée, l'une prend le lead, puis l'autre. L'idée est que les voix dialoguent plutôt qu'elles ne se partagent des rôles fixes.

Cet album a un son très américain et très peu anglais. Est-ce volontaire ?

Curlyz : Absolument pas.

Bobby Come Back To Me
par The Revillos - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=K-8oUxIJstA

Ne serait-ce pas l'album parfait pour une nuit d'été sur la Riviera ?

Curlyz : Certainement… mais il fonctionne aussi très bien un matin d'hiver. S'il peut accompagner aussi bien une route de nuit sur la côte qu'un café un jour de pluie, alors le contrat est rempli.

Qui écrit et qui compose ?

Curlyz : Nous composons toutes les deux. Marie écrit les paroles, Isabelle développe beaucoup l'aspect instrumental et les arrangements. Ensuite, tout circule entre nous : une musique inspire un texte, un texte modifie une musique. C'est un vrai ping-pong créatif.

De quoi parlent vos textes ?

M : De portraits parfois, comme le personnage un peu frimeur de Mister Man ou la femme affirmée de That Girl. De choses plus intimes aussi, comme la nostalgie dans When I Get Back. Il y a également une dimension imaginaire avec The Bride ou Misty Island, et parfois des sujets plus actuels comme l'écologie avec Harsh Crash.

Angel Olsen - Forgiven/Forgotten (Official Video)
par AngelOlsenVEVO

https://www.youtube.com/watch?v=PinTAGbIsV4

Allez-vous monter sur scène ? Si oui, comment, quand et avec quels musiciens ?

Curlyz : Pour l'instant, notre priorité reste le studio et la création. Nous aimons construire cet univers discographique tranquillement. La scène n'est pas exclue, mais elle devra se faire dans la bonne formule et au bon moment.

Quand et chez quel label sortira cet album ?

Curlyz : Une anecdote qui nous a particulièrement touchées : lors du pressage de nos CD, l'équipe de Greek Guru Records, chargée de la fabrication, a pris le temps d'écouter nos morceaux. Leur réaction a été immédiate et extrêmement enthousiaste, au point de nous proposer spontanément d'intégrer leur catalogue. Un retour aussi inattendu que flatteur, qui nous encourage et nous conforte pleinement dans la direction artistique que nous avons choisie.

Comment pourra-t-on se le procurer ?

Curlyz : L'album sortira d'abord en CD et sur les plateformes numériques en MAI 2026. Et s'il est bien accueilli, pourquoi pas quelques pressages vinyles ensuite.

Le mot de la fin ?

Curlyz : Merci à celles et ceux qui prennent encore le temps d'écouter des albums entiers, de soutenir les artistes indépendants et de rester curieux. Si nos chansons peuvent apporter un peu de plaisir ou de légèreté, alors c'est déjà beaucoup.

https://curlyz-music.bandcamp.com/album/whats-that-chord
https://www.facebook.com/profile.php?id=61572233757831

Olivier Popincourt & Denis Bortek : une rencontre inattendue de deux musiciens Parisiens autour d'une Bossa Nova

Franco Onweb — 2026-04-16T16:02:20Z

Quand la Bossa Nova rencontre le Rock électrique et le Modernism, et que deux univers musicaux s'entrelacent autour d'un 45 tours, cela donne une collaboration aussi élégante qu'inattendue. Olivier Popincourt, passionné des sonorités des années 60, et Denis Bortek, interprète au phrasé délicat, unissent leurs talents pour un projet intimiste et raffiné. Entre La Pire des Berceuses – réinvention dramatique d'un titre d'Olivier – et une bossa nova composée sur mesure, leur single est le fruit d'une alchimie née sur les réseaux sociaux, consolidée dans les bars parisiens, et peaufinée à distance, entre voyages et studios personnels.

À l'occasion du Disquaire Day, les deux artistes révèlent un disque où la voix chaude de Denis Bortek se marie à des arrangements épurés, entre cordes envoûtantes et piano mélancolique. Pour accompagner cette interview, une playlist exclusive regroupe les influences qui ont inspiré ce 45 tours : de Pierre Barouh à Caetano Veloso, en passant par The Style Council et Nino Ferrer. Une plongée dans leurs univers musicaux, et une invitation à redécouvrir la bossa nova à travers le prisme de la pop française.

Rencontre avec deux mélomanes pour qui la musique reste, avant tout, une histoire de partage, de curiosité et d'hommages aux grands noms qui les ont marqués.

Comment s'est faite votre rencontre ?

Denis Bortek : Tout a commencé sur les réseaux sociaux. J'ai remarqué Olivier pour sa passion des années 60, que je partage totalement. Je l'ai invité à me rejoindre en live à l'International, mais il partait en Suède pour son travail. Nous nous sommes finalement croisés au Bar à Bulles, lors d'un numéro de Persona où je répondais à une interview de Frédéric Lemaître. Plus tard, Olivier m'a invité à chanter SOS Mesdemoiselles de Ronnie Bird en duo lors d'un de ses showcases à Montmartre. Nous avons échangé nos vinyles, et c'est là que j'ai rencontré Sébastien Souchois (aka Bastien Devilles), qui venait de jouer du saxophone baryton sur le titre que nous interprétions.

Denis Bortek et Olivier Popincourt

Crédit : Anne Marzeliere

Pourquoi avoir choisi ces titres ?

Denis Bortek : Je n'avais jamais chanté de bossa nova et j'avais envie d'essayer. J'ai demandé à Olivier s'il accepterait d'en composer une pour moi. Il l'a fait avec une spontanéité touchante. J'ai écrit un texte léger, rempli de morceaux de soleil, pour en faire une chanson fraîche et accessible, comme un cocktail de fruits savouré lors d'un moment ordinaire. C'était une première pour moi.

Le lendemain de son showcase à Montmartre, je lui ai envoyé un message pour lui dire à quel point j'aimais The Worst of Lullabies, un titre de la face B de son album We Were Bound to Meet, que nous avions échangé la veille. Nous avons finalement réinterprété ce morceau de manière très différente, en conservant l'arrangement de cordes de Sébastien Souchois. Nicolas Noël, au piano, a su mener cette "berceuse du pire" à son apogée dramatique. L'un d'entre nous avait dit : « Entre Satie et Oscar Wilde », une formule que je trouvais élégante et juste. Je ne sais plus qui l'a prononcée, mais je crois l'avoir lue chez Olivier.

Bortek & Popincourt (feat. Bastien Devilles) - Les Fruits du Paradis
par Truly Yours Records

https://www.youtube.com/watch?v=8O4EnlnKowo

Les deux titres ont un côté très « jazzy », proche de l'univers Mods. Est-ce un hasard ?

Denis Bortek : Ah, les Mods ! Je n'ai rien fait pour, mais nous partageons tous les deux ce côté Sharp du cool qui nous rapproche. « Kool Sharp Olivier » : cela pourrait être le nom de notre réunion !

Olivier, sur ces titres, vous ne chantez pas ou peu. Pourquoi ?

Olivier Popincourt : C'était le parti pris de cette collaboration : j'apporte la musique, Denis les textes et la voix. Denis a toujours chanté et écrit en français, et je suis ravi que ces titres soient interprétés dans la langue de Molière. The Worst of Lullabies devient ainsi La Pire des Berceuses, ce qui ajoute une touche particulière au projet.

Crédit : Anne Marzeliere

Comment s'est déroulée cette collaboration ?

Denis Bortek : Nous avons surtout travaillé à distance, Olivier étant souvent en déplacement. Nous nous sommes vus deux fois avec Sébastien, mais la plupart du temps, nous travaillions depuis nos postes respectifs. C'est très pratique quand on a envie de multiplier les prises sans déranger personne. Le confort de la maison favorise la concentration nécessaire à ce genre de travail.

Y aura-t-il une suite : concerts, autres titres, un album… ?

Denis Bortek : Attendons de voir les réactions que ce projet inspire. Un concert à Paris serait légitime, mais je crains que nous ne puissions aller plus loin, sauf si une radio s'intéresse à nous. Cela aiderait à faire connaître ce joli projet.

Crédit : Anne Marzeliere

Comment peut-on se procurer le disque ?

Olivier Popincourt : Le 45t sort le 18 avril dans le cadre du Disquaire Day. Il sera disponible dans les magasins de vinyles en France et sur le label www.trulyyoursrecords.com.

Que peut-on vous souhaiter pour la suite ?

Denis Bortek : Le meilleur, merci François !
Olivier Popincourt : Continuer ce genre de collaborations, avec des univers différents mais complémentaires.

Playlist : 5 morceaux qui ont influencé ce single

Denis Bortek

Autant les chansons que les interprètes m'ont inspiré dans cette quête d'une bossa nova « rêvée ». J'ai pensé à Pierre Barouh, dont j'avais découvert la BO d'un film indépendant, un western camarguais où il pose des mots d'une douceur inégalée sur des airs brésiliens. Son phrasé délicat et sobre me touche profondément.

Quand Georges Moustaki adapte The Waters of March de Carlos Jobim en Les Eaux de Mars, c'est d'une élégance bouleversante, « une promesse de vie » qui semble infinie. Nino Ferrer, avec La Rua Madureira, y met sa touche drôle et poétique, typique de son style. Un Homme et une Femme, de Francis Lai, popularisé par le film de Claude Lelouch, reste pour beaucoup la bossa nova la plus emblématique. Enfin, Jardin d'Hiver, de Keren Ann et Benjamin Biolay pour Henri Salvador, est la plus récente et la plus populaire.

• Pierre Barouh – Ce n'est que de l'eau

Pierre Barouh - Ce N'est Que De L'eau
par Naoyoshi K-Spectacularsurf

https://www.youtube.com/watch?v=INuUneeFEJQ

• Georges Moustaki – Les Eaux de Mars

Georges Moustaki - Les eaux de Mars (Lyric Video)
par GeorgesMoustakiVEVO

https://youtu.be/PYkA4WpR5Ic?si=uVtlmzkuBdQemz-A

• Nino Ferrer – La Rua Madureira

Nino Ferrer - La rua Madureira (Audio Officiel)
par Nino Ferrer

https://youtu.be/flsqODYRKOI?si=wgjc2aRGUTaMn9TO

• Nicole Croisille & Pierre Barouh – Un Homme et une Femme

UN HOMME et UNE FEMME ❤ MUSIQUE FRANCIS LAI ❤ FILM de CLAUDE LELOUCH (1966)
par ANOUSKA

https://youtu.be/lIkKPyc-SHA?si=MFMWP5dJC2J3Uz_a

• Keren Ann & Benjamin Biolay – Jardin d'Hiver (lien)

Keren Ann & Benjamin Biolay - Jardin d'hivers
par maflal

https://youtu.be/oyBcoTnu-GM?si=y917_74CP1ElWsWn

Olivier Popincourt

Je suis fan de bossa nova depuis mes 14 ans, quand j'ai commencé les cours de guitare jazz et découvert l'album Getz/Gilberto (1964), avec The Girl from Ipanema. À l'époque, j'écoutais aussi The Style Council, qui intégrait ces influences dans leurs albums. Dans chacun de mes disques, on retrouve ces racines. J'étais ravi que Denis propose de travailler sur un style si différent de son univers habituel. Ces deux titres, avec une économie de moyens et très peu d'instruments, mettent en valeur le grain de voix et la sensibilité de Denis.

• The Style Council – The Whole Point of No Return (pour l'influence et la découverte de ces musiques)

Style Council - The Whole Point Of No Return
par OWEN CA$H

https://www.youtube.com/watch?v=HK9ApGGiNwI&list=RDHK9ApGGiNwI&start_radio=1

• Louis Philippe & The Night Mail – La Maison Sans Toi (mon album préféré de 2025)

La Maison Sans Toit
par Louis Philippe - Topic

https://www.youtube.com/watch?v=BHR2wFCQmBo&list=PL3TcDnzQi-bK4iiF64l9PArmsC9GM-EoP&index=6

• Caetano Veloso – Dindi / Eu Sei Que Vou Te Amar (beauté à l'état pur)

youtube.com/watch ?v=75AILFTE8MI&list=PLrt7VbxNS8rePxxvEM5ozpVQN1B78OBCz&index=5

• Bill Evans – The Summer Knows (pour le piano de La Pire des Berceuses)

Bill Evans & Eddie Gómez - The Summer Knows (Official Audio) - Live at Montreux, 1975
par Bill Evans

https://www.youtube.com/watch?v=k9EfpTovSeY

• Colin Blunstone – Say You Don't Mind (pour le lien avec les cordes de La Pire des Berceuses)

Colin Blunstone - Say You Don't Mind
par Oh my gosh itz Mico

https://www.youtube.com/watch?v=RMoC0TcqPek&list=RDRMoC0TcqPek&start_radio=1

https://trulyyoursrecords.bandcamp.com/album/bortek-po

Child Of Panoptes : un groupe qui électrise la scène pop française

Franco Onweb — 2026-03-17T20:42:35Z

Plonger dans l'univers de Child Of Panoptes, c'est comme ouvrir une porte sur les années 60, mais avec une énergie résolument contemporaine. Né d'un projet solo, le groupe s'est transformé en une aventure collective, portée par des musiciens passionnés et une obsession pour les mélodies freakbeat, les harmonies mod-baroques et l'énergie brute du garage-punk. Entre deux tournées et des sorties discographiques qui s'enchaînent (dont un nouveau 45 tours chez Rogue Records, label toulousain culte), Child Of Panoptes incarne un revival sixties qui ne se contente pas de rendre hommage à une époque : il la réinvente.

Rencontre avec Alexandre Besson, le batteur et chanteur d'un groupe qui, entre répétitions, concerts mémorables et une alchimie musicale palpable, prouve que l'esprit des sixties est bien vivant — et plus vibrant que jamais.

Comment vas-tu ?

Salut, ça va super, merci !

Child Of Panoptes en concert au Yéyé Festival

Droits réservés

Que s'est-il passé depuis 2023 et la sortie du premier album de Child Of Panoptes en termes de sorties discographiques ?

Finalement, pas mal de choses ! Après le tout premier single en 2021 et le premier album en 2023 chez Soundflat, Rogue Records, un label toulousain, m'a proposé de réaliser un 45 tours. Début 2024, Child Of Panoptes sortait donc un EP de quatre titres, Un petit morceau de buvard, qui a été plutôt bien accueilli et s'est bien vendu. En 2025, un autre single, Down, est sorti chez Soundflat. Et ces derniers jours, en mars 2026, un nouveau disque voit le jour, toujours avec Rogue Records : un single de deux titres, New Romance / Out Of My Mind ! Pour tout te dire, on travaille déjà sur une nouvelle production, et j'aimerais beaucoup qu'elle sorte dans quelques mois.

Avez-vous beaucoup joué en concert ?

Pas tant que ça… En 2024, je crois qu'on en a fait cinq. En 2025, cinq aussi. En revanche, pour 2026, ce sera un peu plus, avec des dates vraiment intéressantes pour nous !

Quels ont été les concerts les plus marquants pour le groupe ?

Pour le groupe comme pour moi, sans hésiter, le Yéyé dans les Asturies en 2024. C'est d'ailleurs ce concert qui m'a vraiment donné envie de m'investir encore plus sérieusement dans ce projet. C'était aussi le premier concert où on était huit sur scène, avec l'objectif d'avoir le plus d'amis et de musiciens autour de moi. Notre concert à Cologne l'an dernier était vraiment génial, et celui de Liège, le mois dernier, était aussi super !

Child Of Panoptes - Out Of My Mind
par Rogue Records

https://www.youtube.com/watch?v=uO__TF4sPnU

À l'origine, tu m'avais dit que tu ne cherchais pas spécialement à monter sur scène avec ce projet. On dirait que tu as changé d'avis : qu'est-ce qui t'a fait évoluer ?

J'étais sincère à l'époque ! À ce moment-là, j'étais très concentré sur Chiffre Organi Zation (son autre groupe, NDLR), et je ne me voyais pas me partager entre deux projets. Puis il y a eu de belles propositions pour Child Of Panoptes, comme l'EP avec Rogue et le Yéyé. Depuis, Child Of Panoptes est devenu mon obsession principale ! Et puis, quelque chose s'est passé dans le groupe : l'investissement de certains musiciens a vraiment permis au projet de décoller. Je pense notamment à Antoine Nassier, batteur, qui a rejoint le groupe en 2024 et m'a permis de me consacrer pleinement au chant. Il y a aussi Éric Pouchet, notre guitariste, qui est devenu mon véritable binôme et porte ce projet autant que moi. Sans oublier Frank Durban, à la basse, toujours omniprésent. Et puis il y a Jamy Jean à la guitare et Arnaud Di Giovanni, orgue ,les deux plus jeunes du groupes , qui sont très agréablement enthousiastes !

Entre le premier concert et la formation actuelle, quels ont été les changements dans la composition du groupe ?

Child Of Panoptes est un groupe qui évolue avec des musiciens différents, qui contribuent au projet à un moment donné, sur disque ou en concert. Certains restent, d'autres partent, mais peuvent revenir. Comme Coog, qui a joué de l'orgue sur un morceau qu'on garde sous le coude.

Aujourd'hui, il y a un vrai noyau dur : Éric à la guitare solo, Jamy à la deuxième guitare, Arnaud à l'orgue, et moi au chant et à la batterie. Frank continuera d'intervenir à la basse, Lou Szymanowski a fait quelques dates avec nous, Max Studd nous a rejoints récemment et travaille déjà sur les prochaines, et Theo Campos intégrera le groupe pour certains concerts.

Alexandre Besson et Eric Pouchet

Droits réservés

Child Of Panoptes était à la base ton projet solo. Avec le temps, les concerts et cette formation, est-ce que c'est devenu un vrai groupe à part entière ?

Absolument ! Il y a une vraie dynamique de groupe, avec des répétitions régulières, l'investissement et la disponibilité de chacun, et une belle amitié malgré les différences d'âge ou de distance. On habite tous dans des villes différentes, mais on essaie de garder le lien en communiquant souvent. Éric et moi, on passe presque une heure par jour au téléphone pour discuter des dates ou des enregistrements. Et puis, il y a toutes les tournées qu'on a faites récemment, avec des trajets interminables qui nous ont vraiment rapprochés !

Vous sortez un nouveau 45 tours (deux titres) chez Rogue Records : pourquoi avoir choisi ce label, et comment s'est passée la rencontre avec eux ?

Un couple d'amis toulousains, Lydia et Fred, m'ont dit de contacter Jean-Marc, de Rogue Records, car il s'intéressait à Child Of Panoptes. Je l'ai contacté immédiatement, et on s'est tout de suite bien entendus ! Jean-Marc est quelqu'un de très discret, mais qui échange et partage énormément. C'est un passionné des disques et des années 60, donc ça ne pouvait que marcher entre nous. Il est aussi très bien entouré, notamment par son épouse Jocelyne. Ensemble, ils forment un couple adorable derrière ce label qui est devenu incontournable. Ils nous ont mis à disposition un super réseau, sans parler de l'objet en lui-même : le 45 tours ! Enfin, plutôt les deux : le premier EP, « Un petit morceau de Buvard », et le nouveau single, « New Romance ». Tous les groupes rêvent de travailler avec eux, et c'est bien normal !

Child of Panoptes - Un petit morceau de buvard
par Panoptes

https://www.youtube.com/watch?v=Ygu5w8TuAX0

Peux-tu nous décrire les deux titres de ce nouveau single ?

Je vais reprendre la formule de Jean-Marc, qui est parfaite : “New Romance” on the A-side is a freakbeat, mod-baroque tune, while “Out Of My Mind” on the flip delivers a moody garage-punk vibe ! » En anglais ça fait plus classe !

Qui a composé et écrit ces deux morceaux ?

Éric et moi avons travaillé ensemble sur ces deux titres.

Quels sont les projets à venir pour Child Of Panoptes ?

On veut faire un maximum de concerts en France, mêclasse !e n'est pas toujours facile en ce moment, et aussi à travers l'Europe. On souhaite continuer à enregistrer des disques et en sortir d'autres rapidement !

Un mot de la fin ?

Merci pour cette opportunité ! Merci à tous ceux qui nous soutiennent : nos potes de Perpignan, Toulouse, Bordeaux, Bourges, Avignon, Marseille, Lyon, Reims, Paris, Le Havre, Nantes, Liège, Cologne, et tous les autres endroits où on a pu jouer. Merci à Jean-Marc et Jocelyne de Rogue Records, à Marco de Soundflat Records, à Stéphane Taufer pour son travail photo avec le groupe, et à tous les musiciens qui ont contribué à ce projet !

https://roguerecords.bandcamp.com/album/new-romance
https://www.facebook.com/p/Child-of-Panoptes-61564934460036/
https://www.instagram.com/child_of_panoptes/

Droits réservés

Tv Sundaze : Le rock garage français qui défie le temps, entre vinyles, road trips et énergie pure

Franco Onweb — 2026-03-13T13:43:28Z

Ils ont troqué les études pour les guitares, les scènes surchauffées, et les tendances éphémères pour un rock intemporel. Tv Sundaze, quartet valentinois, incarne cette génération de musiciens qui croit encore aux disques physiques, aux tournées en camion et aux mélodies qui collent aux tripes. Entre influences punk des années 60, énergie live explosive et un deuxième album plus mature (Plastic Bag/Packing Tape), le groupe trace sa route loin des radars parisiens, mais bien décidé à faire vibrer la France — et au-delà. Rencontre avec Corentin, chanteur-guitariste, pour parler de road trips américains, de doubles maléfiques et de cette scène rock provinciale qui n'attend après personne pour exister.

Peux-tu présenter le groupe ?

Je suis Corentin, le chanteur et guitariste de Tv Sundaze. On a commencé comme beaucoup de groupes : à la base, on était juste des potes. On avait tous nos petits groupes respectifs, et on s'est formé en 2019, à la fin de notre période lycée. Tous nos projets musicaux se sont arrêtés presque en même temps, soit parce que les autres membres partaient faire des études, soit parce que les groupes se dissolvaient. En bons losers assumés, on a décidé de faire peu d'études et de continuer la musique (rires).

Tv Sundaze de gauche à droite Romain Da Silva, Corentin Roux, Max Sanfilippo et Jeremy Mezzafonte

Crédit : Alex Bec

Vous étiez où ?

À Valence, près de Lyon.

Il y a qui dans le groupe ?

Il y a Jeremy Mezzafonte à la basse, Romain Da Silva à la guitare, Max Sanfilippo à la batterie, et moi.

C'étaient quoi vos influences ?

Ça dépend avec qui tu en parles dans le groupe, les réponses seront différentes. Pour ma part, mes influences de base, ce sont les groupes punk et garage avec une touche sixties. Mon groupe préféré, c'est The Replacements. Je suis aussi un énorme fan des groupes des années 60 comme les Kinks, les Stones, les Who ou encore les Seeds.

Pour beaucoup, vous êtes un groupe psychédélique ?

Ça vient surtout de Romain, qui adore des artistes comme Ty Segall. D'ailleurs, Romain et Jérémy ont un projet psyché en parallèle du groupe.

Pour certains, vous êtes un croisement entre les Buzzcocks et le Crazy Horse. Pour moi, vous êtes aussi un groupe garage, mais j'ai l'impression que vous jouez toute la musique que vos parents vous ont fait écouter.

C'est un peu ça ! La veine Buzzcocks, c'est vraiment ça : j'ai grandi avec, mais aussi avec des groupes comme les Ramones. Nos influences, c'est vraiment cette époque et le punk des années 70/80 : Generation X, par exemple. Ça vient de nos parents : les miens m'ont fait découvrir Joan Jett ou AC/DC. Nos premières collections de disques, c'étaient vraiment celles de nos parents.

TV Sundaze - Don't Mind Me
par TV Sundaze

https://www.youtube.com/watch?v=-54es5-ldpM

Les gens de votre génération sont généralement plus dans le rap ou l'électro ?

Oui, c'est dommage, j'aurais préféré être plus dans « l'air du temps » (rires), mais c'est comme ça ! On a tous commencé très jeunes : moi, j'avais 14 ans, et à l'époque, avoir un groupe, c'était hyper stylé.

Vous avez sorti des disques très vite ?

Oui, dès 2020, on a sorti un premier EP plus pop, puis en 2023, notre premier album, Harness. En 2025, on a sorti un deuxième album, Plastic Bag/Packing Tape, et on prépare déjà un troisième. On est en pleine phase de composition, car depuis 2023, on a beaucoup tourné, et là, on s'est un peu posés pour se concentrer sur l'écriture.

Vous sortez encore des disques en physique, ce qui est rare à notre époque, surtout pour votre génération qui est plus dans le streaming.

Les disques, c'est toujours hyper important pour nous.

En concert au Belvédere Festival Juillet 2025

Crédit : MXWL Photographie

Vous êtes un vrai groupe de rock : sur scène, vous y allez à l'énergie et à la mélodie, et vous sortez des disques. Est-ce une nouvelle tendance dans votre génération ?

Bonne question. Dans notre milieu et la scène où on évolue, c'est assez fréquent. C'est vrai que quand on croise des gens qui ne viennent pas de notre univers, ils nous regardent bizarrement, comme si c'était incroyable de voir des gens sortir des disques en vinyle ou en CD. Pourtant, il y a plein de monde qui continue à en produire, et c'est super. L'objet physique compte beaucoup : il y a encore des collectionneurs, des passionnés qui consomment la musique comme ça.

Mais est-ce que tu ne penses pas qu'il y a une nouvelle scène rock française, avec des jeunes qui émergent et dont vous seriez l'un des fers de lance ?

Il y a une scène bien vivante dans toute la France, surtout en province, et on ne demande rien à personne : on avance, et c'est génial !

C'est une scène qui existe peu à Paris ?

Oui, je pense même que si on arrive à faire des choses et à avancer, c'est parce qu'on n'est pas à Paris. À Valence, on a des conditions idéales pour répéter et enregistrer. Ce serait bien plus compliqué si on était à Paris, ne serait-ce que pour déplacer notre matos. Pour la logistique, c'est vraiment mieux. En revanche, pour la promotion, on est obligés de venir à Paris, car tout s'y concentre. Mais on y est toujours bien reçus.

TV Sundaze - Extinctor
par TV Sundaze

https://www.youtube.com/watch?v=2A14EfOLZt4

Vous avez beaucoup joué ?

Oh oui, on n'a pas arrêté depuis 2023 ! On a notamment fait une tournée aux États-Unis en septembre 2025, qui était vraiment incroyable : 15 concerts en 25 jours. On a sillonné toute la côte Ouest, de San Diego, dans le sud de la Californie, jusqu'à Seattle, tout au nord. C'était génial : on a fait des road trips dans le désert, on est passés par Las Vegas, Salt Lake City… On était en camion, et on a roulé 10 000 km en trois semaines. C'était un de mes rêves, et je suis trop content qu'on ait réussi à le concrétiser !

Vous avez joué dans quels types de salles ?

Un peu de tout : des clubs punks, des bars, des grandes salles où il n'y avait pas beaucoup de monde (rires). Mais le public était excellent, vraiment très cool. Même quand il n'y avait pas foule, les gens voyaient qu'on venait de France et ils étaient adorables avec nous.

Vous allez sortir vos disques là-bas ?

On est partis avec l'idée de trouver un label sur place, mais on a vite compris que c'était super compliqué, car il y a déjà 1 000 groupes là-bas. En revanche, on a beaucoup vendu de disques en merchandising, et ils peuvent aussi les acheter en ligne.

En concert

Crédit : Pat

Et en France, quelles sont vos grosses dates ?

La Maroquinerie pour la Release Party de Nasty Joe début février, un gros festival à Valence chez nous, et on a aussi joué à Bordeaux avec les New Christs l'été dernier, dans un festival.

Est-ce que chanter en anglais a été une évidence pour vous ?

J'ai vécu aux États-Unis quand j'étais plus jeune, et j'ai toujours été très lié à ce pays. J'ai donc toujours écrit en anglais. Je n'ai jamais vraiment essayé en français. Beaucoup de gens me disent que je devrais, mais franchement, ça me saoule.

Ils parlent de quoi, tes textes ?

Sur le dernier album, sans l'avoir fait exprès, j'ai écrit une histoire autour d'un narrateur qui affronte ses démons et se crée une double personnalité. C'est une bataille entre lui et son double maléfique, entre le bien et le mal.

À l'écoute de vos deux albums, on voit que le deuxième est beaucoup plus nerveux, un peu comme si vous étiez sortis de l'adolescence.

C'est exactement ça ! Il y a un lien avec ce qu'on ressentait. Le premier album était plus porté sur des chansons avec des textes d'ado, des chansons d'amour. Le deuxième est plus direct, avec des textes plus adultes. On était plus âgés quand on l'a enregistré. S'il est plus énervé, c'est aussi parce qu'on a beaucoup joué en live. On aime les défis : parfois, on composait un titre et on le testait le soir même en concert, ou dès le show suivant. Après Harness, on a vu que le public réagissait mieux aux morceaux plus « nerveux », alors on les a gardés.

TV Sundaze - Fast Cars (Buzzcocks Cover) - Live Point Ephemere, Paris
par TV Sundaze

https://www.youtube.com/watch?v=W9Fm9ziX26M

Vous faites des reprises sur scène ?

Parfois, pour rigoler ! On a joué Fast Cars des Buzzcocks, par exemple.

Quels sont vos projets ?

On compose pour le prochain album. On a ralenti les dates de concerts pour se concentrer sur de nouveaux titres, car on était un peu las de tourner avec l'ancien répertoire. On veut du neuf. On a quelques dates à Chambéry ou à Valence jusqu'à l'été, mais globalement, on se focalise sur la composition.

Sur scène, vous mélangez très bien les voix entre Romain et toi, avec une section rythmique placée au centre.

C'est voulu : on a mis la basse et la batterie au centre, comme sur un disque, où la rythmique est au milieu et les guitares sur les côtés, avec la stéréo. Ça nous permet aussi d'être en arc de cercle et de tous nous voir. J'aime beaucoup cette configuration !

Votre force, c'est la mélodie ?

On met un point d'honneur à soigner les mélodies. J'adore tout ce qui est très mélodique, comme la pop. On passe beaucoup de temps à les travailler.

Vous n'avez pas de machines ?

On n'est pas trop machines. Le seul qui s'y connaît un peu, c'est Romain, mais globalement, on est plutôt guitares, baguettes qui tapent sur des fûts… On utilise des ordinateurs en studio, mais on utilise aussi de la bande. Quand je travaille chez moi, je fais tout sur des cassettes, à l'ancienne !

TV Sundaze - William Wilson - Live Point Ephemere, Paris
par TV Sundaze

https://www.youtube.com/watch?v=c3VJhm-tCXc&list=RDc3VJhm-tCXc&t=3s

Il est pour quand, ce nouvel album ?

On est en phase d'écriture, donc ce n'est pas pour tout de suite. Il y aura des petites choses avant, comme des sessions live… On va aussi sortir un petit documentaire sur notre tournée américaine. Un pote a tout filmé, et on a 52 minutes de rushs à montrer.

Ça va sortir en physique ?

On ne sait pas encore. L'idée serait de composer une BO originale pour le documentaire : on créerait la musique en regardant les images.

Quand on vous voit sur scène, on remarque surtout le plaisir que vous avez à jouer ensemble.

On adore ça : on est entre potes, et on vit ce truc à fond. Le moment qu'on préfère, c'est quand on est tous les quatre dans le camion, qu'on part faire une date et qu'on rencontre des gens sympas.

Le mot de la fin ?

Continuez à écouter nos disques : le nouveau arrive, et on va bientôt repartir sur la route !

Crédit : Alexe Bec

Quel disque donnerais-tu à un enfant pour l'emmener vers la musique ?

Le premier album des Ramones. C'est un groupe qui a un côté un peu cartoons, c'est parfait pour commencer.

https://www.facebook.com/tvsundaze/
https://tvsundaze.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/tvsundaze/

The Track of the Magnificent 9 : Tio Manuel, le 9e Voyage. Entre Bretagne et Désert, le Blues en Liberté

Franco Onweb — 2026-02-24T15:58:08Z

Depuis plus de deux décennies, Manu Castillo – alias Tio Manuel – trace sa route musicale avec une liberté rare, mêlant blues désertique, folk hispanique et rock sans compromis. Aujourd'hui, il revient avec « The Track of the Magnificent 9 », son neuvième opus, aussi abouti que magnifique. Entre les landes bretonnes et les souvenirs du désert espagnol, il a forgé un son unique, où chaque note raconte une histoire.

On se connaît depuis longtemps avec Manu. Alors quand il a accepté de se livrer sur ce nouvel album, j'ai sauté sur l'occasion et c'est avec une vraie sincérité qu'il aborde sa musique : sans filtre, avec passion. De ses collaborations avec ses musiciens, à ses balades sur les côtes bretonnes, en passant par ses influences rock'n'roll et ses coups de cœur pour Mink DeVille et autre Joe Strummer, Tio Manuel nous parle de création, de liberté et de cette obsession de faire vibrer les cordes de sa guitare.

La dernière fois qu'on s'était parlé, c'était pour Red Rowen, le groupe que tu avais rejoint en 2023. Que s'est-il passé depuis ?

En parallèle du groupe, je continuais mon projet Tio Manuel. J'avais envie de tourner avec Red Rowen, mais c'était compliqué de continuer sur les deux projets. On s'est quittés en bons termes, et je suis ravi si j'ai pu les aider à enregistrer et sortir leur 1^er album. Je leur souhaite bonne chance pour la suite. Je me suis donc à nouveau recentré sur mon projet et l'écriture du 9^e album de Tio Manuel.

Manu Castillo en concert

Crédit : Philippe Bérranger

Ton nouveau disque s'inscrit dans une veine blues, Mexicano, hispanique et folk, vraiment captivante. Tu vis maintenant en Bretagne : est-ce que le côté « landes » au bord de la mer a joué un rôle, sachant que tu aimes le désert ?

Oui, j'aime le désert. Mes grands-parents paternels venaient du désert espagnol, ce sont mes racines et ça m'inspire. Pour la Bretagne, je suis venu parce que je voulais quitter Paris et qu'un ami vivait dans le coin, et je ne pensais pas m'y sentir aussi bien. J'habite sur la côte, et j'adore ça.

Tu as trouvé un lien entre la Bretagne balayée par les vents et le côté désertique ?

Absolument. J'aime me balader sur ces sentiers côtiers balayés par le vent. Je suis arrivé il y a trois ans, et pendant les deux premières années, je n'écrivais pas vraiment pour Tio Manuel. Je découvrais la région… Un jour, un ami de radio, Franck Deschamps, qui travaille à Radio Béton, est venu me voir. On est allés déjeuner, et pendant le repas, il a demandé à écouter ce que j'avais écrit depuis mon arrivée. Je lui ai répondu que je n'avais pas d'inspiration. Sa femme m'a regardé et m'a dit : « Ce n'est pas possible ! Regarde où tu vis ! » Je suis rentré du déjeuner en me disant qu'ils avaient raison. Je me suis mis un coup de pied aux fesses et j'ai composé « The Moorland », qui parle justement de la lande. Ensuite, tout est venu naturellement.

C'est le morceau qui ouvre l'album, suivi de « Once Upon a Time », plus rapide, plus rock…

Oui, c'est plus rapide, et ça revient à ce que j'ai toujours fait : ce rock folk-blues qui est ma signature. Je ne voulais pas m'éloigner de cette couleur. La grille d'accords peut rappeler Mink DeVille, Bruce Springsteen ou Joe Strummer. Ça peut même évoquer The Clash par moments, dans ma façon de l'interpréter.

TIO MANUEL / BIG EASY
par TIO MANUEL ( Artist Official )

https://www.youtube.com/watch?v=B-9tSgs2Qak

Dans tes influences, on retrouve effectivement Mink DeVille, avec ce côté « Spanish Harlem ». On peut aussi penser à Calexico, mais on ne peut pas vraiment te classer dans une catégorie. Par exemple, tu cites Los Lobos dans ta bio. Le seul point commun que je vois avec eux, c'est ce côté hispanique.

Je suis d'accord avec toi pour Los Lobos, j'ai cette couleur hispanique, que je partage avec eux.

Mais tu es le seul à avoir ce son ?

En France, oui et c'est normal : avec le temps, tu développes ton propre style.

Avec cet album, tu as encore affiné ce son. On a l'impression que tu ne te poses plus de questions.

Ça fait un moment que j'ai compris qu'il ne fallait pas se poser de questions : tu fais ce que tu veux et ce que tu sais faire. Ça plaît ou ça ne plaît pas, mais ça me ressemble…

J'ai l'impression que depuis « The Ian Ottaway Project », tu as vraiment trouvé ton son et ta couleur, que tu développes depuis.

Oui, plutôt depuis « 4 Stones », mais c'est vrai : sur mes premiers disques, je cherchais encore ma voie. J'avais encore les démons de mon époque « Punk Rock Reggae ». « The Ian Ottaway Project » m'a aidé à me recentrer. C'est un disque qui m'a fait du bien, car Ian Ottaway, qui travaillait avec Black Rebel Motorcycle Club, a accepté de collaborer avec moi. Ça m'a décomplexé, j'étais à l'aise.

En concert

Crédit : TMphotos

Sur cet album, la guitare est encore très présente. Tu sais vraiment la faire parler sans tomber dans le côté « lourd ».

Oui, c'est un disque de guitare, et j'adore ça… Mais c'est aussi grâce à Gilles (Fegeant) !

Qui n'est pas sur tous les morceaux !

C'est un choix. Tio Manuel, c'est mon projet, c'est mon son. Je travaille d'abord seul, jusqu'à avoir une vision claire de ce que je veux. Ensuite, j'implique mes potes du groupe ou des gens comme Slim Batteux aux claviers, que je connais mieux maintenant. Je ne fais pas jouer tout le monde par copinage : je fais appel à des gens parce que je considère qu'ils vont apporter quelque chose. C'est pour ça que Gilles ne joue pas sur tous les morceaux, et que j'ai enregistré de nombreuses guitares moi-même. Je trouve que l'équilibre est plutôt réussi.

TIO MANUEL / FALL-LA CAÍDA
par TIO MANUEL ( Artist Official )

https://www.youtube.com/watch?v=ZzHtQCkgBGs&list=OLAK5uy_lv9iUlHH6ko3P8AvgTfQzWQ2UsthnKYcA&index=3

Justement, comment es-tu en studio ? Un dictateur, ou tu écoutes les autres ?

Il faut que ça groove, donc qu'il y ait une bonne ambiance. Aujourd'hui, je travaille comme beaucoup : j'ai un « home studio ». Je compose tout et je joue de tout. « The Moorland » a été bon du premier coup, mais d'autres morceaux ont demandé beaucoup de travail et de retouches. Quand je sais que j'ai enfin le morceau, j'appelle les autres. Mon ami et ancien batteur Léon Teoquer est venu jammer sur quelques titres au tout début, je ne savais pas encore où je voulais aller et puis Rudy (Serairi, le bassiste NDLR) est venu chez moi, puis je suis allé chez lui : on a bossé sur des lignes de basse et des chœurs. À partir de là, on a recalé les morceaux. J'ai envoyé les maquettes à Christophe (Gaillot, le batteur NDLR) et à Rudy, et je leur ai dit qu'on allait enregistrer les rythmiques. J'ai trouvé un studio en Bretagne, en pleine campagne : le WM Studio, dans les Côtes-d'Armor. On était en pleine nature, avec de l'espace et c'était vraiment le grand confort.

Tu n'es pas retourné au Garage Studio, où tu as enregistré la plupart de tes disques ?

Non, mais Bernard Natier (l'ingénieur du son du Garage NDLR) est venu sur place. On a fait tourner les titres pendant deux jours avant son arrivée. On a travaillé les choses ensemble. Quand il est arrivé, on était vraiment détendus. On a enregistré les rythmiques, des guitares et des voix témoins. Je suis rentré chez moi, et comme j'ai du matériel, j'ai retravaillé mes parties de guitare encore et encore. J'ai tout envoyé en Espagne à ma copine Sofia pour les chœurs, et à Slim Batteux pour les claviers. J'ai aussi fait venir Lila Frogg, une jeune choriste que j'avais découvert lors d'un concert avec Gil Riot.

Gilles Fegeant, guitariste

Droits réservés

Et ensuite ?

Quand tout a été terminé, je me suis posé et j'ai tout réécouté. J'ai vu où il fallait que Gilles intervienne. J'en ai parlé à Rudy, qui était d'accord avec moi. Tout ça est très démocratique, mais surtout cohérent d'un point de vue artistique. Ce n'est pas que du copinage !

Tu sais où tu vas !

Heureusement, après tout ce temps ! (Rires) Voici comment ça s'est passé : Gilles est venu, on a joué, et si tu prends le chorus de « Hope Is Better Than Dope », c'est lui qui l'a fait, alors que ce n'est pas son style. On a pris le temps de le travailler et, franchement, il a assuré.

Tu as ce morceau « Let's Ride », magnifique et presque acoustique.

C'est un morceau de rock'n'roll ! La première musique qui m'a donné envie de jouer, c'est le rock'n'roll des années 50, le vrai, l'ancien, le « Old School ». J'ai toujours aimé ça, comme le rockabilly. Ici, c'est juste une guitare acoustique, une électrique pour les leads, une contrebasse, avec ou sans batterie. Je voulais en faire un comme ça, et je me suis éclaté. J'ai enregistré toutes les guitares, car cette musique, c'est mon truc. Là, on est presque sur un style de puriste.

Manu Castillo et puis Rudy Serairi (bassiste ) en concert

Crédit : Philippe Bérranger

Il y a aussi « Louisiana Blues », où c'est la fête de la guitare avec plein de sons incroyables !

Là, j'avais enregistré toutes les guitares, mais Gilles est super fort à la « slide ». J'en avais mis une, et il m'a proposé de la refaire. J'ai enlevé la mienne, car la sienne était mieux et servait vraiment le morceau. Tu as raison, c'est un festival de guitares, mais Gilles y est pour beaucoup.

Et puis il y a « Polvo en el Alma », un morceau en espagnol où tu parles de quelque chose de personnel, avec beaucoup d'émotion.

C'est aussi ça, la musique : tu parles de ce qui te touche. Ce n'était pas facile, j'ai vraiment hésité à l'inclure. C'est un morceau fort et très personnel.

Tu as une facilité à mélanger l'anglais et l'espagnol avec naturel, ce qui donne l'impression de te voir dans une « cantina » en Amérique latine. Le fait d'être en Bretagne n'a-t-il pas encore développé ce côté de ta musique ?

Ça m'a apporté de la sérénité, et je respire. Être musicien ici, c'est bien, et ça me permet de ressentir des choses et de les développer.

Pourquoi ne pas avoir enregistré cet album entièrement chez toi ?

Pour des questions de matériel. Pour enregistrer les batteries, il faut vraiment un studio avec de bons micros et de bons amplis. La technologie permet de faire beaucoup de choses, mais pour obtenir ce que je voulais, il me fallait un studio professionnel.

Christophe Gaillot, batteur

Droits réservés

Ton son est vraiment beau !

C'est le génie de Bernard Natier. Quand on a terminé les prises, il est retourné au Garage et a travaillé tout ça pour obtenir ce son. C'est son savoir-faire !

Tu as ce groupe depuis quelques années, et il est vraiment incroyable !

Oui, Christophe, Gilles et Rudy, on se connaît bien maintenant, depuis plusieurs albums. Ce sont tous d'excellents musiciens, il suffit de voir leurs CV. J'en suis ravi.

Vous avez beaucoup tourné, et vous allez jouer ?

On commence à avoir des dates. On attend des validations, mais on va à Epinal, à Marseille, à Tours, Paris, Beaumont (près de Chinon) et on attend des retours de festivals pour l'été et l'automne.

Tio Manuel en Concert Ô Studio 28-10-2023 "Assassination Machine"
par Studio MicroClimat

https://www.youtube.com/watch?v=J_BuEbjvXHY

Tu as un côté voyageur : on t'imagine partir avec ta guitare, un sac, un carnet et un crayon.

J'aime bouger, c'est sûr !

Il y aura une suite ?

Pour l'instant, on se concentre sur la sortie : on va jouer l'album, le présenter au public en espérant qu'il plaise et on verra la suite après.

Il sort chez qui ?

J'ai ce côté buté, je n'ai jamais baissé les bras. A part avec Closer, avec qui j'ai sorti deux disques, aucun label n'a jamais été intéressé par ma musique. Alors, comme je ne suis pas du genre à me plaindre, et à attendre que ça tombe du ciel, je me suis dit « Fuck off, on y va » et on a monté notre label, « El Tio », distribué par Inouïe. Le label ne s'occupe que de moi, de mes affaires et de mes groupes. J'ai négocié avec Inouïe, je gère mes contrats, je suis seul décideur et par conséquent je n'ai pas besoin de faire de concessions.

Tu as un très beau graphisme sur tous tes disques : tes pochettes sont magnifiques !

Depuis le début, la graphiste, c'est ma cousine. J'ai de la chance qu'elle soit là. Comme je l'ai dit, j'aime le voyage, ce besoin de faire rêver et de faire voyager les gens. Je fais une musique de territoires, d'espace, de liberté, et il faut que ça transparaisse dans le visuel. On travaille dans ce sens. Les photos ont été prises par ma compagne, Florence, et ensuite, j'ai tout donné à ma cousine.

Manu Castillo en studio

Droits réservés

Elle est magnifique, cette pochette !

Tant mieux, mais je veux qu'elle retranscrive la musique du disque, que l'auditeur ne soit pas perdu. Qu'il y ait une cohérence.

Est-ce que, de temps en temps, tes doigts ne te démangent pas et tu n'as pas envie de revenir au rock « pur et dur » avec lequel tu as commencé ?

Forcément. Prends Red Rowen : j'étais content de jouer avec eux, car j'envoyais du gros son. Demain, si je croise un groupe dans ce style qui cherche un guitariste pour des concerts ou autre, je ne fermerai pas la porte. Mais ce n'est pas à l'ordre du jour : l'album sort, et j'espère qu'on va beaucoup jouer.
Ma priorité et mon actualité c'est « The Track of the Magnificent 9 » !

https://tio-manuel.com/
https://www.facebook.com/profile.php?id=100047976562608&locale=fr_FR#
https://tiomanuel.bandcamp.com/music
https://www.instagram.com/tiomanuelband